文艺复兴时期的绘画风格是怎样的

文艺复兴时期的绘画风格是怎样的

文艺复兴四大经典画法几个世纪以来一直在西方文化里耳熟能详。你了解文艺复兴时期的绘画风格怎样的吗?下面就是店铺给大家整理的文艺复兴时期的绘画风格，希望对你有用!

文艺复兴四大经典绘画风格与技法

文艺复兴时期的绘画风格：Cangiante 换色法

米开朗基罗《先知丹尼尔》(Prophet Daniel)，注意先知袍子在膝盖上的黄色

和旁边的绿色。

文艺复兴前期意大利绘画虽然也有胶绘(Détrempe)、蜡彩(Encaustique)等诸多画种类别，但还是以湿壁画(Fresque)和坦培拉(Tempéra)为主。当时受到技术及材料的时代局限，色料种类很少，艺术家们只能用很有限的少数几种颜色作画。尤其是在湿壁画的绘制中，由于石灰上不能使用对碱性物质敏感以致产生不良化学反应的颜料，所能使用的颜色就更少。因此当时的画家采取了相对简单的办法来表达色彩和明暗，比如简单地在物像固有色中调入黑色来表示暗部等方式，以用颜料画素描的办法来表达彩色的物件，而对色彩变化却无法深入表现。这时Cangiante——换色法就应运而生了。

这种方法旨在使用近似的颜色代替简单加白的亮部或简单加黑的暗部，只要这两种颜色的明度和色相差异不太大就可以。早在乔托(Giotto)的作品中，就能看到他偶尔用到这种方式，而安吉利科(Fra Angelico)则开始较多地运用这种以近似色代替的办法了。

其实这种方法虽然被称为是一种技法，但还是源于色料种类不健全时代的权宜之计。随着进入文艺复兴盛期时，颜料的种类也丰富了一些，然而这种传统却被承传了下来。米开朗基罗就是将这种技法发扬光大的人。

米开朗基罗喜欢色彩本身对艺术家意境的表达，因此从艺术的角度他反对在色彩中简单地掺入黑色来画暗部，而喜欢用较纯的颜色。例如他画的西斯汀天顶画，为了体现天堂的光辉和神的光明，他采用

很纯很明亮的颜色换掉了许多原本应画得灰暗的色彩，通过改变色相的方法提升了色度，调亮了色调。这就使得天顶画呈现出非常响亮、光芒四射的色彩效果。由于米开朗基罗的名声和影响力巨大，也使得Cangiante对后世的影响很大，以致后期此技法一直被沿用下来，并形成了一种艺术风格，在色彩上给予一定程度的夸张表达。其后的绘画，如风格主义(Maniérisme)和枫丹白露画派的作品中也时常看到这一技法留下的痕迹。

文艺复兴时期的绘画风格：Chiaroscuro 明暗对照法

乔瓦尼·贝利尼《圣约伯教堂装饰屏》(Retable de san Giobbe)画家合理地以明暗组织画面，使用明暗对照法在二维的平面上，形成了三维景深的空间感和人物立体的美感。

Chiaroscuro从广义上讲，是指用明暗来表达形体和空间的起伏变化，这种技法早已被当今几乎所有的学院派所传授，而文艺复兴时期很多画家就已经使用它了。虽然后来巴罗克前期的卡拉瓦乔(Caravaggio)在暗背景下将强烈的光线布置于主要人物身上，通过加强了的对置明暗关系使画面达到戏剧性的舞台剧效果，因此常常被称为明暗对照法的代表人物。但实际上在他之前许多画家就把这种技法掌握得炉火纯青了，比如乔瓦尼·贝利尼(Giovanni Bellini)的很多作品就已经体现出画家合理地运用明暗组织画面，从而在二维的平面上形成了三维景深的空间效果和人物立体的美感。

Chiaroscuro之所以被称为是一种技法，是因为它其实是一种与客观事实不一定相符的处理手法。举例来说：比如画一个站在露天的人，通过实际观察我们会发现，自然的天光一般都是四面来光，不会像单一光源那样造成非常明显的明暗状态。然而很多作品中的人物虽然身处大自然中，但为了便于艺术家塑造出立体感，总是像在单一光源之下，这与客观现实是完全不同的。

由于不同地区画家之间的来往，使各种技法在各国相互影响，逐渐让各类艺术风格走向成熟。比如以凡·艾克(Van Eyck)等人为代表的早期弗拉芒(Primitifs flamands)绘画技法流传到意大利地区后，在威尼斯和佛罗伦斯等地就逐渐演变出了一些与其本土技法融合后稍有不

同的变体技法。当时的画家在完善明暗对照法的过程中，也逐步地发展出越来越丰富的绘画语言。

文艺复兴时期的绘画风格：Sfumato 晕涂法

明暗对照法(Chiaroscuro)、晕涂法(Sfumato)和统合法(Unione)其实都不是孤立存在的，它们都是在同一种研究背景下逐步演化而来的。达芬奇闻名于世的晕涂法(Sfumato，直译为“烟雾法”)也同样是基于对光影的研究。几个世纪以来，人们不断地思考、探究达芬奇那神秘的朦胧美感，到底是通过怎么样的技法做到的。对于人所共知的Sfumato，大多数人的对其了解，也仅仅停留在它那“烟雾般”的名字上。

这套技法从2004年起经过6年时间被欧洲同步辐射设施组织(European synchrotron radiation facility)和卢浮宫的研究团队使用X射线萤光光谱测定法(Spectrométrie de fluorescence des rayons X)得以解密。他们在2010年的总结报告中指出，达芬奇虽然在不同的作品中，运用了并不完全相同的画法及大量的色层，但每一个色层都画得相当薄。从开始的薄底色、中间的塑造层，直到高层的数十层透明色罩染，每一层的厚度在色层干燥后都薄到只能用微米来计算，这就要求颜料的颗粒必须研磨得非常细腻。

众所周知，达芬奇本人同时还是科学家和发明家。有研究指出，达芬奇的颜料是用自己发明的机器研磨出来的，所以比同时代画家用手工研磨出来的颜料要更加细腻。达芬奇对于高品质绘画的追求使他作画时要花费大量时间和精力，小心仔细地反复刻画和渲染，这让他的很多作品完全看不见下笔的痕迹。

Sfumato的精妙之处，在于画家在画面有意处理得较浅的中间塑造层上，使用了非常细腻透明的色料和流平性好、易于薄涂的罩染媒介，一层一层极为谨慎地运用此前在弗拉芒地区高度发展的叠置罩染法(Superposition de glacis)。每一层的颜色，都微妙轻薄到几乎看不出来，而每一层都必须耐心等待那一层油色干燥后，再以不同的透明色罩染下一层，并根据物件结构的不同和光影的长调渐变来调整罩染色层的分布区域。就这样孜孜不倦地进行几十层罩染，非常缓慢地逐

渐丰富色调，以花费数年时间的辛勤工作，换来了异常柔和的视觉美感。由于层层透明色的处理方法，导致人们看到的颜色不是在调色板上调出的颜料本色，而是光线射进层层不同的透明色，在此光学作用下呈现出来的自然综合的整体色彩感受。

同时，这种由多层罩染技法处理过的某些轮廓的模糊状态，有效地克服了绘画中焦点透视法(Perspective conique)里单视点的弊端。因为人有左右两只眼睛，所以在现实中人看到的东西不会完全和单镜头相机照出来的东西一致。照片往往给人一种平面感，是因为传统相机无法类比具备天然视角差的双眼，把看到的物像通过视神经综合反映到大脑后所产生的图像和空间感。所以对轮廓线某些部分的虚化，使画中人物切实地融入他们所在的空间，让画面更具有真实感——就像我们用两只眼睛看到的那样。

值得一提的是，虽然画家把大量的时间花在了处理微妙细腻的色彩关系和明暗过渡上，但却始终保持着古典美所宣导的提炼取舍的原则，画面上并没有面面俱到的繁琐细节。这种大气而又精细的风格，也体现了画家的气度和对古典精神的把握。

文艺复兴时期的绘画风格：Unione 统合法

拉斐尔《椅中圣母》(La Viergeà la chaise)。(以上皆为网络图片) 没有像米开朗基罗那样在雕塑上的成就，也没有类似达芬奇涉足各类领域的好奇，拉斐尔把自己的时间、精力和天赋统统放在了绘画上。也正因为他在这一领域的专注与成就，后世的许多艺术大师都推崇拉斐尔为绘画史上的集大成者。

尽管在美术上有着非凡的天赋，拉斐尔一刻也没有放松过向前人和同时代的其他大师学习。他的虚心好学和与人为善的性格，让他年轻时就与许多当时的艺术家们建立了深厚的友谊，时常一起研究探讨绘画技法。因此，拉斐尔很早就掌握了各大流派的技艺，在本已异乎寻常的天赋下，又经过不断地苦心钻研与反复实践，终能达到融汇贯通于一身。

在掌握了Chiaroscuro和Sfumato等技法后，拉斐尔发现这些技法虽然能带来真实的空间感与柔和的渐变，但技法本身基于对明暗塑

造过多的依赖，导致画面的深色部分和中间灰调在逐级的过渡下拉长，让画面整体偏暗。拉斐尔在他的艺术生涯中，主要绘制的都是表现神和圣徒的作品，而只有明亮的、散发光彩的绘画才更适合于表现神圣题材，这让他想到了类似米开朗基罗一样，用较亮的颜色换掉阴暗色彩的办法。但拉斐尔所采用的，并非是早期的Cangiante那种简单置换而导致色彩支离破碎的方式，而是根据环境光和反光的色彩倾向，再按不同色相本身的明度差异，通过他精简后的晕涂法作出莹润的色彩过渡。这样画出来的作品，既保证了色彩的明度又具备了造型上微妙的明暗过渡，光彩照人。这种既避免了晕涂法色彩饱和度不足的问题，而又能将形与色有效统一到一起的办法，就是统合法(Unione)的由来。

拉斐尔的老师佩鲁吉诺(Pietro Perugino)是翁布利亚画派(École ombrienne)的代表画家，以能出色地运用透明罩染技法而闻名。在老师的真传下，拉斐尔20岁以前就完全掌握了这门技法。当他学会了达芬奇的Sfumato后，就把这两种技术综合了起来，在减少叠色罩染次数的同时，略微增加了每层透明色的厚度，这也是为了配合他那远厚于达芬奇的中间色层的厚度——为了体现神圣正义的力量，拉斐尔习惯于用较厚的中层色彩和肯定的笔触作画。不同于印刷品的图片，从原作的侧面对着光看去时，透过起伏不平的深厚笔法，可以清晰地体会到画家作画时的力度与信心。然而，从正面欣赏作品时，由于罩染层的光学作用，那些下层的笔痕又奇迹般地消失了，只有一个个生动的形象散发着高雅的古典气息。

人们总能看到拉斐尔画面上那些红黄蓝绿等纯而透明的色彩，却又被从浅色底层那里“来自内部的光”和谐地统一着。人物的皮肤，即使是阴影部分也有足够的明度和微妙渐变的颜色，在古典静谧平衡的构图中尽显优美。从拉斐尔的作品中我们可以看到很多其他大师技法的影子，有些技法风格甚至都是相互对立的，然而集大成者的拉斐尔却能完美地把它们统一在同一幅画中，以散发光芒的色彩表现神圣，美妙柔和的过渡展现纯善，雄厚有力的笔触表达正义，协调统一的色调体现理性，这就是拉斐尔的Unione——统合法。

文艺复兴时期的著名绘画家

波提切利(1445—1510)

波提切利的蛋彩画《春》，是意大利文艺复兴前期重要的代表作。它通过罗马神话故事中的人物表现了春天的美和典雅。被描绘成鼓着腮帮子的代表春风的西风神从画面右端飘然而入，他的双手触及了大地的仙女，仙女的口中溢出了鲜艳的花朵，这些花朵纷飞飘洒，不知不觉地沾在了前面花神的身上，形成了一件美丽的花衣，它象征着春天的来临。因此引来了画面中央的爱与美的女神维纳斯。在她的头顶有飞翔的小爱神，前方有正在对舞的三美神和众神的传信使者墨丘里。所有这些人物从右至左呈横列地排列着，他们所在的带金色的小树林里一派盎然的春意。显然，诸神们是为春天的到来而欢歌。美的追求和爱的觉醒是这一作品的主题。它是一首讴歌维纳斯爱的胜利的赞歌，体现了文艺复兴时期对希腊、罗马古典文化的肯定和赞美。平面的装饰性的构图和生动细腻的人物描写，体现了波提切利独特的艺术风格。

达·芬奇

达芬奇的壁画《最后的晚餐》是举世闻名的不朽之作。它取材于基督教圣经中耶稣被他的十二门徒之一犹大出卖而牺牲的传说。画家选择了耶稣告诉弟子有人出卖他的这一充满戏剧性的瞬间，着重刻画包括犹大在内的十二个门徒听到耶稣突然宣布这一惊人的消息而表现出的各自的内心世界，表达了画家对善与恶、美与丑、崇高与卑鄙的鲜明爱憎。对人物的微妙而深刻的心理描写，达到了空前的高度。全画的构图也很完美。门徒们三人一组，有联系又有区别。在画面空间与背景的处理上，透视法应用得非常熟练。从而使它与达·芬奇的另一名作《蒙娜丽莎》成为举世闻名的不朽之作。

米开朗琪罗

米开朗琪罗为罗马西斯廷教堂创作的巨幅天顶画《创世纪》，人物多达300多人，分成中央和左右两侧三个部分。中央部分又以原来的屋顶装饰为界，分成9个小部分，每个小部分之间用健美的青年人体分隔。中央两侧各画了6个高约4米的先知，此外还画了基督教的其他宗教故事。全画题材虽取自基督教关于上帝创造世界的宗教传说，

人物多是宗教人物，但他们不是基督教所宣扬的逆来顺受的奴仆和罪人，而是身强力壮的英雄般的人物。这是米开朗琪罗以人文主义思想表现宗教题材的结果，体现了画家对人的健美、力量和智慧的赞颂。所以，与其说它是表现虚幻的上帝创造世界的传说，倒不如说是体现了米开朗琪罗对宗教传说的再创造。

拉斐尔

以画基督教圣母著称的拉斐尔，有多幅圣母像传世。其中最有代表性的是《椅中圣母》。一位善良质朴、和蔼可亲的人间母亲的形象，取代了传统的神圣、庄严的偶像，圣母成了拉斐尔表现理想的女性美的化身。画中由圣母、小耶稣和小约翰三人组成的和谐的圆形构图，体现了拉斐尔娴熟的构图技巧。

扬·凡·埃克

欧洲油画的革新者、尼德兰著名画家扬·凡·埃克的油画《阿尔诺非尼夫妇像》是一件极富创造性的杰作。画中的男主人公是位荷兰皮毛商人，是扬·凡·埃克的好朋友。所以这是幅肖像画。但像这样的男女组合的全身双人肖像则是史无前例的。肖像的背景是非常具体真实的室内景，而且还是画的阿尔诺非尼夫妇举行婚礼的场面。所以，这幅作品又具有风俗画的性质。画中小圆镜上方的画家的亲笔签名，说明了画家亲自参加了他的朋友的婚礼，从而使这一作品兼有结婚证书的价值。更有兴味的是那面小圆镜，它既是室内的重要装饰，又借镜中映照出的画面内外的人与景，扩大了画面的空间，增强了作品的艺术表现力。

勃鲁盖尔

尼德兰另一著名画家勃鲁盖尔的《冬猎》(叉名《雪中猎人》)，从另一个角度显示了文艺复兴时期绘画艺术的突出成就。冬天的寒冷，原野的广阔的空间感，都得到了非常出色的表现，充分显示了欧洲文艺复兴时期绘画艺术所达到的惊人的写实技巧，同时也表明欧洲的风景画至此已经成熟。

文艺复兴时期的绘画类型

油画

达·芬奇《蒙娜丽莎》(木板油画，53×77厘米，1503年—1506年，巴黎卢浮宫藏)

一般认为，《蒙娜丽莎》是达·芬奇为意大利一个富商年轻美貌的妻子所作的肖像画。达·芬奇为此花了四年心血。当时，蒙娜丽莎刚刚丧子，心情很不愉快。达·芬奇为了不让她的画像露出愁容，特地请来乐师为她演奏美妙的音乐。她听到入迷之时，露出了一丝微笑，但眼神仍然带着怅惘、忧伤。达·芬奇以他高超的艺术技巧画下了这一刹那的笑容。从她的眼神和几乎完全临空的中指，人们可以想象出她正在聆听音乐。在蒙娜丽莎的脸上，朦胧的光线若隐若现，使得她的眼和嘴的轮廓有些模糊，令人难以捉摸，故使人觉得她的微笑有神秘味道，这正是这一千古杰作最具有艺术魅力的所在。

雕塑

多纳太罗《大卫》(青铜，高126厘米，1443年—1444年作，佛罗伦萨国立美术馆藏)

多纳太罗(1386年—1466年)是文艺复兴初期意大利最杰出的雕塑家、现实主义美术的重要开拓者之一。青铜雕像《大卫》是他重要的代表作，也是文艺复兴时期第一个全裸的人体雕刻。它标志着希腊、罗马的人体美术传统又得到了恢复。出自《圣经》传说中的大卫的这一形象，是欧洲文艺复兴时期美术家经常表现的题材。传说古代犹太人的国王大卫，在少年时就以甩石绝技击杀了巨人歌利亚，因而闻名。多纳太罗的这一《大卫》，正是表现少年大卫杀死巨人后，用脚踩在巨人首级上，流露出胜利的喜悦和自豪的情景。大卫这一形象，不仅人体比例正确，而且体态优美，线条流畅，表现了多纳太罗塑造人体的高度技巧。

米开朗基罗《摩西》 (大理石，高2.55米，1545年，罗马文珂里教堂藏)

这是米开朗基罗最著名的雕像之一，原是为教皇朱理二世陵墓所作。摩西是基督教《圣经》中传说的古代以色列民族的政治、宗教领袖和立法者。他曾率领以色列人摆脱埃及法老的奴役，又在上帝的授意下与人民相约订立了法律，即“摩西十诫”，他是一个被理想化了

的英雄人物。米开朗基罗之所以选择这一人物，既体现了他对古代英雄的崇敬，也寄托了他对新时代英雄的期待，即希望意大利也能出现像摩西这样的英雄人物，把正处于分裂状态中的祖国统一起来。所以，他塑造的摩西体格健壮犹如大力士，整个身体蕴藏着无穷的精力。他头上的代表智慧之光的两个角和那垂胸的美髯，都是为了突出这个神话般英雄人物的神异与伟大。摩西深沉的眼光与大义凛然的气概，以及右手紧紧地保护着象征“摩西十诫”的石板，意味着他对保卫人民利益的忠诚和信心。至于雕像对极其复杂的衣纹和质感的处理，以及摩西双臂肌肉和静脉的刻画，使人完全忘记这是冰冷的大理石，而是活生生的血肉之躯，充分显示了米开朗基罗高超的雕刻技巧。

壁画

西斯廷教堂天顶画(壁画，36.54×13.14米，约480平方米，1508年5月—1512年10月，梵蒂冈西斯廷教堂藏)

西斯廷教堂天顶画是米开朗基罗在绘画创作方面的最大杰作。它分布在该教堂整个长方形大厅的屋顶。整个屋顶长36.54米，宽13.14米，平面达480平方米，但由于屋顶是券拱形结构，画面略呈曲形，实际面积达500平方米左右，乃是美术史上最大的壁画之一。

提出由米开朗基罗来完成西斯廷教堂天顶画的任务，原来是出于心怀嫉妒的建筑师布拉曼特(1444年—1514年)的主意，他企图以此使缺乏绘画创作经验的米开朗基罗当众出丑，达到贬低米开朗基罗的目的。所以，当教皇执意要米开朗基罗担当这一创作任务时，他确实感到很为难。但意志坚强的米开朗基罗还是勇敢地接受了这一挑战性的创作任务。他将最初的无比悲愤的心情很快转化为创作的激情，谢绝助手协作，独自一人站在18米高的脚手架上作画，经过四年极其艰苦的劳动，终于出色地完成了这一宏大的创作任务。

壁画中的许多人物虽多系宗教人物，但他们都不是基督教所宣扬的逆来顺受的奴仆和罪人，而是体态健壮，具有强烈的意志与力量，显示了米开朗基罗是用人文主义思想来表现这些宗教人物的，寄托了他一贯追求的对英雄人物的崇敬和理想。所以，这一作品与其说是表现虚幻的上帝创造世界的传说，倒不如说是体现了米开朗基罗对宗教

传说的再创造。

《雅典学院》(意大利)拉斐尔(油画，底边宽8.2米，1509年—1510年作，梵蒂冈博物馆藏)

这是拉斐尔为罗马教皇在梵蒂冈签署法令的一座大厅内所画的四幅大壁画之一，又称《哲学》。它以古希腊著名哲学家柏拉图所创建的雅典学院为题，并以柏拉图及其弟子亚里士多德为中心，描写了古希腊以来五十多个各方面的著名学者，以此歌颂人类对智慧和真理的追求，赞美人的创造力。位居画面中心的柏拉图和亚里士多德，一人以指头指着上天，另一人则伸出右手指着他前面的世界，以此表示他们不同的哲学观点：柏拉图的唯心主义和亚里士多德的唯物主义。以他们两人为中心，两侧分别画出一些著名学者，如台阶下右侧的、手执圆规正弯腰画圆的秃顶老人是著名几何学家欧几里德(也有人说是阿基米德)。人物形象生动，各自的活动和动态，都统一在为探求真理而自由争辩的崇高主题之中，丝毫不显杂乱。整个作品的构图十分宏大，画面层次分明，人物有聚有散，疏密得当。作为背景的三层高大的拱门，既显示了画面很强的纵深感，又加强了全画的宏大气魄。在色彩处理上，乳黄色的背景与人物衣饰的红、黄、白、紫等互相交错，鲜明而十分协调。

(尼德兰)凡·埃克兄弟《根特祭坛画》的主体部分(木板油画，主体部分高3.5米，宽2.5米，1426—1432年，比利时根特市圣巴冯主教堂藏)

这是欧洲油画发展史上的一件重要作品，因为它是用革新后的油画材料画成的第一件杰作。在凡·埃克兄弟改革油画材料、技法之前，欧洲的油画实际上是蛋彩画，即把颜料与加水的蛋黄相融合，以此颜料作画。此种材料不耐潮湿，且色彩效果差。有人试图进行改革，但未获成功。直到凡·埃克兄弟在实践中最先发现了一种效果理想的含油的溶剂配方(可能主要是正确使用了树脂)，取得了突破性的进展。由于绘画技巧在当时只限于师徒间的秘密传授，此种新技法始终不为人知。故后人对此技法至今仍是众说纷纭。但它的实际效果则早已为实践所证明，故美术史上常有人说凡·埃克兄弟是油画的发明者。再从这一作

品的画风来看，尼德兰画家与意大利画家最大的不同之点在于画家刻意追求描写的真实性，不论是大处还是细节描写，都是极其精细。他们的不厌琐细、精益求精的刻画能力和严谨诚挚的作风，简直可以说是前无古人后无来者。

祭坛画是一种类似中国屏风式的立在祭坛上的宗教画。有独幅、有翼的三连式和多幅拼板画等多种形式。《根特祭坛画》是后一种形式的巨幅作品，共有26个画面。课本中所选的是其中的主体部分，共四个画面。上部正中是基督的像，左右两侧分别为圣母和圣约翰。下部是全画的点题部分(此画原称《羔羊的崇拜》)。羔羊是基督的象征，所以，众教徒对它顶礼膜拜。有趣的是，庄严的宗教仪式在美丽的大自然中进行，体现了画家对自然的热爱。这在以前基督教的宗教画中是很少见的。

丢勒《四使徒》 (木板油画，215×75厘米，1523年—1526年作，慕尼黑老绘画陈列馆藏)

丢勒(1471年—1528年)也是欧洲文艺复兴时期杰出的代表人物之一。他是当时德国最杰出的版画家和油画家，而且在工程技术方面也有重要的创造。在美术方面，他一生创作了许多木刻、铜版画和油画。他的油画《四使徒》(又译作《四圣图》)是他晚年最重要的代表作。画家创作这一作品的时候，德国农民战争(1524年—1525年)刚刚结束。画家试图通过描绘当时流行基督教新教认为的四个圣徒，即约翰、马太、保罗、马可(画面自左至右)，来表达他对祖国命运的深切关注和要求伸张正义、谴责邪恶的思想。所以，他在四使徒之一的约翰的形象上，直接采用了德国宗教改革运动中的杰出活动家麦朗赫顿的肖像特征。联系到这幅作品所创造的顶天立地的人物形象和这一作品悬挂的场所——纽伦堡市政厅，更可以使我们体会到画家创作这一作品的真意所在。此外，从这一作品中也可以看到丢勒艺术的一些重要特点，即造型结实，线条遒劲，构图严谨，气魄宏大。

欧洲文艺复兴时期美术

欧洲文艺复兴时期美术 在文艺复兴时期的欧洲，除了意大利在文化艺术诸方面成为先导者以外，在欧洲阿尔卑斯山以北的各个国家和地区，以城市为中心也逐渐出现了新文化、新艺术的曙光。就绘画艺术而言，当时的尼德兰已成了欧洲文艺复兴时期绘画的又一个繁盛之地（重要）。 “尼德兰”（荷兰语Nederland，等于英语Netherlands，也就是荷兰）一词意为低凹之地，包括莱茵河、缪司河、希耳德河下游及北海沿岸一带，即相当于今日的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部的部分地区。它面临大西洋与英国遥望，南由莱茵河为纽带与整个西欧相连接。早在中世纪时，它就因地理优势而成为北方主要的国际贸易中心之一。 由于地理条件优越，尼德兰很早就是欧洲西北部重要的水陆交通中心，手工业发达，商业繁荣，是当时欧洲资本主义经济十分发达的地区，因此文艺复兴时期尼德兰美术也取得了辉煌成就。 由于雕刻作品现存极少，在15世纪尼德兰美术中绘画方面的成就便显得非常突出了。尼德兰画派的艺术家们创作了大量祭坛画与独幅木板画，因为尼德兰美术脱胎于中世纪的哥特式艺术，使得尼德兰文艺复兴初期的绘画有比较浓郁有宗教气息，总的绘画倾向是：严肃、静穆，人物形象不够生动自然。加、另一方面，尽管这些作品大多表现了传统的宗教题材，却由于画家对描写世俗生活和周围环境的兴趣大大增长，作品中便不时体现出现实主义倾向。 罗伯特·康宾和扬·凡·埃克是尼德兰画派的主要奠基人。 罗伯特·康宾长期在图尔奈（Tournai）工作，他的著名作品有《受胎告知》、《耶稣诞生》等。虽然是宗教画，却通过某些细节描绘，使画面上流露着市民生活的情趣。当时在尼德兰还没有形成独立的风景画。画家在《受胎告知》中通过窗子画了窗外街景，可谓尼德兰绘画中最早描绘街景的例子。 扬·凡·埃克（约1390—1441）于1422年成为独立画家，1425年，

文艺复兴时期的绘画风格是怎样的

文艺复兴时期的绘画风格是怎样的 文艺复兴四大经典绘画风格与技法 文艺复兴时期的绘画风格：Cangiante 换色法 米开朗基罗《先知丹尼尔》(Prophet Daniel)，注意先知袍子在膝盖上的黄色文艺复兴时期的著名绘画家 波提切利(1445—1510) 波提切利的蛋彩画《春》，是意大利文艺复兴前期重要的代表作。它通过罗马神话故事中的人物表现了春天的美和典雅。被描绘成鼓着腮帮子的代表春风的西风神从画面右端飘然而入，他的双手触及了大地的仙女，仙女的口中溢出了鲜艳的花朵，这些花朵纷飞飘洒，不知不觉地沾在了前面花神的身上，形成了一件美丽的花衣，它象征着春天的来临。因此引来了画面中央的爱与美的女神维纳斯。在她的头顶有飞翔的小爱神，前方有正在对舞的三美神和众神的传信使者墨丘里。所有这些人物从右至左呈横列地排列着，他们所在的带金色的小树林里一派盎然的春意。显然，诸神们是为春天的到来而欢歌。美的追求和爱的觉醒是这一作品的主题。它是一首讴歌维纳斯爱的胜利的赞歌，体现了文艺复兴时期对希腊、罗马古典文化的肯定和赞美。平面的装饰性的构图和生动细腻的人物描写，体现了波提切利独特的艺术风格。 达·芬奇 达芬奇的壁画《最后的晚餐》是举世闻名的不朽之作。它取材于基督教圣经中耶稣被他的十二门徒之一犹大出卖而牺牲的传说。画家选择了耶稣告诉弟子有人出卖他的这一充满戏剧性的瞬间，着重刻画包括犹大在内的十二个门徒听到耶稣突然宣布这一惊人的消息而表现出的各自的内心世界，表达了画家对善与恶、美与丑、崇高与卑鄙的鲜明爱憎。对人物的微妙而深刻的心理描写，达到了空前的高度。全画的构图也很完美。门徒们三人一组，有联系又有区别。在画面空间与背景的处理上，透视法应用得非常熟练。从而使它与达·芬奇的另一名作《蒙娜丽莎》成为举世闻名的不朽之作。 米开朗琪罗 米开朗琪罗为罗马西斯廷教堂创作的巨幅天顶画《创世纪》，人物多达300

文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点

文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点 在欧洲文艺复兴时期，艺术和文化被重新繁荣起来，成为了整个时代的重要组 成部分。在这个特殊的历史时期，欧洲的艺术家们以前所未有的方式探索了人类的本质和世界的本质，并为未来几个世纪的艺术界开辟了新的方向。本文将讨论文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点。 一、形式方面的特点 在文艺复兴时期，欧洲艺术的形式经历了一些明显的变化。首先，画作的透视 呈线性和遵循科学原则，这是画家用透视来表现深度的经典方式。这种方式被广泛应用于描绘建筑物的立面、描绘城市街景以及描绘景物的远景。其次，欧洲艺术家们更多地关注了人体的比例和解剖学方面的表现，体现在画作中的人物形象更为真实、生动，人物的肌肉和筋骨形态更明显。此外，画作的颜色使用更充分，混合也更熟练。在从暗到明、从浅到深的变化中，红、蓝、黄三色具有主导地位。 文艺复兴时期欧洲艺术的主要特点之一是追求真实的表现。艺术家们尝试通过 物理学和解剖学的知识，绘制出更真实、更生动的画作。他们在这方面的成就为后世艺术界提供了可供学习的范例，并在整个艺术史上占据了重要地位。 二、主题方面的特点 文艺复兴时期欧洲艺术的主题广泛且多样。在这个时期，欧洲艺术家们探讨了 许多不同的主题和话题，从宗教到贵族阶级的肖像，从风景到战争，以及从私人领域到公共领域的许多主题。艺术家们向着自然主义和真实主义的方向探索，为现代素材主义艺术打下了基础。 一个特别重要的主题是著名的“圣经主题”，这是指文艺复兴时期壁画和油画中 描绘圣经故事的一类主题。这些画作一些反映出欧洲艺术家们对圣经故事的深入理解，同时还把这些故事与欧洲现实生活中的事件联系起来。比如，拉斐尔的“西斯 廷圣母”是一幅献给玛丽亚众人的圣像，被认为是文艺复兴时期最伟大的杰作之一。

文艺复兴时期绘画的艺术特色

文艺复兴时期绘画艺术的主要特色 1．思想的解放 文艺复兴时期人文主义教育思想的产生是以意大利人文主义教育謇挑战神学教育为开端的。他们大力兴办世俗学校，打破教会对教育的垄断局面；倡导人性教育，反对神性教育，从而将教育从神学的统治下解放出来。但这种解放是有限的，囿于时代的局限，他们不得不将圣经和神学教义作为必要的教育内容，使人文主义教育思想打上了深深的神学烙印，这充分体现了人文主义教育思想的矛盾性，也反映出文艺复兴时期过渡性的时代特征。 2．透视法 文艺复兴初期的画家当构思一幅画的时候，在安排景物的层次、角度、取光等课题上，往往倚靠着过去对事物的观察与绘画经验，常常会造成空间的扭曲，直到身兼建筑师、雕塑家与绘画家的布鲁内勒斯奇采取「透视法」，绘画的空间技术才得以突破。 3.油画取代蛋彩画 约自13世纪起，欧洲许多地方的画家都着手在中世纪流行的湿壁画和蛋彩画的基础上，探索一种比较方便又更有表现力的绘画材料，逐渐形成了油画。蛋彩画多用于拼版画，其颜料中加蛋黄、蜂蜜、无花果汁及胶水和溶剂溶合而成。15世纪以后，蛋彩画逐渐为油画所取代。油画从文艺复兴以后，成为西方绘画中主要的画种，现在普遍到世界各国。 文艺复兴的绘画是由“神”转为“人”的时代。在文艺复兴之前教皇统治的“黑暗一千年”里，圣母只是一个僵死的神的符号。冷面、呆板、拘束、正襟危坐、高高在上。到了文艺复兴，安吉利科最早把女性生命融入到了圣母的神像中。他的画采用了马萨乔的光线和明暗透视的新手法，既加入了人的因素，又保持了宗教艺术的传统特色，对后来的画家产生了深远的影响。而文艺复兴时期艺术技法上的特点，主要体现在以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等。在风格和技法上更注重色彩的协调和自然，不拘一格。在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则。

艺术欣赏：了解欧洲绘画艺术史的10个重要时期

艺术欣赏：了解欧洲绘画艺术史的10个重要时期1. 文艺复兴时期（14世纪末至17世纪初） 在文艺复兴时期，人们热衷于重新发掘并模仿古希腊和古罗马的艺术，并将其 与基督教题材相结合。文艺复兴时期的绘画作品注重逼真的人物形象、透视和 色彩运用。 2. 巴洛克时期（17世纪） 巴洛克风格强调感性、戏剧性和虚构性，在宗教和宫廷绘画中得到广泛应用。 巴洛克绘画以浓郁的色彩、动态的构图和明暗对比为特点。 3. 古典主义时期（18世纪） 受到古希腊和古罗马艺术的影响，古典主义追求平衡、对称和理性。这一时期 强调清晰而有序的构图、稳定的色彩，常以历史和神话题材呈现。 4. 浪漫主义时期（19世纪早期至中叶） 浪漫主义艺术强调个人情感、想象力和超自然的元素。绘画作品多以自然景观、婚姻和宗教题材为主，追求表达内心感受和情绪。 5. 印象派（19世纪末至20世纪初） 印象派艺术家试图捕捉瞬间的光影变化和视觉印象，注重快速、轻巧的笔法和 鲜艳的色彩运用。他们常常在户外直接作画，并追求真实而生动的描绘。

6. 表现主义（20世纪初） 表现主义正面反对传统的艺术形式，强调个体经验和情感的表达。表现主义绘画以扭曲变形的形象、夸张的色彩和明暗对比为特点，以此凸显内心体验和社会问题。 7. 立体派（20世纪初） 立体派挑战传统绘画的透视规律，将物体从多个角度呈现在同一个画面上。立体派作品常常由几何形状拼贴而成，给人一种立体感。 8. 超现实主义（20世纪中期） 超现实主义追求超越现实世界的想象和潜意识，作品中常出现超乎常理、梦幻般的形象。超现实主义绘画以精确的细节和变形的表达方式为特点。 9. 抽象表现主义（1940年代至1950年代） 抽象表现主义艺术家试图通过情感和冲动来创作作品，注重用线条、色彩和形状表达内在的情感状态。这一时期的绘画充满了活力和动态性。 10. 当代艺术 当代艺术包括各种风格和流派，其特点是多样性、前卫性和对传统艺术观念的挑战。由于当代艺术发展迅速且涉及广泛，无法给出具体描述，但它提供了广阔的创作空间。

意大利文艺复兴时期绘画艺术特点

意大利文艺复兴时期绘画艺术特点 在15世纪初期，意大利文艺复兴时期艺术开始在欧洲大陆上蓬勃发展。绘画作为文艺复兴时期最为突出的艺术形式之一，成为了欧洲社会文化和宗教信仰的一个重要表达方式。在这一时期，绘画艺术呈现出了几个特点。 首先，意大利文艺复兴时期绘画艺术呈现出了对自然和人体的高度关注。在中世纪，宗教性质的艺术主导着形式，艺术家们将自己对宗教内容的理解注入到艺术作品中。但在文艺复兴时期，艺术家开始将注意力转向了自然和人体。他们通过对人体和自然的研究，发展了一种新的技巧（如透视法），以便具体表现和表达人体和自然的真实形态。 其次，文艺复兴时期绘画艺术呈现出了对光和色彩的热爱。在世俗艺术的影响下，艺术家们追求视觉上的效果和美感。他们发现，通过对色彩和光影的运用可以使画面更加生动和逼真。因此，艺术家们开始探索如何使用颜料和光线来表现感觉和情感。 此外，意大利文艺复兴时期的绘画艺术还呈现出了对中世纪绘画风格的反叛精神。在中世纪，绘画艺术通常被用来传达宗教信息，因此艺术作品的表现形式通常都比较单一。但在文艺复兴时期，艺术家们渴望创造更加多样化和真实的形象。他们摆脱了一些传统的符号语言，使用自己对视觉艺术的理解和表达方式创造出了一种新的风格。 最后，文艺复兴时期的绘画艺术呈现出了对美的崇尚。在社交礼仪和审美观念的影响下，艺术家们开始创造一些真正令人愉悦的艺术作品。他们用艺术理解和表达自己对美的感受和追求，致力于创造高质量的画作，例如达芬奇的《蒙娜丽莎》和拉斐尔的《雅典学院的学者》等作品。

总之，意大利文艺复兴时期绘画艺术具有对自然和人体的高度关注、光和色彩的热爱、反叛中世纪绘画风格的精神和对美的崇尚等特点。这种丰富和多样的绘画风格激发了艺术家们的创造力，成为了绘画艺术的一个重要里程碑。

法国文艺复兴的艺术特点

法国文艺复兴的艺术特点 法国文艺复兴是欧洲文化史上的重要时期，它在艺术、建筑、文学、音乐等领域都产生了重大影响，被誉为“文化复兴之花”。那么，法国文艺复兴的艺术特点有哪些呢？ 一、艺术风格多样化 法国文艺复兴时期，艺术风格多样化，既包括了文艺复兴前风格的一些延续和发展，也包括了一些新的艺术风格的出现。其中，最重要的是新古典主义风格，这种风格源于古希腊和古罗马艺术的复兴，重新探究了它们的美学原则，体现了对理性和精神实质的尊重。 二、艺术作品独具特色 法国文艺复兴时期的艺术作品，独具特色，有别于其它时期的艺术作品。在绘画方面，法国文艺复兴时期的画家们善于表现人物的肖像，有些作品还体现了对自然风景、城市建筑和生活场景的洞察和描绘。在雕塑方面，艺术家们运用了一些新的技法和材料，创造出了许多精妙绝伦的雕塑作品。 三、注重色彩运用 法国文艺复兴时期，艺术家们开始注重色彩运用，这种注重对色彩的运用被称为“色彩学派”。在色彩学派的影响下，艺术家们开始关注颜色的搭配和运用，注重明暗对比和光影效果。 四、对比鲜明的构图 法国文艺复兴的艺术作品中，往往采用对比鲜明的构图，这种构图方式强调了画面的层次感和空间感。在对比鲜明的构图中，艺术家们善于利用线条、形状、颜色和形态等元素的对比，营造出一种独特的视觉效果。

五、追求真理和表现力 在法国文艺复兴时期，艺术家们追求真理和表现力，关注艺术作品的深度和表达。他们不仅在表现人物形象和情感方面下了多功夫，还对各种艺术形式进行了深入思考和研究，注重艺术作品能传递出深远的内在含义。 六、建筑风格的变革 法国文艺复兴时期，建筑风格也发生了变革，由此诞生了文艺复兴建筑。这种 建筑风格充分发挥了立体空间的表现能力，擅长运用柱廊、拱顶、尖塔等元素，营造出有层次感的建筑形态。 在总体上看，法国文艺复兴的艺术特点体现在各个方面，它们表达了时代的特 性和文化内涵，也为后世的艺术发展铺平了道路。作为一个突出的文化时期，法国文艺复兴不仅影响了当时的艺术界，也对后世的艺术形式和风格产生了深远的影响。

意大利文艺复兴时期的艺术风格与流派

意大利文艺复兴时期的艺术风格与流派 意大利文艺复兴是一个历史悠久而又充满活力的时期，尤其在艺术领域展现出独特的风格与流派。在这个时期，许多伟大的艺术家们通过他们的作品表达了对文化、知识和美的追求，为后世留下了丰富而深远的艺术遗产。 1. 文艺复兴的艺术风格与特点 文艺复兴时期的艺术风格强调对人体、自然和古典文化的重视。艺术家们对人体的形态、比例和肌理着迷，通过精细的解剖研究和观察，创作出惟妙惟肖的人物形象。他们追求真实性和逼真度，并运用线条与光影的变化来赋予作品生动感。此外，他们还善于描绘自然景色，展现出对环境和自然界的深入观察和心灵体验。 2. 文艺复兴时期的绘画流派 在文艺复兴时期，有许多不同的绘画流派，每个流派都有自己独特的风格和主题。其中最为重要的流派之一就是“弗洛伦萨绘画派”。这一流派由伟大的艺术家们如达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等创立。他们以弗洛伦萨为中心，以宗教题材为主，力求在绘画中表现出宗教信仰的情感和精神。 另一个重要的流派是“威尼斯画派”。该画派以威尼斯为中心，艺术家们注重色彩的运用和表现力的发挥。他们善于运用鲜艳的色彩和光影的变化来创造出充满艺术效果的作品。威尼斯画派的代表人物包括乔尔乔内、提香和蒙茨内。 同时，还有一些其他重要的绘画流派如“罗马画派”和“米兰画派”等。这些不同的流派各有特色，但都以文艺复兴时期的核心理念为基础。 3. 文艺复兴时期的雕塑与建筑 文艺复兴时期的意大利雕塑也取得了重要进展。米开朗基罗以其《大卫像》和《圣母像》等作品，展现了对人体神圣与完美的追求。建筑方面，也出现了许多杰

出的建筑师如布鲁内莱斯基和米开朗基罗等。他们以古代罗马和古希腊的建筑为灵感，创造出了一系列优雅而庄重的建筑作品，如圣彼得大教堂和弗洛伦萨大教堂等。 4. 文艺复兴的艺术作品的影响 文艺复兴时期的艺术作品不仅在当时的意大利有着深远的影响，而且对整个欧 洲艺术史的发展产生了重要作用。它们展示了对文化、知识和美的热情，激发了后来艺术家们的创造力，影响了下一代的艺术风格和流派。同时，它们也成为了后世艺术理论和创作技巧的重要参考与借鉴。 总之，意大利文艺复兴时期的艺术风格与流派是一个充满活力和创造力的时代。众多艺术家通过他们的作品，展现了对知识与美的追求，为后世留下了丰富而珍贵的艺术遗产。这些作品不仅在当时具有深远的影响，而且对整个欧洲艺术史产生了重要作用。我们应该珍惜并欣赏这些艺术家们为我们带来的杰出艺术成果。

艺术史文艺复兴时期的艺术风格

艺术史文艺复兴时期的艺术风格文艺复兴是欧洲历史上一个具有重大影响的时期，也是艺术史上一个独特的时期。在文艺复兴时期，艺术家们通过对古希腊和古罗马艺术的研究，以及对人体解剖学和透视法的探索，呈现出了独特的艺术风格。本文将介绍文艺复兴时期的艺术风格及其特点。 1. 几何规则的透视 在文艺复兴时期，艺术家们开始运用几何规则来创造逼真的透视效果。通过研究和应用透视法，他们能够准确地呈现出远近景深和物体的比例关系。这种透视法使得画面更具立体感，观者可以感受到真实的空间深度。这种透视法的应用不仅在绘画中体现得淋漓尽致，同时也影响了建筑和雕塑的创作，使得这些艺术形式也具备了几何规则的透视效果。 2. 自然主义的肖像画 文艺复兴时期的艺术家们对人体解剖学的研究使得他们能够更加准确地描绘人体的各个部位。艺术家们开始创作自然主义的肖像画，通过细腻的皮肤质感和真实的表情来展现人物的个性和内心世界。肖像画成为了文艺复兴时期艺术家们展现自己技巧的一种方式。同时，文艺复兴时期的肖像画也成为了贵族和富商们展示自己社会地位和财富的象征。 3. 宏大叙事的历史画

文艺复兴时期的艺术家们对历史的热爱使他们开始创作宏大叙事的历史画。这些历史画通过生动的场景和栩栩如生的人物形象，讲述着古代历史中的英雄事迹和重大事件。艺术家们通过绘画的方式向观者们传递对历史的敬仰和对英雄的赞美。历史画也成为了文艺复兴时期最重要的题材之一，它们不仅使人们对历史有了更深的了解，同时也让人们对历史中的英雄事迹充满敬畏之情。 4. 精细而华丽的细节描绘 文艺复兴时期的艺术风格注重细节的描绘。无论是肖像画还是历史画，艺术家们都力求尽可能地还原事物的真实细节，以达到更加逼真的效果。他们通过花费大量的时间和精力来绘制人物、服饰、建筑等细节，使得作品显得格外精致华丽。这种注重细节的描绘也成为文艺复兴时期艺术风格的一大特点，它使作品更富质感，更具观赏性。 总结： 文艺复兴时期的艺术风格由几何规则的透视、自然主义的肖像画、宏大叙事的历史画以及精细华丽的细节描绘构成。这些特点使得文艺复兴时期的艺术作品显得逼真而具有魅力。在这个时期，艺术家们通过对古希腊和古罗马艺术的研究以及对人体解剖学和透视法的探索，为后世的艺术创作奠定了基础。文艺复兴时期的艺术风格对于后世艺术的发展产生了深远的影响，成为了西方艺术史上的重要里程碑。

论文艺复兴时期的艺术风格和思想特征

论文艺复兴时期的艺术风格和思想特征 在人类历史上，文艺复兴时期（14世纪至17世纪）被认为是欧洲文化的黄金时代。在这个时期，艺术的风格和思想呈现出独特的特点，成为了当时欧洲社会的文化瑰宝。 一、艺术风格 文艺复兴时期的艺术倾向于表现自然真实，强调对人物形态及其特征的恰当表现。在这个时期，人物形象开始致力于精确的比例和透视，肌肉线条和身体比例被塑造得非常精美。同时，艺术家用光线、阴影、色彩和纹理等技术手段，使画面呈现出更具体、更冷静、更真实的效果。 在绘画方面，文艺复兴时期的艺术家使用了更加复杂的色彩和技法，使画作更加具有逼真感。如达芬奇的绘画，他用非常透彻的人体解剖学知识和先进的调色技法来展示肌肉和骨骼，使人物更有生命力。另外，文艺复兴时期的艺术家不再局限于唯一专业，他们开始涉猎各个领域的知识，从舞蹈到建筑、数学、哲学等，汲取灵感，使绘画更加绚丽多彩，呈现多元化的视觉效果。 在雕塑方面，文艺复兴时期的艺术家也开始注重细节的描绘和逼真的表现。如米开朗基罗的雕塑“大卫”和“创世纪”的描绘，令人惊叹于他的技艺。在文艺复兴时期的雕塑中，艺术家们还注重表现情感、思想和意象，用沟槽和信息勾勒出雕像的各个面。 二、思想特征 文艺复兴时期是人类历史上思想进步的时期，其社会、政治和文化背景对运动及其前沿理念的发展产生了深远影响。文艺复兴时期的艺术家在艺术创作中也表现出了先进的思想。

首先，文艺复兴时期的艺术家追求着人文主义思想。他们鼓吹人性、理性和自由，强调人的地位和价值，反对教条主义和超自然主义，支持探索人类身体和精神的真实面貌。通过艺术的手段，艺术家们能够表现并传达出人文主义的精髓，进一步加深人们对人性和自由的理解。 其次，文艺复兴时期的艺术家强调了自己的独立性和创新性。在这个时期，艺 术家们已经不再局限于传统的题材和技法，开始尝试各种新颖而前卫的方式来表现艺术，创新了一系列的艺术作品。此外，艺术家们也拥有了独立思考和独立创作的精神，表现出了独立思考、创新的特点。 最后，文艺复兴时期的艺术家们热衷于研究各种科学和哲学理论，将其运用到 艺术创作中。如达芬奇的“飞行器”想法，表现了他对人类探索的渴望。艺术家们不仅仅是艺术家，更是科学家和思想家，他们开始尝试将科学和哲学运用到艺术中，创造出更具有实验性和先进性的艺术成果。 综上所述，文艺复兴时期的艺术风格和思想特征在当时欧洲文化中具有创新性、前瞻性和开放性，深深吸引了广大的艺术家和思想家。作为人类历史上最重要的文化运动之一，文艺复兴时期是艺术和思想的宝库，对今天的主流艺术思潮和理念仍有着深远的影响。

分析不同艺术时期的绘画风格和艺术家作品

分析不同艺术时期的绘画风格和艺术家作品文艺复兴时期的绘画风格突破了中世纪封建主义的束缚，追求了个人和人类的本质，以及对于古希腊和罗马文化的热衷。该时期的绘画作品强调逼真的人物形象、对透明或模糊的景深的运用和大胆的对比。 例如，达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一。他的作品表现出深度透视和精确的人物形象。《最后的晚餐》是达芬奇的代表作之一，画面中充满了细腻的表情和动态的姿态，透过光影的运用，传达出人物内心的思想和情感。 巴洛克艺术时期的绘画风格在欧洲17世纪末至18世纪中期取得了巨大成功。这个时期的画作充满了运动感、戏剧性和极端的情感表达。艺术家们经常使用强烈的对比和明暗效果来强调画面中的焦点。 荷兰画家弗朗斯·哈尔斯是巴洛克时期最著名的画家之一。他的《夜巡》被认为是巴洛克时期的代表作之一。画中呈现出宏大的场景、运动的仪仗以及通过明暗对比和对角线构图所创造的紧张氛围。

印象派是19世纪末至20世纪初兴起的艺术运动，其追求捕捉 瞬间的光影变化和自然景观的感觉。印象派艺术家倾向于快速的、笔触明显的绘画技法，以表达对光线和色彩的感知。 莫奈是印象派运动的奠基人和代表人物之一，他的作品《睡莲》系列以自然和光线的变化为主题，通过模糊的笔触和妖娆的色彩 传达出深厚的情感和印象。 至于现代艺术时期，艺术家们开始了“革命”，试图打破传统的 观念，探索新的艺术形式和表达方式。这个时期的绘画作品呈现 出更加多样化、抽象化和表意性的特点。 毕加索是现代艺术时期最著名的艺术家之一。他的作品《吉尔 伯特塔图像》是艺术家对于西班牙内战的回应，以极简主义的线 条和对比鲜明的颜色呈现出政治和社会的冲突。 绘画艺术风格在不同的时期呈现出独特的特点和表现形式，艺 术家们通过不同的创作方式和技巧，传达出各自对于世界的理解 和情感。这些艺术作品不仅是历史的见证，也是人类文明发展的

文艺复兴时期的绘画

文艺复兴时期的绘画 初期的绘画 一般来说，意大利文艺复兴初期重要的画家包括意大利文艺复兴绘画的奠基人-马萨乔﹝Masaccio﹞、修士画家-安杰利科﹝Angelico﹞、醉心透视法钻研的乌切洛﹝Uccello﹞、画作有数学般完整的形式和出色的空间感的弗兰且斯卡﹝Piero deIla Francesca﹞、帕多瓦派文艺复兴画家曼特尼亚﹝Mantegna﹞和妩媚之神-波提切利﹝Botticelli﹞等人。 十五世纪末，佛罗伦萨由于政局的变化，情势转为不安，因此艺术家就前往中部的罗马和东北部的威尼斯，使这两个城市在十六世纪成为意大利文艺复兴盛期的艺术中心。 这时候的艺术家开始重新检讨自己与古典之间的关联，放弃过去对于形体的单纯分析方式，改以从世界宏观的角度出发，以行动具体展现更高层次的理念。 比较之下，意大利文艺复兴初期的艺术家在建筑方面以持续古代风格为主，在绘画与雕刻方面则努力于将自然﹝现实世界﹞真实地描绘出来。但是，意大利文艺复兴盛期的艺术家，则清楚了解自己的天赋，于是充分发挥自己的才能与性格特点，创造出能够齐驾甚至超越初期注重自然的艺术世界。 他们卓越的成绩与自觉的意识，大幅度地改变了人们以往对艺术家的观点，换句话说，从十五世纪以来还未脱离工匠身份的画家、雕刻家和建筑家，在这个时期一跃而成众所公认的「艺术家」﹝artist﹞，连教皇与皇帝等最高权力者，也对他们尊敬备至。 谈到意大利文艺复兴盛期的建筑，最重要的建筑师包括布拉曼帖﹝Donato Bramante﹞、米开朗基罗﹝Michelangelo Buonarroti﹞、帕拉迪欧﹝Andrea Palladio﹞，尤其是艺术之神-米开朗基罗还是一位伟大的雕刻家与画家。

艺术史：文艺复兴时期的绘画风格

艺术史：文艺复兴时期的绘画风格 引言 文艺复兴是欧洲历史上一个重要的时期，这个时期伴随着人们对古希腊和古罗马文化的热衷以及宗教改革的影响，艺术迎来了一次全新的发展。绘画作为艺术的一种形式，在文艺复兴时期也经历了巨大的变化和创新。本文将介绍文艺复兴时期绘画风格的特点，并深入探讨其中几位重要画家及其代表作品。 文艺复兴时期绘画风格的特点 文艺复兴时期绘画呈现出许多独特的特点，以下是其中一些主要特征： 1. 透视与立体感 在这个时期，画家开始运用透视技法和线性透视原理来创造出更加真实和立体感的图像。通过合理运用透视，物体在画面中具有远近之分，营造出更加真实和有深度的效果。 2. 真实主义与自然观察 细致且准确地描绘人物和物体是文艺复兴绘画的重要特征。画家们注重观察真实物象并将其完美呈现在画布上，追求真实主义表现，并通过光影效果和细腻的绘画技巧来达到更加逼真的效果。

3. 平衡与对称 文艺复兴时期的绘画作品追求对称与平衡的美感。画家们借鉴了古希腊和罗马 建筑中对称平衡的原则，运用在构图上，创造出稳定而和谐的视觉效果。 4. 音乐性与装饰性 文艺复兴时期的绘画具备一定的音乐性和装饰性，尤其是在壁画和天花板装饰 中体现得较为明显。色彩、形态以及图案紧密结合，创造出丰富多彩、充满活 力的图像。 重要画家及其代表作品 切尔科·达·菲利佩奥(1406–1469) 切尔科是意大利佛罗伦萨国立学院中最重要的早期文艺复兴时期画家之一。他 擅长运用透视以及光影效果，他的代表作品《基督受难》展示了其精湛的艺术 技法与深度情感表达。 达·芬奇(1452–1519) 作为文艺复兴时期最伟大的多才艺术家之一，达·芬奇在绘画领域有着重大贡献。他的作品《蒙娜丽莎》被誉为人类艺术史上的杰作，通过细致入微的肖像画以 及透视处理创造出栩栩如生的形象。

意大利文艺复兴时期的绘画艺术鉴赏

意大利文艺复兴时期的绘画艺术鉴赏 意大利是人文注意文学的发源地,但丁、皮特拉克、薄伽丘是文艺复兴的先驱者,被称为“文艺复兴三颗巨星”,也被成为“文坛三杰”;另外吗,14~16世纪意大利文艺复兴时期绘画艺术趋于成熟,其代表画家有被誉为“美术三杰”,他们分别是列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔; 文艺复兴的艺术有一个显着的特点：现实与人文;文艺复兴所有的创作大都围绕着这个主题;这包括了人的感官,人的信仰,人的性欲,以及人的世界观;这时期的作品都要求打破封建神权,打破封建的禁欲主义;打破封建制度对人精神甚至是肉体的封锁; 文艺复兴时期艺术技法上的特点,主要体现在以写实传真为首务,开创了基于科学理论和实际考察的表现技法,如人体解剖和透视法则等;在风格和技法上更注重色彩的协调和自然,不拘一格;在建筑艺术方面,它以恢复古典建筑传统为首任,同时着重探讨建筑美感的理性法则; 论成就和影响,以欧洲为中心的西方绘画艺术最突出;它独树一帜,自成体系;它的成熟和繁荣始于欧洲文艺复兴时期;这时期一般是指15、16世纪;在文艺复兴运动的发源地和中心的意大利,则可上溯到14世纪;这个时期因新兴资产阶级发展资本主义经济的需要,发生了一场提倡复兴希腊、罗马古典文化,以反对封建思想意识和基督教神学的伟大的思想解放运动,因而被称作“文艺复兴”时期;这个运动以意大利为中心,逐渐遍及全欧,促进了西欧封建制度的解体和资本主义的成长,人类社会开始向近代迈进;正如恩格斯指出的：“这是一次人类从来没有经历过的最伟大的、进步的变革;” 由于这时期倡导以重视人的价值为核心的人文主义,美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来,敢于探索,一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索,发明了透视法,解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时,改革了油画材料和技法,大大地提高了油画的艺术表现力,使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高. 波提切利的蛋彩画春,是意大利文艺复兴前期重要的代表作;它通过罗马神话故事中的人物表现了春天的美和典雅;被描绘成鼓着腮帮子的代表春风的西风神从画面右端飘然而入,他的双手触及了大地的仙女,仙女的口中溢出了鲜艳的花朵,这些花朵纷飞飘洒,不知不觉地沾在了前面花神的身上,形成了一件美丽的花衣,它象征着春天的来临; 达芬奇的壁画最后的晚餐是举世闻名的不朽之作;它取材于基督教圣经中耶稣被他的十二门徒之一犹大出卖而牺牲的传说;画家选择了耶稣告诉弟子有人出卖他的这一充满戏剧性的瞬间,着重刻画包括犹大在内的十二个门徒听到耶稣突然宣布这一惊人的消息而表现出的各自的内心世界,表达了画家对善与恶、美与丑、崇高与卑鄙的鲜明爱憎;对人物的微妙而深刻的心理描写,达到了空前的高度;全画的构图也很完美;门徒们三人一组,有联系又有区别;在画面空间与背景的处理上,透视法应用得非常熟练;从而使它与达·芬奇的另一名作蒙娜丽莎成为举世闻名的不朽之作; 文艺复兴时期的绘画 - 拉斐尔

文艺复兴时期的美术风格

文艺复兴时期的艺术风格 欧洲文艺复兴运动首先发源于14世纪的意大利，如恩格斯所说：中世纪的终结和现今资本主义时代的开端是由意大利诗人但丁(1265-1321 年)为表征的，他是中世纪最后一位诗人，同时又是新时代最初一位诗人。 所谓文艺复兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的古代希腊罗马以人为本的科学文走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革命。从拜占庭灭亡时被抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，再现了那个时代的光辉形象。人们打着“回到希腊去”的旗号。实际上新兴资产阶级召唤古希腊的亡灵并非是要重建奴隶制文化，而是借用其中有利于资产阶级需要的科学、哲学以及人文主义的艺术；是借用他们的名字、战斗口号和外衣，以便穿着这种久受崇敬的服装，用这种借来的语言，演出现代世界历史的新场面。意大利作为古罗马的后代，是对古希腊罗马文化的直接继承者。 绘画 文艺复兴的绘画是由“神”转为“人”的时代。在文艺复兴之前教皇统治的“黑暗一千年”里，圣母只是一个僵死的神的符号。冷面、呆板、拘束、正襟危坐、高高在上。到了文艺复兴，安吉利科最早把女性生命融入到了圣母的神像中。他的画采用了马萨乔的光线和明暗透视的新手法，既加入了人的因素，又保持了宗教艺术的传统特色，对后来的画家产生了深远的影响。 文艺复兴时期的作品，集中体现了人文主义思想：主张个性解放，反对中世纪的禁欲主义和宗教观；提倡科学文化，反对蒙昧主义，摆脱教会对人们思想的束缚；肯定人权，反对神权，屏弃作为神学和经院哲学基础的一切权威和传统教条；拥护中央集权，反对封建割据，这是人文主义的主要思想。其中，代表性作品有：但丁的《神曲》、薄伽丘的《十日谈》、马基雅维利的《君主论》、拉伯雷的《巨人传》等。 《熟睡的农妇》这幅椭圆形画描绘了一个熟睡的农妇，是皮阿赞塔在十八世纪初创作的作品。它属于描绘不同的乡村人物组画（包括《捉跳蚤的农女》、《背萝卜篓的农人》、《抱萝卜的农女》）中的组成部分，精确的明暗对比法，是所有这些作品的共同点，似乎替代了现实中的各种颜色。在这幅画上，背景值得品味，运动似乎业已平静。特别是照亮少女脸部和胸部的光线，从侧面射出，强烈且奇特。而衣服的碧绿色也要端赖细察，方可发觉。 《熟睡的农妇》 文艺复兴的发展大致经历四个阶段：（一）13世纪属文艺复兴运动早期，突出特点是文

文艺复兴时期宗教题材绘画的特点

文艺复兴时期宗教题材绘画的特点 文艺复兴是一场大致发生在14世纪至17世纪欧洲的文化运动，在中世纪晚期发源于意大利中部的弗洛伦萨，随后延展至欧洲各国。这场文化运动对近代早期欧洲的学术生活造成了深刻的影响，在学术研究中，学者们使用人文主义的方法，并在艺术创作中追寻现实主义和人类情感。 文艺复兴这一时期的绘画技术的发展以意大利为中心，其中较为突出的有弗洛伦萨、米兰、那不勒斯、罗马、威尼斯，人们曾按地域把当时的画家分为各个画派。在意大利地区之外，文艺复兴的绘画思潮也感染了北方的德国和尼德兰等地，乃至整个欧洲。 文艺复兴时期绘画的代表以达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的作品最为突出，这三人被称为是文艺复兴三杰。其中达芬奇的绘画以《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》最为瞩目；米开朗基罗的绘画则以西斯廷礼拜堂的壁画为代表，作品中屋顶的正中的部分即为“创世纪”重要的各个场面；拉斐尔的绘画代表作包括《西斯廷圣母》、《圣体争辩》以及《雅典学院》。从这三位的代表作中可以看到，文艺复兴这场文化运动发挥了衔接中世纪和近代的作用，把宗教人物由天国拉回人间，使神充满了人性化。 而为了达到这样的效果，绘画时高超的技巧就成了关键。达芬奇的宗教画是艺术和科学的结合，他本人即为一位博学的人，所涉及的领域包括绘画、建筑、数学、生理学等各个方面。他热爱科学，持有

进步美学观点。他笔下的圣母端庄典雅，是生活中的少妇形象，婴儿也是人间天真活泼的孩子。其著名画作《施洗者圣约翰》中的人物形象看起来诙谐有趣且袒胸露肩，神色调皮富有韵味，与以往的宗教画作大不相同。他使用了一种被称为“薄雾法”的方法，以柔和细腻的明暗过渡塑造出可触可感的人物和环境，这些精准的细节始终从属于整体的生动效果，使科学知识与艺术呈现形式获得了深刻统一。 在钻研与领悟古人成就时，米开朗基罗受古代雕塑的启示，也仔细钻研了人体的构造，不断加强自己在人体结构和运动领域的理解，这使他成为充分发挥人体表现力的艺术家之一。教宗克勉七世委托米开朗基罗在西斯廷礼拜堂的墙上画《最后的审判》，壁画自1534年起开始，1541年10月最终完成。这件作品规模宏大，生动描绘了世界末日来临，基督再次来到人世，对人进行审判并决定他们的命运。这个作品中扭曲的人体和空间的处理，寄托了米开朗基罗的审美思想，与其说是基督在做最后的审判，不如说是米开朗基罗在对现世进行最后的裁决。米开朗基罗的宗教画表现的是巨人的世界，每个神都是健美的，并且充满着人性的力量和人性的美。 拉斐尔则在他的一生中创造了大量的宗教题材的画作，其画作以“秀美”著称，画作中的任务清秀，场景秀美。他的著名宗教画圣母系列将宗教的虔诚和非宗教的美丽融为一体，而他为梵蒂冈教宗居室所创作的《雅典学院》更是将柏拉图和亚里士多德，将基督教和异教统统融合在了一起，这些大胆的融合创造了出和谐的场面。在拉斐尔的大量圣母画中，最为著名的是《西斯廷圣母画》，画面成三角结构，

文艺复兴时期名画赏析

文艺复兴时期名画赏析 文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期文艺复兴绘画和兴盛时期文艺复兴绘画两个部分。早期文艺复兴绘画兴起于意大利。在13 世纪后半期，意大利中部以佛罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，佛罗伦萨仍然是最大中心。以波提切利为代表,人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则成为佛罗伦萨画派代表人物共有的特色。威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。15 世纪末至16 世纪初的罗马和佛罗伦萨等城市，已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。 自15 世纪至16 世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。尼德兰文艺复兴绘画，除了早期的绘画大师布罗耶拉姆及尼德兰文艺复兴绘画的奠基者扬·凡·埃克兄弟之外，还有康宾等代表人物，他们的作品主要描绘尼德兰平原美丽的风光及世俗图景。博斯、勃鲁盖尔更是这个时期产生的杰出画家。他们的艺术曾影响了欧洲美术史的进程。 16世纪意大利文艺复兴时期绘画艺术臻于成熟，其代表画家有被誉为“艺术三杰”，达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔并称文艺复兴三杰，如果说达芬奇的艺术犹如大海，博大精深，米开朗基罗的艺术犹如高山，雄浑壮丽，那么拉斐尔的艺术则犹如山间清溪，秀美，宁静，清纯。一位朋友在他的墓志铭中这样写著：“拉斐尔就在此安息，他活著的时候，大自然害怕被征服，而他死后，又担心自己也随之枯亡。”拉斐尔在短暂的一生中创作了数不清的天主教主题绘画和其它神话及世俗主题的绘画，拉斐尔的绘画艺术优雅、秀逸、和谐，具有高度的