写实绘画中的抽象意味
轨道类玩具趣味性设计方法探究
轨道类玩具趣味性设计方法探究 摘要论文通过对家用轨道类玩具设计的调研和分析，总结出了轨道类玩具设计的现状，归纳了轨道类玩具设计的趣味性的几点方法，为今后轨道类玩具的设计提供了一定的参考依据。 关键词玩具轨道车趣味性 引言 随着社会和家庭对儿童的关注度的越来越高，作为儿童成长过程中不可或缺的一部分——玩具，其种类，可玩性和教育性也广受重视。轨道类玩具作为一种具有特殊功能的玩具，以其灵活的操作，多样的玩法广受儿童青睐。通过调研，结合轨道类玩具的使用途径和场所，将其分为大型、中型和小型轨道类玩具几种。大型轨道类玩具主要指的是游乐场带有轨道的设备，如轨道火车等，中型轨道玩具例如轨道赛车等，小型轨道玩具主要指的是家用玩具，如托马斯的小火车等。本文主要探讨小型家用轨道类玩具[1]。 1 家用轨道类玩具设计现状 现有的家用轨道类玩具以轨道电动车为主，主要材质有塑料和木材两种，可以自由拼接，能够培养儿童动手、动脑和操作的能力。以托马斯小火车为例，“托马斯”原型出自《轨道系列》故事，是一辆蓝色蒸汽小火车。玩具由汽车和火车以及轨道交通几部分构成，通过模拟真实的交通环境来提高玩具的可玩性和趣味性，儿童想要拼出自己想要的效果，就必须规划好数量和拼接方式，有效提高了小孩的动手能力，同时，空间与轨道的多变，线条分明，儿童要发挥想象力，使其拼接组合，这个过程也能提高儿童的空间想象力，轨道类玩具的作用可见一斑。但是，目前轨道车的设计大多数以电动小火车为主，主要适合3岁以上的儿童使用，在形态设计和功能上较为单一，在操作过程中缺乏一定的互动性和趣味性。通过对2016年玩具与婴童用品展上轨道类玩具设计的调研，结合儿童成长需求，总结了提高轨道类玩具趣味性设计的几种方法[2]。 2 轨道类玩具趣味性设计方法 趣味性主要有两个层次，一是稚趣，另一个层次是意趣，儿童轨道类玩具的趣味性主要体现在稚趣上，容易被儿童理解才能引起他们的注意和兴趣，轨道类玩具的设计主要从以下几个方面来体现产品的趣味性。 2.1 模仿现实场景的设计 轨道类玩具设计主要以模仿现实场景为主，在轨道玩具设计中，轨道模仿真实的交通场景，同时，还具备配套设施设计，除了车和道路本身外，护栏、桥梁、红绿灯、关卡等一应俱全，整套轨道类玩具设计有多层轨道、桥梁、隧道还有停
美术鉴赏复习
美术鉴赏总复习资料（妥善保存） 1.美术根据其艺术门类可分为：绘画、雕塑、建筑、设计（工艺）、摄影、书法（篆刻）等六大门类。 美术又叫造型艺术，分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术。《捣练图》和《拾穗》同样以女性劳动为题材，但是一个是贵族妇女的优雅的劳动场景，另一个是三个贫困妇女的弯腰拾麦穗的情景，让人产生同情。 2.美术鉴赏的对象是美术作品，美术鉴赏的过程是从感受、归类、分析和判断到体验、想象、评价；美术鉴赏的目的是获得审美享受，并理解美术作品和美术现象，美术鉴赏的本质特征是综合的审美活动。美术鉴赏中“鉴”是甄别、归类，“赏”是欣赏，“鉴”是为“赏”服务的。 3.雕塑分为：圆雕、浮雕、透雕。 4.美术的社会功能认识功能、教育功能、审美功能。 5.美术按其语言方式或美术类型分为具象艺术，意象艺术，抽象艺术。 6.具象艺术的特点是首先是它的视觉真实性、客观性，第二特点是艺术形象的典型性，第三特点就是情节性，又称叙事性。 7.《韩熙载夜宴图》共分为五个部分，分别是听乐、观舞、休息、轻吹、送别。 8.具象艺术的功能是记录功能、社会干预功能。 9.具象艺术一般分为肖像作品、主题性作品。 10..抽象艺术的一个特点是分析性，即把艺术的各种语言词汇分析、抽离、孤立，并加以夸大，甚至绝对化，抽象艺术的艺术美表现在形式与色彩、构图与笔触、材料与肌理、空间与透视、光影与运动方面。 11.美术的基本语言元素是点、线、面、色。 12.美术的语言表达手段有：西方绘画的是明暗、空间、透视、构图、肌理；中国的绘画中是笔墨、章法、皴法、等 13.艺术家的主观能动性在意象艺术中发挥了决定性的作用。意象艺术，更多的融入创作者的思想。 14.抽象艺术主要是在20世纪才逐步开始的，有冷抽象（蒙德里安《红、黑、黄、蓝构成》）和热抽象（《即兴之31》康定斯基）。 18.美术形象既是指一件美术作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这个个别的、具体的、完整的艺术形象所形成的综合的、整体的艺术形象。 19.什么是形式美 “形式”一词有两个含义：一是指形体、形态，即个别事物呈现出来的样子；二是指形体、形态借助（语言手段）和(语言规则)呈现出来的整体的艺术形象。 形式美主要包括：a语言元素（点、线、面、色）及其所构成的形态变化（这个是产生美术作品的形式美的基础）；b语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；c语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏于韵律）及其构成的审美关系。 20. 山水有三远：(自山下而仰山颠)，谓之高远；(自山前而窥山后)，谓之深远；(自近山而望远山)，谓之平远。高远之色清明，深远之色重晖，平远之色有明有晦。高远之势突兀，深远之意重叠，平远之意冲融，而缥缥缈缈。
论中西绘画的不同抽象方式
论中西绘画的不同抽象方式 沈亚丹 内容提要 本文论述了中西绘画中的不同抽象方式,并将它们分别界定为感性抽象和抽象的 感性,同时分析了造成这种差别的中西方的不同思维方式、哲学背景、宇宙观,以及由这两种抽象 方式形成的中西绘画传统———造型和写意。 关键词 感性抽象 抽象的感性 造型 写意 作者简介 沈亚丹,女,1967年生,南京大学中文系博士生。 绘画中的抽象和抽象绘画 十九世纪末西方绘画由具象走向抽象,由空间走向平面,“抽象”也从一个哲学概念演变成美学概念,并进一步转化为艺术理论范畴。在绘画创作中抽象的方式是多种多样的,可以是对一个现实图景的类型化、概念化、符号化;也可以是分离、抽取或归纳和分离的综合运用。艺术抽象的过程可以是逻辑的、理性的,也可以是直觉的、感性的、隐喻的。本文将着重讨论造型艺术中的抽象,严格说来是讨论西方绘画中的“造型传统”与中国绘画中“写意传统”的不同抽象方式。 相对于中国绘画而言,西方绘画对感性形式的观察与处理一向具体而微,但在理论上明确把绘画与抽象联系起来却始于西方。早在古希腊时代柏拉图就提出“艺术是自然的影像”,康德的“艺术只涉及形式”这一命题是柏拉图艺术理论的进一步发展,苏珊?朗格与康德一脉相承,提出“一切艺术都是抽象的”①,把西方艺术的抽象理论推向极端。近现代西方有关抽象绘画的理论层出不穷,正如哈马德?奥斯本指出的:“过去一百年中,艺术运动最重要的特征是抽象和许多不同的抽象方式。”②由于对艺术中的抽象以及抽象艺术的讨论越来越热烈,抽象这个概念的内涵变得越来越丰富,同时它的边界也越来越模糊。因此在讨论中西方绘画的不同抽象方式之前必须澄清一下“艺术抽象”和“抽象艺术”等等概念上的混杂。 首先为抽象艺术立言并成为其决定性理论著作的要算20世纪初沃林格的《抽象与移情》以及稍后康定斯基的《论现代艺术的精神》。前者一反黑格尔以来的美学传统,把古希腊艺术传统以外的古代东方造型艺术提高到一个令人瞩目的地位。并提出“抽象冲动”作为艺术创作的心理机制,与当时流行的“移情”说相抗衡,为抽象艺术划出自己的安身之地。沃林格所认为的抽象形式就是符合规律的形式,也就是消除了生命痕迹的无机形式,类似于黑格尔美学体系中自然界的抽象美。他指出:“简单的线条,以及它按照纯粹几何规律的延伸,必然向那些被物的变动不居和不确定性搅得内心不安的人们呈现出获取最大幸福的可能。因而,在此这种线条消除了 — 5 2 1 —
艺术的真实性
艺术的真实性 艺术是美学的技术性，艺术直接产生于创造它的主体——人。通过艺术的手段表达美学的精神和内容,目的就是通过表现和展示传播等程序触动、激发欣赏者的情绪，引导欣赏者的欣赏行为。它是人们为了更好地满足自己对主观缺憾的慰藉需求和情感器官的行为需求而创造出的一种文化现象，是人们在日常生活中进行娱乐游戏的一种特殊方式，又是人们进行情感交流的一种重要手段，属于娱乐游戏文化的范畴。 艺术的真实性--- 一个永恒的不容回避的话题，自古以来就被人津津乐道。 艺术形象作为艺术家对社会生活从感性到理性认识的成果，就存在着一个认识的正确与否活真实与否的问题。那么艺术到底是不是真实存在的，什么是艺术真实性。 艺术的发生和发展都离不开人类社会，任何创造艺术品的人也都是社会的人，离开社会，就没有现实的人，也就不会有艺术，所以，社会性是艺术的首要本质。艺术真实就是文学作品通过艺术形象所显示的社会生活的某些本质和规律性。作为艺术，真实是基础、是生命。离开了“真实”，就失去了读者，也就失去了作品存在的意义和价值。艺术真实是以实际生活为基础，他的真实必须来自实际生活。因为社会生活是文学创作的唯一源泉，也是艺术真实的唯一源泉。反过来，实际生活又是检验艺术真实的唯一尺度。艺术真实是观念形态的东西，它是否正确地反映了社会生活，还要用实际生活来检验。只有作品既真实地再现了实际生活的基本面貌和本质的某些方面、作家的主观感情色彩和评价，又同生活的客观实际相一致或大体一致，才算具有艺术真实。 艺术的真实来自生活的真实。实际生活的人和事，主要是指实际上已经存在和发生的人和事。而艺术作品一旦产生就必须回到社会去实现其价值。它不是也不可能是静止和孤立的现象。作为观念形态的艺术，它是社会生活在艺术家头
浅谈产品“个性化”设计与求异心理消费
浅谈产品“个性化”设计与求异心理消费 [摘要]科学技术日新月异的迅猛发展使社会经济文化发展载入了新时代。随着新设计哲学的兴起，产品设计日趋“个性化”、多元化，产品富于故事性，附加值增加，从而推动消费。以充分重视人的内心情感需求和精神需要为基础的情感化设计已成为一种崭新的设计思潮。“个性化”的产品个性鲜明，突显情趣化、概念化、差异化的特征，满足消费者求新、求异，追求多层次、高层次的心理欲望，因而倍受青睐。如何在现代产品设计中导入新的设计思想，已成为当今产品设计急需解决的问题。本文通过对目前设计领域的探索，尝试探讨现代产品设计中的“个性化”设计思路，探求引发求异心理消费的共鸣点，阐述新的设计理念对于消费心理面面观的重要影响，从而有助于情感化设计在我国的开展，改善国内产品设计冷漠、单调的现象，对生产企业起到参考和指导作用。 [关键词]产品设计个性化求异心理消费 科学技术日新月异的迅猛飞跃，使社会经济文化发展载入了新时代。随着新设计哲学的兴起，产品设计呈现“个性化”、多元化，产品赋于故事性、增加附加值的趋势日益明显。以充分重视人的内心情感需求和精神需要为基础的情感化设计已成为一种崭新的设计思潮。因此，现代社会进入了重视“情绪价值”和“情感价值”的时代，即感性消费时代。当人们物质文化生活水平的提高，消费需求便日趋差异化、多样化、个性化、情绪化，使物质上的富足使人们更加注重自我的情感需求。而“个性化”的产品个性鲜明，突显情趣化、概念化、差异化的特征，恰恰满足了消费者求新、求异、追求多层次、高层次的心理欲望，因而倍受青睐。由此可见，产品“个性化”设计引发求异心理消费。 一、产品“个性化”设计与求异心理消费的契合点是情感 “产品具有好的功能是重要的：产品让人易学会用也是重要的：但更重要的是，这个产品要能使人感到愉悦。”(摘自Donald.A.Norman《情感化设计》)也就是说，设计师富于产品故事性、趣味性，与观者的视觉做游戏，挑动着购买的好奇心。津津有味地寻找它们眼里最奇妙的设计和最自我的解答，并乐在其中，从而增加了产品的附加值，刺激了求异心理的消费。此类产品不仅要从视觉上吸引特定的消费群体产生预期的购买行为，更要从心理上捕捉消费者的兴奋点与购买欲。 产品也可将情感信息元素从设计者那里传递给使用者。产品在设计的过程中融入情感的因素，便颇具人性化的气质。
释放我们的视觉谈抽象美术作品的欣赏
释放我们的视觉：谈抽象美术作品的欣赏 摘要： 本文主要介绍了视觉艺术与美术作品之间的联系，如何区分具象美术作品和抽象美术作品，进而讲到了抽象美术作品的审美价值极其审美基础与特点，并介绍了如何提高欣赏抽象美术作品的方法。 关键词：视觉艺术具象美术作品抽象美术作品 引言： 在人类发展的历史长河中，有着难以数计的、美妙绝伦的艺术作品。当我们在欣赏艺术作品的时候，不仅会为我们中华民族优秀作品喝彩，也时常为国外的艺术作品所倾倒。而抽象美术作为艺术作品中的一种，有着它自身的特点，它将人的视觉心理感受作为创作基础，因此，抽象美术作品的欣赏有着不明确性与含蓄性。对于一幅抽象美术作品，不同的欣赏者会有不同的理解和感受。所以，这就对我们欣赏作品的视觉理解提出了新的要求，要我们的视觉不能受形体的束缚，要注重用心灵去感受作品，与作品产生共鸣，通过视觉与心灵的转换，化无化抽象为具象，化无形为有形，从更高的层次理解抽象美术作品。 1.视觉艺术与美术作品 视觉艺术[1]是一种传达信息的“语言”，和我们日常使用的口头语言及书面文字一样有着自身的结构和规则。这就要求我们通过自己的视觉来理解与领会艺术作品所传达的信息和意蕴，要在一定程度上来认识与感受艺术作品所传达的视觉形象语言。通常，艺术家在传统的视觉艺术形式下，采用娴熟的技法将大自然中被认为美的人和物描绘下来。视觉语言是由视觉基本元素和设计原则这两部分组成，使之成为一套具飙到作用规范与符号的系统。视觉基本元素基本上有：质感与空间、线条与形状、明暗与色彩等等，这些是组成一件美术作品的基本。视觉设计原则有：布局和对比、节奏和平衡等等。这些是艺术家们用来组织与运用视觉基本元素进行艺术作品表达的原则和方法。所以，艺术家们会根据需要，运用相应的素材以及表现形式，采用相应的原则和方法，从而形成一件能够表达一定内容的艺术作品。 美术也是视觉艺术的一种表达形式，它也是采用视觉语言来表达艺术家感情的艺术。所以说，欣赏美术作品是欣赏者通过视觉对于美术作品的外在表现形式、对美术作品的感情内涵的认识过程以及自己的内心情感与作品中所要表达的感情进行融合的过程。因此，无论是对一般的民众，还是对艺术家来说，运用视觉的心理感受来对美术作品进行欣赏，是一种不错的感情体验。所以，艺术家在创作美术作品的时候，如果只是注重展示表现手法、物质材料和作品结构等方面，而没有内在感情投入的话，那么他的美术作品就不能给予欣赏者视觉上的感受。一位有经验的英国美术教育家曾告诫说：“除非你也有过达·芬奇画《蒙娜丽莎》时激动的感觉，或是认为你也有这种情感，你才有权利说你欣赏她。”[2]美术是艺术家用来表达内心感情的艺术，在美术作品中蕴含着多彩且丰富的情感内涵，因此，当欣赏者在欣赏美术作品时的视觉心理感受与其内在蕴含的感情有交集的时候，才能称之为真正的美术欣赏。
抽象—美的境界
抽象性绘画同样是通过形象、色彩去表现有声美的境界 关于抽象性绘画有无形象的问题，我在《中国画观念更新与技法新探》中曾有过论述。这里就不重复了，形象是一切艺术的重要元素之一。它作为视觉三恒要素之一与色彩、声音构成美的整体，任何否定艺术形象的说法和做法，都是不科学的，也是不可能的。蒙德里安的几个色块，也同样构成了视觉形象。因为几个色彩方块也是自然界中形象之所在。记得有一年夏天我来到一片高低不平的山丘，我一眼望去，远方出现几个红、黄、蓝、绿所组成的块状图案，我感到很神奇，走近一看，原来是由开着同样颜色的花家族所组成的几片色块。当然，蒙德里安创作“红、黄、蓝”色块的目的，可能并不在于把审美者的思维带到具象的世界。但是，任何抽象的绘画，任何视觉的反映，都不能脱离人们现实视觉立体空间的具体形象，无论现实的直接表现，还是抽象的，超现实的或潜在意识的表现，形象都是绘画艺术的主体。任何否定形象的说法和做法都是极端错误的。 抽象性绘画既然不排除形象、色彩、那么也就不排除对现实有声空间的表现。抽象性绘画同样是通过抽象的色彩、形象去表现带有抽象性声音的空间。那么，抽象性绘画的声又是如何体现的呢？我们说抽象性绘画的声，可以分为有声的抽象和“无声”的抽象两种。 所谓抽象性绘画，其定义是相对的。关于抽象的问题我们可以从两个方面来理解。一种是对抽象的哲学理解。它是指从许多事物中，舍弃个别的，非本质的属性，抽出共同的、本质的属性叫抽象。这里讲的抽象是形成概念的必要的手段。如关于对“人”这一概念的抽象，不管黄种人，还是黑种人、白种人，也不管是男人还是女人，更不管是大人还是小人，凡是有思维，并能够制造和使用生产工具的动物就是人。同样我们在绘画中，用一个红色的圆形来表示太阳，用一个黄色的月牙表示月亮，这种形式的本身也是一种抽象。通过绘画的形式，刻画出一种具有女性特征的人体画，来表现生命也叫抽象，用几条线描给出山的特征也叫抽象。这种抽象是我们平时讲的，正常的哲学抽象。这种抽象适合于写实性绘画，因为写实性绘画就是要求人们去抓住眼前景物的特征，并把它画在画面上。这一具体的创作过程，就是抽象的过程。那么抽象性绘画如何解释呢？前面讲的抽象性绘画一般不是指哲学抽象或写实性抽象。所谓抽象性绘画是指心理的抽象，这种心理性抽象，是根据画家心理的感受来创作。如果说写实性抽象是面对对象特进行哲学性抽象性造型，那么心理抽象性绘画，往往不是直接取材于客观对象物，我们可以说是间接地反映自然的客观，间接地反映于自然，间接地反映形象。不是直观地取材于具体的对象物，而是直接取材于审美的心理。因而在绘画艺术中我们应把抽象分为写实性抽象和心理性抽象两种，不能混为一谈。 心理抽象性绘画，又可以分为有形的心理抽象和“无形”的心理抽象或纯抽象两种。有形的心理抽象性绘画，是指在绘画作品中，我们尚可以看到或找到一些与所画的形象有直接联系的部分。只是从整体说来，已不合自然的逻辑，而倾向于心理的逻辑。如马蒂斯、凡?高、毕加索、达利等人的作品，在他们的作品中，尽管已失去了完全写实性，但我们可以直观地看出或联想到一些与画面有关的原型。只是就整体说来，已失去了对象物的本来。这样的作品，在正常人看来，还能给人一种雅俗共赏，似懂非懂，似明非明之感。
浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响
浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响 摘要：原始艺术是艺术史的开端，它的造型语言古老，朴拙，抽象，充满神秘的魅力，让人们好奇和向往，尤其对现当代绘画艺术产生了重要影响。不论从形式语言还是精神内涵上，原始艺术都给我们现当代艺术创作与发展提供了灵感和启发，包括野兽派、立体主义，中国画艺术等，他们都在用自己的方式重新演绎原始艺术精神。 关键词：原始艺术；现代艺术；岩画；水墨画 随着考古学和科学技术的发展，越来越多的原始艺术呈现在人们眼前，引起人们广泛的兴趣。原始艺术是人类最初的思维活动，经过漫长的发展，它的艺术特色鲜明，形成了独有的原始语言，不论从形式还是精神上，对各个时期的艺术影响都非常巨大。本文将从原始艺术的特点，对现当代艺术的影响，艺术创作应怎样融入原始艺术精神为切入点进行探讨。 一.原始艺术的特点 “原始”这个词最早出现于19世纪的一个术语，是19世纪初至二十世纪末流行的一种艺术趋势。原始艺术形成于人类早期发展阶段，它最大的特点是史前艺术与现代社会文明程度平行发展，对西方传统艺术的创新起到了革命性的颠
覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。 二.原始艺术对现当代艺术的影响 原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发创作灵感。 马蒂斯是19世纪法国野兽主义绘画的杰出代表，他对
美术鉴赏
所谓西方现代派美术，是指西方国家从二十世纪初发展起来的现代美术中某些流派--野兽派，立体派，未来派，达达派，表现派，超现实主义，抽象主义，波普艺术的统称。“现代派”一词是和某种新的，非传统的，区别于过去的艺术思想联系在一起的；现代派美术既不同于以往的传统美术，也不包括现代的各种现实主义流派，它与现代的西方美术更不是同一概念，它在其中只占一席之地。 现代派美术的出现有其政治的，经济的，文化的，哲学的历史渊源，是与现代西方社会的进程紧密相连的。新技术革命，社会结构以及人的思想，意识价值观念，人与人之间的关系等等的改变，摄影技术的日益成熟，以日本版画为代表的东方艺术和非洲艺术的传入，康德，黑格尔，叔本华，尼采等人的哲学思想和弗洛伊德心理学的影响以及西方现实社会的种种矛盾和弊端，都促进了现代派美术的形成。 从整个欧洲美术历程来看，现代派美术思潮是从印象派前后这个时期开始的。确切的说，起源与法国后印象主义画家塞尚，高更和荷兰画家凡高。 1905年，以马蒂斯为首，弗拉曼克等人为骨干力量的野兽派在巴黎诞生。他们从塞尚的作品中得到启发，在艺术形式深受高更和凡高的影响，用强烈的色彩，奔放粗野的线条，扭曲夸张的形体，来表现对客观世界的主观感受。与此同时，德国表现主义应运而生，他们否定现实世界的客观性同样一味追求艺术家本人的主观感受，但是他们并不注重于纯形式的探索，而是把绘画语言视为反抗社会西安市，宣泄不满的手段。两年之后，以毕加索，布拉克为首的立体派在巴黎出现。它先把一切物象加以破坏和肢解，把自然形体分解为各种几何切面，然后加以主观的组合，甚至发展到把同一物体的几个不同方面组合在同一画面上，借以表达四维空间。 自立体派之后，欧洲本土上各种新理论新观念纷纷涌入，于是，未来派在1909年以前卫的姿态与意大利出现。他们排斥过去作为绘画手段的情调和预期的趣味，称颂有独创性的形式，在主题上也否定老一套的东西，认为重要的应是描绘现代的都市生活，诸如钢铁，速度，剧烈的运动等等。 未来派之后，意大利有出现了形而上画派。在形而上绘画中，钟表的指针和塔上的小旗都呈凝滞状态，一切都是静止的，笼罩着神秘的沉默，其目的就是要把事物从日常的伦理中分离开。形而上绘画具有超现实主义的成分。 第一次世界大战给欧洲各国留下了极为惨痛的创伤。一批青年艺术家出于对社会的强烈不满，发表了《达达派宣言》。达达派由于对人类原有的一切感到厌恶，所以要否定一切，破坏一切。在艺术上，企图摆脱一切古代传统文化艺术，否定一切传统艺术的造型观念和造型规律，一怪诞荒谬的形象表现令人难以理解的事物。 1924年，有法国医生兼诗人，原达达派骨干分子布雷东出面组织成立了超现实主义派。他们依靠所谓自动记述法，利用图画象征，造型隐喻，改变环境等手法，表现荒谬，混乱的感觉和形象，构造了许多变形，幻想，魔术般的奇异世界。 1901年前后，经过多年侨居德国的俄国画家康定斯基，荷兰画家蒙德里安等人的数年摸索，抽象主义终于形成。艺术家摆脱造型艺术再现视觉感受的传统，把点，线，面视作自主的表现力愿素，使之变成有象征意义的符号，从而把艺术家的情感传达给观众。二战后，美国动作画派的创始人波洛克开始转向抽象表现主义。他不用笔画，而是在画布上乱撒颜料；画面上没有任何具体形象和生活内容，只有斑点状的东西扩散开去，从而超越了有框绘画的狭小范围，是画面具有一种无限空间的感觉。 进入六十年代，抽象表现主义更加趋于形式化，于是有的艺术家反其道而行只，从“极端抽象”转入“非常具体”——转向生活中实物。着就是始于英国尔后风靡美国的波普艺术（也称流行艺术）。 确实有相当数量的作品画面模糊，变形，甚至荒诞离奇，令人不可思议，表现了部分流派的唯心主义艺术趣味和颓废思想；但更多现代派艺术家通过创作体现他们的叛逆性格，强调自身的价值，表现艺术家的主观心灵，也创造了不少值得我们借鉴的艺术表现方法和新材料。 后印象主义POST-IMPRESSIONISM（1890-1900）：也称“印象派之后”或“后期印象派”，是法国美术史上继印象主义之后的美术现象。后印象主义一词是英国人和美国人用来描述文森特·梵高、高更和保罗·塞尚等为代表的一群画家以及画风的。该词由英国艺术评论家并曾任纽约大都会博物馆馆长福莱（Roger Fry，1866－1934）提出的。他想对保罗·塞尚立论，就需要一个新术语。几十年来，法国人并没有将这三个人
论中国画表现方法的抽象性
何为“抽象”?“沃林格(德国艺术家)指出‘抽象’的形式……与写实性的形象移情之不同在于‘抽象’表现的是对生命和现实世界的隔离、否定,是为了消灭具体时空以求超越有限,是对永恒的追求……并不是模拟自然的动植物,不是知性的象征符号,而是直接与心灵对应的抽离,这种‘抽离’在对于挣脱现实世界及自然事物的变动不已和有死有生的生命,以得到宁静、永恒、幸福的绝对、必然和法则,这就是‘抽象’的形式美的根源”。① “抽象是指艺术中不可辨识的,与外在世界无直接关系的内容,它虽然也属于一种反映,可是这种反映并不是像镜子似的忠实的反映而是一种主观化,情绪化的反映,它没有具体的形象,它只是点、线、面色彩的一种有意味的组合”。②由以上解释我们可以从中对“抽象”的含义有所了解,抽象是以特定的方式对现实的高度概括和集中,从哲学角度来解释,是指思想活动的一种特性,即在思想中抽取事物的本质属性,撇开非本质的属性。由具体的形式变为抽象的形式,要经历一个不断由内容到形式的积淀过程,经由这样一个积淀过程,抽象的表现较之于具体的再现所表达的感情内容、想像内容、理解内容更加复杂,更加深刻,其目的是“得到宁静、永恒、幸福的绝对、必然和法则”。中国画作为华夏民族文化传统和人文品格的集中体现,有其独特的表现方式,其中蕴涵着一定的“抽象”因素。 一、笔墨表现方式所具有的抽象性 线条、笔墨是中国画的主要表现语言,董其昌云:“以境之奇怪论,则画不如山水,以笔墨之精巧论,则山水决不如画。”③注重笔墨,追求笔墨的精妙在传统中国文人画中居于首要地位,在这里笔和墨已具备了独立的审美意义,具有一定的抽象性。以“笔”而论,正所谓:“石如飞白木如籀,写竹还应八法通,若也有人能会此,须知书画本同来。”书画同源使得书法的用笔和线条引注于绘画,通过流动有律的线条来表达生命的节奏,表现物象的“骨”和“神”,从而使画面物象的构成和用笔更加丰富多彩,使绘画的线条更富于力度、美感和文化的素养。作为书法的用笔、线条本身是一种非文字的、非辨识的形式知觉,是对线条及其相关形式表现的审美感知。它不是具体的再现某一事物,而是在一切具体事物之上进行高屋建瓴的概括、抽象的结果。造型心理学讲,大自然并不存在线条,它反映的是人类对世界的抽象意识,中国画以线条作为造型最主要的手段并赋予线条一种内在的生命力和个性特征,这就使中国画的线条更具有一种独立于象外的审美价值和情趣,它是经过漫长的历史和文化积淀形成的被人们的审美意识所肯定的独特的表现形式,是具有一定稳固性的表现形态,是作者审美情感、精神修养、人性品格的抽象表现,这种表现深刻、概括并且具有广阔的涵盖力, 是一种抽象性的表现形式。 再来看中国画的表现语言“墨”。王维《画学秘诀》中说:“夫画道之中,水墨为上,肇自然之性,成造化之功。”④张彦远《历代名画记》中“草木敷荣,不待丹绿之采,云雪飘扬,不待铅粉而白……是故运墨而五色具,谓之得意。”⑤中国传统水墨画略去光线,独钟水墨,利用墨色的浓淡干湿形成的韵味来表现五彩缤纷的大千世界。从“墨”本身来看,作为净化升华
浅谈产品的趣味性设计
浅谈产品的趣味性设计 摘要：所谓趣味，是指能够使人感到愉快，引起兴趣的一种特性。每个人都无法抵挡趣味性的诱惑。产品设计要体现以人为本，本着这一原则,各种注重情感因素的设计纷纷产生,一些产品通过设计传达出风趣幽默、诙谐调侃的情感信息，这些信息带给使用者身心愉悦与放松,赋予产品趣味性，更好的体现了设计以人为本的意义。因此，趣味性设计应运而生。在生活节奏快，压力大的环境下，更需要这样的东西。做产品设计时，充分地并恰到好处地运用趣味性设计能给产品带来一种欢乐的生机，深受用户的喜爱。 关键词：趣味性，趣味性特点、因素，趣味性设计表现 Abstract: the interest, it can make people feel happy, cause the interest in a characteristic. Everyone can’t resist the temptation of interest. Product design should reflect people-oriented, in line with the principles, pay attention to the design of emotion factors are produced, some products through the design convey, witty humor ridicule emotion information, the information to users happy and relaxed, give product interesting, and better reflected design humanist significance. Therefore, the interesting design arises at the historic moment. In the fast life, pressure under the environment of the big, need more things like this. Do product design, fully and properly use interesting design can give products with a happy life, deeply user’s favorite. Keywords: interesting, the interesting features and factors, the interesting design performance 一、趣味性概述 1趣味性 所谓趣味性，是指“能引发人们某种感情的因素，或者使人感到愉悦，使人感到有意思，或者能感染人、打动人、教育人，能引起使用者注意力的因素。趣味性分为两个层面的含义，即情和趣。情，是指情感、情调。趣是指趣味、乐趣。情感是多方面的，有喜悦、有悲伤、 有喜爱，有讨厌等。而情趣是指情感中较为积极的一面，就如同一个人具有幽默诙谐的性格。2趣味性的特点 趣味性，都会使人有新鲜感、惊奇感、巧妙感、和愉悦感，以及会有鲜明的个性等特点。趣味性可采用富有幽默和抒情等表现手法来获得。
鲁教版-美术-五年级下册-《抽象的雕塑》优质教案
《抽象的雕塑》教案 教学目标： 1、通过欣赏与讨论，理解艺术家创作抽象雕塑的设计理念与构思；了解不同雕塑给予 我们的各种不同感受；体验现代城市雕塑的美。增强学生美术设计的能力，并在设计中感受作为一名小小设计师的乐趣。 2、尝试利用各种线材、板材、块材等，采用折、叠加、粘贴等方法，经过构思，制作 抽象雕塑。 3、了解雕塑的基本结构和用途。在制作过程中发挥学生的创造力，提高学生动手、动 脑等多方面能力。 教前准备： 1、教师和学生准备好课前收集的各种雕塑的图片、照片和一块底板。 2、学生准备好课前收集的各种线材、板材、块材，带好剪刀、胶水和绘画工具。 3、教师制作几个特点鲜明的小雕塑。 课堂教学 （1）引导阶段 引导学生通过“看”、“摸”、“说”，用肢体语言或口头描述各种造型的雕塑给人的不同感受鼓励学生大胆地进行色彩和图形的联想。 （2）发展阶段 以小组为单位，对各种造型的雕塑进行图形和色彩的分析、讨论。训练学生敏锐的色彩感觉，采用大胆的造型表现形式，小组合作完成一造型独特的抽象雕塑作品。 ○1以小组为单位，对各种造型的雕塑进行讨论，分析。要提示学生仔细观察，大胆联想，寻找与各种雕塑有关的物体（材质）、图形、或色彩。 ○2制作抽象雕塑时要注意图形间的疏密安排、整个雕塑的色彩与造型的协调。学生根据自己的感受，进行大胆随意的创作。 ○3学生作业时，教师根据学生不同的个性特点，由学生自由选择制作方法。采用彩色块材时，可以利用其鲜艳、强烈的色彩感觉，突出表现抽象雕塑的色彩与块面；采用铁丝等线材时，
可以利用其厚实、质朴的特性，突出表现抽象雕塑敦实、厚重的整体造型。 3、课后拓展 ○1利用各种材质组合的形式，制作多样的雕塑，产生不同的效果。 ○2寻找、收集火柴棍、吸管、小树枝等材料，采用粘贴组合的方法，完成抽象雕塑作品的创作。 ○3每位学生或每个小组完成一组抽象雕塑作品，并制作在课前准备的底板上，进行展示、评比。
绘画从写实到抽象的蜕变
绘画从写实到抽象的蜕变 一、19世纪是写实绘画的发展高峰 新古典主义的代表画家是大卫和安格尔。安格尔确立了19世纪的写实标准,在作画过程中要求人物的造型、色彩搭配都要严格按照新古典主义的规范来画,达到唯美的画面、微妙的细节,符合当时的审美标准。德拉克洛瓦作为浪漫主义的代表画家,注重内心的主观性和自我表现,重感情轻理性,表现出热烈的奔放感情。库尔贝用现实主义的手段描绘当时不太被重视的农民和劳动者,所创作的绘画理念和学院派的作画标准反其道而行,开创了具有革命性的现实主义绘画。 二、抽象绘画的形成与发展 (一)抽象绘画产生的原因 抽象意为人在认识思维活动中舍弃事物表象的因素而抽取本质的因素。19世纪末到20世纪初,西方绘画进入全面的探索阶段。两次世界大战摧垮了人 们的精神意志,艺术家们用非具象的图像来诉求心灵上的困惑,用反传统、反理性的手法来打破写实的垄断位置。在美术领域的抽象就是与具象相反的概念,画面辨认不出具体的形象,只用符号、色彩、线条来代替画面的形象,这种纯抽象的画面意在打破对自然的模仿,表达画家的主观感受和内心的情感。追溯源头,西方绘画的裂变始于塞尚,他把物体归结为球体、圆柱体、圆锥体,把复杂的形体用几何形来代替,注重画面各个部分之间的结构关系,形成有秩序的和谐稳定的画面。“通过圆柱、球体、圆锥来表现自然,把一切都放到透视里去,这样,一个物体或一个平面的每一侧都向着一个中心点伸展。”从作品《圣维克多山》、《静物》中就能看出,他强调对结构的研究,在写生中反复推敲,认真思考,组织画面的色调 和结构的协调关系。因此,塞尚的绘画理论对现代绘画产生巨大的影响受塞尚的影响后,艺术家们都热衷于抽象绘画的探索,追求艺术的直接性和抽象化,把绘画当作实验的手段,从形式、色彩、造型上要求标新立异,从模仿客观自然到主观表现,逐渐把精神性的、感情的符号当作绘画的主体,开创了新的绘画领域和视觉的革命。毕加索用立体主义的手法把形体进行分割与重组,把形体破坏得面目全非,从而产生新的视觉图式。从他画牛的抽象过程我们可以看出,从第一幅写实的牛到第四幅开始变为立体分割的牛图式,到最后一幅牛只剩下外轮廓的线条,以此 来说,从具象到抽象的简化过程就是抽象的过程。 (二)抽象绘画的分类以及发展状况 抽象绘画在艺术手法上分为抒情抽象和几何抽象两种表现风格,即是热
浅谈哲学对当今东西方绘画艺术的影响
浅谈哲学对当今东西方绘画艺术的影响文：吴玉亮 一个民族，一个时代，一个社会的艺术是与这个民族、时代、社会的哲学紧密相连的。艺术常常表现出深刻的哲学观。本文侧重于绘画与哲学的关系，尤其是东西方哲学各自对东西方绘画艺术的影响及其比较来作一些初步的探讨。 哲学，作为人类的自我表现意识，是理性精神的直接表现。一般人认为，西方哲学偏向于“纯粹理性”，中国哲学偏重于“实践理性”。前者强调自然界的必然，后者强调精神领域的自由。在西方文论中常常谈“形象”和“典型”等，偏重于艺术如何反映客观现实；而我们中国讲“意象”、“意境”，则侧重于审美主体对对象的渗透和把握。这些，反映在绘画上就是人们常说的“再现论”和“表现论”。 大家知道，西方绘画在很长一段时间里是比较强调模仿和反映客观的，这与他们西方的哲学传统是有一定关系的。我们都知道在西方美学界占统治地位的是柏拉图与亚里士多德的学说，虽然两者有明显的不同。柏拉图认为在现实世界之上，有一个超感官的理念世界，现实世界是对理念世界的模仿，艺术又是对现实世界的模仿，充其量不过是理念世界的一种仿本。而亚里士多德则认为，艺术模仿的物质世界本身具有无可怀疑的真实性，画家可以画出比原型“更美”的物象来。尽管两者有深刻的分歧，然而都认为艺术本质上是生活的再现，模仿。这种强调艺术模仿再现生活的再现美学在欧洲已持续了一两千年。在这种传统中发育成熟起来的绘画，在再现外部世界真实性上达到了令人叹为观止的程度。 中国绘画与西方绘画有明显的不同。中国绘画是在特定的中国哲学系统中孕育起来的，与西方《诗学》同时出现的《乐记》就指出：“乐者，通伦理者也”，“乐者，德之华也”。这标志着一条与西方模仿论完全不同的发展道路。西方美学强调与“真”统一，而中国美学强调与“善”的统一。总而言之，东方美学更多地把审美价值等同于伦理价值。前者为“纯粹理性”，后者则是“实践理性”。虽然它们都以感情为中介，不过前者更多地导向外在的知识，后者更多地导向内在的意志。二者价值定向、价值标准不同，所以在艺术上要求和表现也不一样。我们看到西洋绘画很重视体积感、质量感、透视感、色感、光感等等，哪怕是想象、虚构的事物，例如拉斐尔的圣母与天使、鲁本斯的精灵与魔鬼等者力求逼真，他们对于透视、色彩、人体结构的解剖比例都可借鉴实用科学来验证。我们知道像达.芬奇画可以用投影几何来证明，色彩可以用光谱分析来检验，人体的结构与比例可以用解剖学来分析。而中国传统绘画就明显地不同于西方写实绘画，因为中国美学把艺术看作一种德行化人格，它不强调艺术同具体客观事物相验证，而要求“以意为主”，“取会风骚之意”，即使是“传移模写”的作品，其目的也是为“达意”。越到后来，这一特点就越明显。清代八大山人的画，“既不杜撰非目所知的‘抽象’，也不甘心写极目所见的‘具体’，只倾心于以意为之的‘意向’”。可以说“借物抒情”，“托物言志”是中国绘画十分明显的特点之一。这在文同的画竹中表现得很突出。他自己也说过，“学道未至，意有所不适，而无以遗之，故一发于墨竹”。《毛诗序》说得更为清楚：“诗者，志之所之也，在心为志，发
有关趣味性包装设计的分析
有关趣味性包装设计的分析 摘要：包装设计的目的是为了促进产品的销售，只有掌握好消费者的消费心理，吸引他们的兴趣才能发挥包装设计的作用，达到更好的设计效果。在包装设计中，可以充分利用趣味性的设计方法，使消费者能够获得愉悦、舒畅、轻松的情感体验，拉近商品与顾客之间的距离，从而获得他们的认可。 关键词：趣味性包装设计；内涵；种类；要求 现阶段，随着人们生活水平的提高，人们对产品的包装要求也越来越高。因此，在产品的包装方面，需要充分引起人们的兴趣，激起他们的购买欲望，充分应用趣味性的表现手法来满足人们的精神需求，使产品能够更好地销售。在商品的包装设计上，不仅要注重包装的色彩与造型，更要利用图形和材料等多种表现手法，使人们产生愉悦的心理感受，突出产品包装的趣味性，表现产品设计中的情感内涵，树立商品的品牌形象。 1 趣味性包装设计的内涵 在商品的包装设计方面，趣味性是一种非常独到的表现手法，它能够让人们在紧张的工作和生活之余，享受愉悦，使人们的生活更加快乐。因此，在利用这一表现手法时，应
当更加重视设计的独特个性，让它能够激起人们愉悦的思想感情，并通过图形和色彩等表现手法来传达一定的趣味信息，利用幽默和趣味的思想内涵征服消费者，让他们可以接受这个包装设计方案，从而引起他们的购买欲。毫不夸张地说，趣味性的包装设计不仅能够提供商品的销售额，甚至它还能在一定程度上使商品的销售发生逆转性的变化，因为很多人都是冲着包装去购买产品。 具体说来，这种包装设计的思想体现着一种艺术表达方式，能够向人们传达一种特有的文化品位和幽默情感。这些设计方案或富含着丰富的内在情感，让人们深受触动。或者是利用生动可爱的动物形象，增强这些产品的亲和力。又或者它体现着一种幽默的思想，让人们哭笑不得。总之，这种设计手法会通过多种多样的设计思想来传达，无论是利用色彩还是利用图案，无论是运用夸张还是应用拟人的表现手法，都是要引起人们对它的兴趣，让人们产生一种愉悦的精神感受，并让人们从内心深处认可这种产品，拉近商品与消费者之间的距离，促使他们购买这种商品。 2 趣味性包装设计的种类 为了更好地设计出更好的趣味包装设计方案，就需要充分了解相关的设计种类。在多种多样的设计方案中，这种包装形式一直是包装设计中的热门领域，在市场上占有很大的比例，也颇受人们的青睐。笔者通过大量的调查研究，总结
对绘画的具象与抽象不同表现的思考
对绘画的具象与抽象不同表现的思考 浅析绘画的具象与抽象的关系 具象表现绘画一词是法国艺术评论家让·克莱尔在1975 年法国策展中使用的,他用这个词来形容欧洲一批“画家中的画家”,来概括那些认真观察细微真实的事物,注重表现视觉真实和精神的画家的作品特征 抽象是具象的相对概念，是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一概念就叫做抽象。抽象绘画是泛指二十世纪想脱离模仿自然的绘画风格而言的，它的形成是经过长期持续演进而来的。其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。 抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类似于音乐之处。 人类早期绘画并不注重抽象这一概念。在古代中国，画家们崇尚写实，认为艺术应该是现实世界的真实反映，并提出“实对”“览之若面”和“以形写神”，“以形写形”“以色貌色”，等观点。在早期西方也是一样，人们研究了透视、解剖、光影等科学规律，将它们与艺术结合起来，达到了很高的写实成就。而后来东西方都接受了抽象画法，并以西方更为突出，并对东方绘画产生重大
影响。无论中国还是西方的艺术，总的趋势是从具象到抽象和多元化，也是从对抽象的无意识走向对抽象的认知和运用的过程。这是随着对社会和艺术的认知而必然产生的变化。 具象画作品中的艺术形象都具备可识别性。抽象画中的形象与自然对象较少或完全没有相之处。在情感表达方面具象化便于理解更容易为人所接受。但是表达会收到一些局限，而抽象画虽然不易理解，欣赏水平低还有可能看不懂但抽象画可以更自由的表现作者情感没有过多的客观因素制约更具表现力和感染力。应当注意的是抽象并不是信笔涂鸦，而是经过长久写生创作提炼出来的具有很强概括性且具有哲理的艺术精华，没有很多年的绘画经验和艺术修养是不可能创作出抽象作品的。 抽象画虽然已被世人所接受但是这不意味着单纯的抽象画 可以满足我们的审美需要，我们需要的是多元化的绘画艺术，两类不同的艺术，能够表现人类不同的精神内容，创造出不同的形式感，给人以不同的审美享受。它们各自拥有不可替代的美学价值。 实际上抽象和具象是有非常紧密的联系的，人们总是喜欢将具象和抽象对立起来，很少考虑它们之间的联系，其实在具象的事物中本来就存在很多抽象的因素，具象绘画中离不开抽象性的存在,具象性和抽象性始终并存。无论在哪种具象绘画风格的作品中,都有抽象性存在的独特方式以及其所表达的特殊审美意义。