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戏剧表演概况

一、戏剧是什么？

戏剧是一种综合的舞台艺术，它借助文学、音乐、舞蹈、美术等艺术手段塑造舞台艺术形象，揭示社会矛盾，反映现实生活。

戏剧的种类很多。根据表演形式的不同可以分为话剧、歌剧、舞剧、戏曲等。话剧以对话为主，如《雷电领》；歌剧以歌唱为主，如《白毛女》、《图兰朵》；舞剧以舞蹈为主，如《丝路花雨》；戏曲是我国传统的戏剧形式，包括昆曲、京剧和各种地方戏，以歌唱、舞蹈为主要表演手段。根据剧情的繁简和结构的不同，戏剧又可分为多幕剧和独幕剧。根据题材所反映的时代的不同，戏剧可分为历史剧和现代剧。另外，根据矛盾冲突性质和表现手法的不同，戏剧还可以分为喜剧、悲剧和正剧。正剧兼有悲剧和喜剧的因素，在古今中外的戏剧作品中占的比重最大。

二、准备内容

1.剧本

剧本是舞台演出的依据和基础，是戏剧的主要组成部分，直接决定着戏剧的思想性和艺术性。剧本一般有以下几个特点：

（１）有尖锐的矛盾冲突即戏剧冲突：

戏剧冲突展现人物性格特点，推动剧情的发展，揭示作品的主题。戏剧冲突的发展变化过程就构成了剧本的情节结构。剧本的情节结构，一般可分为开端、发展、高潮和结局四部分，有的多幕剧还有序幕和尾声。

（２）主要运用人物语言（对话、唱词、独白、旁白）、动作塑造人物形象：

人物语言、动作高度个性化，符合各自身份和性格特点。

（３）适合舞台演出：

人物、事件、时间、地点高度集中，人物不能太多，事件不能纷繁，场景不能过多地变换。

(４）有舞台说明：

舞台说明写在每一幕（或场）的开端、结尾和对话中间，内容包括人物、时间、地点、服装、道具、布景以及人物的表情、动作、上下场等。1 戏剧小常识戏剧动作：（Action Of Drama）戏剧艺术基本表现手段，在表演艺术中，又称舞台动作。

一个完整的戏剧动作可以分解为：做什么、为什么做、怎么样做、做什么，指动作的内容；为什么做，指动作的心理动机；怎么样做，指具体的动作方式。其中，为什么做与怎么样做，是紧密联系的，前者制约着后者。在剧本中，剧作家的提示一般只是做什么，演员要

完成动作，首先应搞清楚为什么做（具体的心理动机），然后才能确立具体的动作方式。同样，人物的每句台词（言语动作）也可以分解为说什么、为什么说以及怎么样说。

戏剧动作首先具有直观性。戏剧正是借助动作这种手段，将人物的行动、事件以及矛盾冲突的发展直观地展现在观众面前。同时，戏剧动作又具有揭示性。在戏剧中，人物的心理活动本身是非直观的，各种动作方式正是非直观的心理内容的外观方式。

戏剧情节：（Plot Of Play）戏剧作品的构成因素之一。一般是指作品中人物与人物、人物与环境的各种关系所组成的生活事件、矛盾冲突的发展过程。

戏剧情节是由一个个场面连贯而成的。场面是情节发展的基本单位，情节随着场面的次第转移而不断发展。

戏剧情节是由一条条线索铺设而成的。线索是情节发展过程的头绪、脉络，故亦称情节线。情节简单的作品，可以单线发展；情节复杂的作品，可以双线或多线发展。后者的线索又有主、次之分，其中伴随着主要人物活动而展开的、贯穿全局的情节线称为主线；伴随其他人物活动而展开的、枝蔓性的情节线称为副线。副线需与主线形成有机联系，并为突出主线服务。线索还有明暗之分，通过人物本身的动作在舞台上直接呈现出来的情节线是明线；通过人物间接介绍、交代出来的幕后活动的情节线则为暗线。主线通常是明显，但也有将暗线作为主线的。

人物的行动及其发展，是戏剧情节的外在构成形式；促成人物行动的动机及其发展变化，则是戏剧情节潜在的动力。因此，有人认为戏剧情节是由意图、打到意图的手段以及这些手段的结局网织而成的。在不同风格种类的戏剧作品中，有的注重于行动外在的力度（如情节剧），有的则注重于心理（动机）的深细度（如心理剧）。

戏剧情境：（Situation Of Play）戏剧作品的构成要素之一。戏剧情境作为戏剧作品的基础，由三种因素构成：剧中人物活动的具体的时空环境；对人物发生影响的具体的情况——事件；有定性的人物关系。一般地说，在诸种因素中，最重要的、最有活力的因素是人物关系。

戏剧性：（Theatricality）戏剧的特性在作品中的具体体现。主要指在假定情境中人物心理的直观外现。从广义的角度讲，它是美学的一般范畴。

戏剧性是把人物的内心活动（思想、感情、意志及其他心理因素）通过外部动作、台词、表情等直观外现出来，直接诉诸观众的感官。

戏剧悬念：（Suspension In Play）它是戏剧创作中使情节引人入胜，维持并不断增强观众兴趣的一种主要手法。

剧本：（Play-Script）以代言体方式为主、表现故事情节的文学样式，戏剧演出的文字依据。在文学领域里，它是文学作品的一种特殊体裁，在戏剧实践领域里，它是戏剧活动的基础和起点。

剧本主要由剧中人物的对话、独白、旁白和舞台指示组成。对话、独白、旁白都采用代言体，在戏曲、歌剧中则通常用唱词来表现。剧本中的舞台指示是以剧作者的口气来写的叙述性的文字说明，包括对剧情发生的时间、地点的交代，对剧中人物的形象特征、形体动作及内心活动的描述，对场景、气氛的说明，以及对布景、灯光、音响效果等方面的要求。

表演形式

编辑

戏剧的表演形式多种多样，常见的包括话剧、歌剧、戏曲、舞剧、音乐剧、木偶戏等。由于文化背景的差别，不同文化所产生戏剧形式往往拥有独特的传统和程式，比如西方戏剧、中国戏曲、印度梵剧、日本能乐、歌舞伎等。

现代的戏剧观念强调舞台上下所有演出元素统一表现以实现综合的艺术效果。演出元素包括演员、舞台、道具、灯光、音效、服装、化妆，以及剧本、导演等的一切总称，也包括台上演出与台下互动的关系（一般称为“观演关系”）。

在中国台湾地区，戏剧是一个范围较广的词语，如舞台剧、电视剧、电影等以剧本为核心进行表演的演剧形式都统称为戏剧。

文学上的戏剧概念是指为戏剧表演所创作的脚本，或称之为剧本。

戏剧语言

戏剧语言包括人物语言和舞台说明。

人物语言：也叫台词（戏曲称之为“念白”）。台词，就是剧中人物所说的话，包括对白、独白、旁白等。对白是两个或多个人物交谈的话；独白是剧中人物独自抒发个人情感和愿望时说的话；旁白是剧中某个角色背着台上其他剧中人从旁侧对观众说的话。剧本主要是通过台词推动情节发展，表现人物性格。因此，台词语言要求能充分地表现人物的性格、身份和思想感情，要通俗自然、简练明确，要口语化，要适合舞台表演。

舞台说明：又叫舞台提示。它是剧本语言不可缺少的一部分，是剧本里的一些说明性文字。舞台说明包括剧中人物表，剧情发生的时间、地点，服装、道具、布景以及人物的表情、动作、上下场等，这些说明对刻画人物性格和推动戏剧情节发展有一定的作用。这部分语言要求写得简练、扼要、明确。这部分内容一般出现在每一幕（场）的开端，结尾和对话中间，一般用括号（方括号或圆括号）括起来。

戏剧特点

1：始于离者，终于和；

2：一言以蔽之，“谓以歌舞演故事也；

3：离形而取意，得意而忘形。

戏剧的艺术特点

戏剧将众多艺术形式，以一种标准聚合在一起，这些形式包括：诗、乐、舞。诗指文学，乐指音乐伴奏，舞指表演。此外还包括舞台美术、服装、化妆等方面。同时，戏曲以唱、念、做、打为基本手段，几乎将各类表演艺术成分集于一台。戏曲演员必须掌握“四功五法”（“四功”即唱、念、做、打，“五法”即手、眼、身、法步）。

暗示教学法在戏剧表演教学中的应用论文

[暗示教学法在英语教学中的应用]暗示教学法在戏剧表演教学中的应用论文内容摘要：目前，戏剧作为我国精神文明的重要组成部分，已经取得了很大的进步。但随着社会的不断发展，戏剧表演也面临着新的发展机遇和挑战。这就要求与之相对应的戏剧教学也应当不断创新，寻求更加有效的教学方法，提高戏剧教学的效率。本文首先从融合性、统一性两方面，阐述了暗示教学法在戏剧教学中的运用原则。又在此基础上从面部表情、肢体语言、言语、眼神等方面，探究了暗示教学法在戏剧表演教学中的具体运用。关键词：暗示教学法；戏剧表演；运用目前，许多戏剧表演专业的学生由于心理素质较差、缺乏表演经验、表演基本功不扎实等因素影响，时常在戏剧表演过程中出现紧张、交流等反应。这无疑会严重影响戏剧表演的效果。并打击学生在戏剧学习中的信心。暗示教学法则可以通过多种教学手段，帮助学生克服这些消极的心理影响，引导学生形成科学的戏剧学习观念，激发学生的戏剧学习兴趣。因此，如何合理应用暗示教学法，激发学生在戏剧学习中的潜能，提高学生的学习积极性，是当前戏剧表演教学急需研究的重要课题。一、暗示教学法在戏剧表演中的应用原则 1、融合性

暗示教学法要求教师和学生之间、学生和学生之间构建一种相互理解、相互信任的关系，这就要求教师要在戏剧表演中重视与学生的和谐、融合，加强与学生的沟通交流，及时了解学生在戏剧学习中的需求和疑惑，进而因材施教，以更加合理有效的方式运用暗示教学法，为学生传授戏剧表演的相关知识和技巧。 2、统一性在运用暗示教学法的过程中，教师应当将学生的“有意识”和“无意识”有机结合在一起，发挥理性与感性的调节作用。无意识是有意识的前提和基础，可以为学生的戏剧学习提供平衡的心理环境。学生的行为和心理都会受到无意识活动的影响。因此，只有将二者统一结合，才能充分激发学生的戏剧学习潜力，引导学生在戏剧学习过程中实现个性发展。二、暗示教学法在戏剧表演中的具体应用 1、面部表情暗示的运用面部表情是人们内心情绪的外在表现。苏联教育家马卡连柯曾说：“不善于掌控表情的人不适合做教师。”可见，在戏剧表演教学中，教师必须运用丰富的面部表情。向学生传递各种情绪。学生在学习过程中也时常通过教师的面部表情揣摩他们的喜怒哀乐，并据此做出相应的举动。例如，当教师面带微笑时，学生就会体会到教师的肯定或鼓励情绪，进而增强学习信心。而如果教师在教学过程中表情阴沉，学生就会小心翼翼，整个教学活动就会沉闷枯燥。所以，在戏剧表演教学过程中，教师应当学会

浅谈戏曲表演艺术与生活关系

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/5d3821473.html, 浅谈戏曲表演艺术与生活关系作者：王萍来源：《商业文化》2011年第10期摘要：在戏曲舞台上，无论演员的手、眼、身、步的运用，都有一定的规律，我们的舞台动作，就是有这些属于舞蹈性的基本动作所构成的。它们的主要特点为、集中、锻炼、夸张、属于象征性和程式化。各种不同类型的人物的性格和各种复杂的思想情感，都要通过相应的舞蹈形式来表现它、刻画它。关键词：戏曲表演；艺术；生活中图分类号：J89 文献标识码：A 文章编号：1006-4117（2011）10-0355-01 一、真和假和生活对照，戏，本来是假的，何必怕假，但要假里透真，不过这个真并非要求和生活一模一样，而是真中有假，假中有真。常言道：“两三人千军万马，五六步万水千山”。舞台上就要这样表现。人们从来也没说这样的表现不真实。对于观众来说：“明知是假，偏作真看，真见到真，反而觉假”。在演员是：“基础与真，提炼于假，假如真假，必然害真”。这是艺术作品与生活之间有血缘，但是又必尽然相同的关系。演员做虚拟动作，要想叫人家相信，做出来就像那么回事。怎么就真象那么回事了呢？首先得虚拟的合理。还说做针线活吧，谁都知道认上线缝衣服，线是越做越短，绝不会越做越长。但是有时演员在台上只顾唱了，忘了一点，她唱第一句时缝衣服的线只拉到胳膊肘那么长，唱了几句，一使劲一下把线拉到肩膀哪儿去了，先越做越长，无怪乎有人说她是用“猴皮筋”做衣服了。再说开门吧，有的演员走到台上，拔开门插关，两手一比划，随便往后一拽，就算开了门了。殊不知门是木头做的，不能打弯，要真有两扇门在那儿摆着，她这样开始开不开的，因为身子挡着呢！观众看了这种表演，绝不相信她是在开门，那得说她是扯碎布头呢！戏中表示真开门，演员应该脚底下向后退一步，闪身，把门让过去，同时双手平着向两边推，交代清楚了，才能真像开门了。演员做派，要求演员在舞台上得动作一切合理，而一切又像真的。艺术和生活是分不开的，演员在舞台上的表现，决不能离开生活根据，但必须把它舞台化，不能把生活中的原貌，一成不变地搬上舞台，生活中的动作经过艺术加工，夸大、美化、集中而有力地表现出来，才能强烈地感染人，让人产生真实感。舞台上是以假作真，这是一种辩证关系。二、内和外体验与表现：无论是什么任务，头一件事就是研究他是谁？演员在台上每一个表情都要让观众看清楚，不光是看的见，而且要看得懂，不如：演员在台上昂首看着远处，台下观众心里就再想：“他在看什么？”如果这个观众说你在看太阳，那个

初中语文戏剧常识

戏剧文学戏剧文学，通常指戏剧剧本。戏剧有广狭二义：一是话剧、歌剧、戏曲的总称，一是专指话剧。因此，狭义的戏剧文学也专指话剧剧本，广义的戏剧文学则应包括歌剧剧本、戏曲剧本在内。一般多取其广义的概念。戏剧文学具有两重性：一方面，它作为文学作品，应当具备一般叙事性作品共同的要求，诸如塑造典型形象，揭示深刻的主题，以及结构的完整性、统一性等等，并应当具有独立的欣赏（阅读）价值；另一方面，它作为戏剧演出的基础，只有通过演出，才能表现出它的全部价值，因此，它又要受到舞台演出的制约，必须符合舞台艺术的要求。话剧、歌剧、戏曲剧本，虽然它们各自有一些特异性，但作为戏剧文学，又具有某些共同的特征。戏剧是综合艺术，它把文学、表演、绘画、雕塑、音乐、舞蹈等多种艺术综合成为一种独立的艺术样式。在戏剧演出的综合性整体中，剧本虽然是基础，但居于中心地位的却是演员的表演。演员扮演角色的基本手段是动作，如话剧中的形体动作、言语动作、静止动作，歌剧中还有歌唱，戏曲中则有唱、念、做、打，等等。动作是演员艺术的根基，也是戏剧艺术的根基。戏剧艺术的特性就在于它是动作的艺术，这也决定了戏剧文学的基本特性。从表面上看，剧本同小说一样，也是用语言（文字）写成的，但一般地说，小说中语言的主要性能是叙述和描写，剧本中则主要*人物通过自身的动作进行自我表现。剧本通常包括两个部分：一是剧作家的舞台提示，其中包括对动作展开的时间和具体的物质环境的说明，对人物外部动作、静止动作的提示和对人物台词的心理情绪的提示；一是人物自身的台词，其中包括对话（对唱）、独白（独唱）、旁白（旁唱）等，这些，都是人物心理动作的外现方式。在戏曲剧本中，人物的台词（道白与唱词）有时也有说明动作环境和叙述事件的作用，但其主要性能也还是心理动作的外现。剧本需要各种各样的戏剧冲突，需要情节的生动性和丰富性，但无论是戏剧冲突还是戏剧情节，都应通过因果相承的动作直观地展现出来。剧本需要塑造各种各样的典型人物形象，而动作正是戏剧塑造人物形象的基本手段。剧本中需要有深刻的主题思想，而主题思想也应该寓于动作的发展之中。戏剧文学的这种基本特性，决定了剧作家形象思维方式的特殊性，即必须遵循动作发展的逻辑。剧作家只有熟悉表演艺术的特点，掌握舞台艺术的规律，才能写好剧本。戏剧演出由于受到舞台条件的制约，形成了自己特有的时空观念。在戏曲中，动作是虚拟的、程式化的，它的时空特性主要表现为建立在虚拟动作基础之上的虚拟时间和虚拟空间；在戏曲舞台上，离开人物的虚拟动作和说明性的台词，就不存在具体的时间和具体空间。这样，就造成了戏曲剧本在结构上的特点，即在时间和空间方面具有很大的自由。而在话剧中，动作基本上是写实的，它的时空限制要比戏曲大得多，因此，也就决定了话剧剧本在结构上的特点，即话剧动作必须在固定空间和延续时间中持续发展。当然，这并不意味着它只能有一个固定空间（即场景），也并不意味着它的时间必须从头到尾连续下去；但它的空间和时间的变换，必须通过中断动作来实现，其方式就是换幕（或场）或暗转。这就形成了话剧结构中分幕、分场的特点。剧作家可以借助这种方式，相对地扩大剧本的时空容量。所谓“一幕”，指的是动作与情节发展中的一个大的段落；所谓“一场”，则是指在大的段落中空间的变换或时间的间隔。在现代话剧中，幕与场的界限已不像以前那么明显，也有不分幕只分场的。但总的说来，不论是话剧、歌剧还是戏曲，都要求剧本的结构必须遵循时间与空间高度集中的原则，剧本中的戏剧冲突和戏剧情节，都应当在高度集中的场面和场景中展开。这个原则在任何时代的戏剧创作中都是共同的，只是具体要求和具体表现有所不同。戏剧特点：（1）、剧本必须适合舞台演出。演出要受到时间和空间的限制，把发生在不同地点和较长时间里大事情集中在有限的舞台和两三个小时内的演出中表现出来。 2）、必须有集中尖锐的矛盾冲突。戏剧是反映现实生活中的矛盾冲突的，没有矛盾冲突就没有戏剧。这中冲突是社会矛盾的反映，它有一定的发展过程，这个过程就构成了剧本的情节结构。

戏剧基本常识

戏剧基本常识 1、戏剧：是一种综合的舞台艺术，它借助文学、表演、绘画、雕塑、音乐、美术、舞蹈等艺术手段塑造舞台艺术形象，揭示社会矛盾，反映现实生活。戏剧文学，即剧本，是舞台演出的基础，是戏剧的主要组成部分，直接决定着戏剧的思想性和艺术性。 2、剧本通常包括两个部分：一是舞台说明（又叫舞台提示），是剧本语言不可缺少的一部分，是剧本里的一些说明性文字。内容包括剧中人物表，剧情发生的时间、地点、服装、道具、布景以及人物的表情、动作、上下场等。这部分内容一般出现在每一幕（场）的开端、结尾和对话中间，一般用括号（方招号或圆括号）括起来。二是人物自身的台词，包括对话（对唱）、独白（独唱）、旁白（旁唱）等。独白是剧中人物独自抒发个人情感和愿望时说的话；旁白是剧中某个角色背着台上其他剧中人从旁侧对观众说的话。 3、戏剧的要素：包括舞台说明、戏剧冲突、人物台词等。 4、戏剧的基本特点：（1）、剧本必须适合舞台演出，剧本篇幅不长，人物不多，场景变换不多，戏剧情节必须在高度集中的场面和场景中展开。（2）、剧本必须有集中、尖锐的矛盾冲突。戏剧是反映现实生活中的矛盾冲突的，没有矛盾冲突就没有戏剧。这中冲突是社会矛盾的反映，它有一定的发展过程，这个过程就构成了剧本的情节结构。剧本的情节结构可分为：开端——发展——高潮——结局开端：介绍人物关系和揭示矛盾冲突发展：描写情节的波澜起伏，一波未平一波又起，一步步把矛盾冲突推向高潮。高潮：矛盾冲突发展到顶点并表现出急剧转化的局面结局：结局是情节发展的必然结果，也是矛盾冲突的解决。尾声：与序呼应，对剧本的思想内容作些启示，引起人们的联想和展望。（3）、人物的语言和动作必须合乎各自的身份和特征。戏剧的语言主要是台词。戏剧主要是通过台词推动情节发展，表现人物性格。因此，台词语言要求能充分地表现人物的性格、身份和思想感情，要通俗自然、简练明确，要口语化，要适合舞台表演。 5、戏剧分类：（1）、按照表现形式：话剧、歌剧、舞剧、诗剧、歌舞剧、相声剧。（2）、按照篇幅规模：多幕剧、独幕剧（3）、按照题材所涉及的方面：历史剧、现代剧现代剧、历史剧、神话剧、科学幻想剧、童话剧、儿童剧。（4）、按照内容性质：悲剧、喜剧、正剧（悲喜剧）所谓正剧，就是能反映悲喜等思想感情的复杂变化的戏剧。（5）按照地域色彩不同：京剧（北京）、沪剧（上海））、豫剧（河南）、吕剧（山东江苏）、川剧、汉剧（湖北）、楚剧（湖北江西）、晋剧（山西）、黄梅戏（浙江）等（6）、演出不同：舞台剧、广播剧、电影、电视剧、街头剧、活报剧等等 6、明确“潜台词”的含义。潜台词，戏剧术语。潜藏在台词下面的人物的思想、愿望和目的，是台词的真实含意。潜台词存在于一切台词之中。当人物采取直接的方式表达思想感情时，台词与潜台词是一致的。当人物采取曲折的方式表达思想情感时话就有了弦外之音、言外之意。（一）、不看人物话有没有说，而看人物心里有没有想。有时剧中的人物并没有说什么话，但透过简短的语言，可以探知人物的内心活动。我们可以挖掘到人物的未说之意、心中所想（二）、不看人物话是不是这样说，而看人物心中是不是那样想。有时在某些情形之下当事人对有些事不便说明，这时一句话的潜台词与台词的表面字义甚至可能是完全相反的。（三）、不看人物话有没有说到，而想人物心中意有没有说尽。潜台词的一个最为显著的特点就是“言有尽而意无穷”。如果不分析其“话外之意”，是难以理解戏剧的矛盾冲突和作品的人物形象的。 1 戏剧基- - 本常识

歌剧的分析

摘要：歌剧，是声乐艺术的表现形式之一。在歌剧中最常使用的两种演唱形式是宣叙调和咏叹调，宣叙调是一种美声化的说白，为了将对白取而代之，因此也无法单独演唱。咏叹调则是歌剧中用来表达角色情感的，在歌剧中占据了重要地位，但是歌剧对于我们来说毕竟是有些距离的，即使是专业歌唱者，接触整部歌剧的机会也是有限的。因此我们学习外国声乐作品的时候对于丰富个人演唱歌曲的类型及语言，提高演唱技巧，增强在舞台的表演形式，传播歌剧艺术等都是有必要的。歌剧里的内容，描写人性的真善美，对当代社会的青年，但凡你真正进入歌剧的音乐殿堂，便会爱上歌剧，对歌剧的传承和发扬作用。《奥非欧与优丽狄茜》这部歌剧，是古典时期德国的作曲家格鲁克歌剧改革的代表作品，他力求反应自己“追求一种质朴美”的审美观念，将音乐和戏剧相互结合，他在十八世纪的时候对歌剧改革作出了很大的贡献，对之后的歌剧起了很大作用，咏叹调《世上没有优丽狄茜我怎么活》这首的声乐作品音域跨度小,旋律走向平稳,经常用在声乐学习者初中级等阶段的教学歌曲选择中。本文针对咏叹调的曲式和演唱情感做了简单分析，并对歌曲情感表达自己的观点。关键词：歌剧格鲁克奥非欧优丽狄茜演唱技巧一、简述《世上没有优丽狄茜我怎能活》 (一)作者介绍格鲁克，完成了十八世纪歌剧史上最重要的改革，为近代歌剧奠定了基础。早年创作意大利风格的神话歌剧。1750年起移居维也纳。1754年任宫廷歌剧院乐长，后与意大利诗人卡尔萨比基(1714—1795)合作，用其脚本作《奥菲欧与尤丽狄茜》、《阿尔且斯特》和《巴吕德与爱莱娜》，从事歌剧改革。1773年移居巴黎，继续改革事业。主张歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应力求自然、纯朴，并创造了标题性序曲，又恢复群舞场面与合唱在歌剧中的重要地位。处在歌剧承前启后的时代中，他之后是莫扎特的无尽辉煌，他之前是拿波里月派和法国歌剧的鼎盛时期，。他是德国人却卷进了法国歌剧和意大利歌剧的争论中。毋庸置疑，格鲁克并非反对意大利歌剧本身，而是作为真正的革新者，并不赞同守旧的某些意大利作曲家。他出生在奥地利的一个农村家庭中，在农村里的小学和耶稣会的院子里学习了有关音乐的一些基本知识以及古钢琴的弹奏，但是他非常喜欢大提琴。青年时期为了赚些钱，与流浪的音乐人到处参加街头的演出活动。他的歌剧改革是在启蒙运动的影响下进行的，十八世纪中叶，虽然意大利歌剧在欧洲广泛流行，但是它的表演形式日渐趋于板滞，演唱者太过显耀声乐的演唱技巧从而破坏戏剧的连贯性。创作中，他注重歌剧的整体思想，在歌剧的写作中提出意见，这样的改革方向偏向于音乐戏剧，是西洋歌剧发展的重要阶段。他改革的意义是针对十八世纪封建保守思想的抗争，而不只是提高音乐本质和音乐美学思想。实质上是。因为这个原因，他的歌剧改革为歌剧艺术摆脱封建思想泥古，为之后的歌剧发展作出了巨大的历史贡献。 (二)背景介绍歌剧自从诞生经过一百多年的发展，形成了两大歌剧派别，分别是意大利歌剧和法国歌剧，尤其是意大利正歌剧逐渐背离了佛罗伦萨卡梅拉塔社团的艺术理想，变成一种夸张造作的情形。不管是作曲家、作家、歌手还是听众，都沉湎在浮华的形式中。意大利歌剧的题材任然取材于神话故事，但内部结构和角色的分配，一点也没有改变；对阉人歌手的崇尚，经常对戏剧情节和动作进行随意改动；具有炫耀技巧的咏叹调数量增多；在十八世纪，人们反感了这些弊端，格鲁克开始提出改革主张。《奥非欧与优丽狄茜》这部歌剧，是德国作曲家格鲁克针对意大利的正歌剧浮华、夸张的弊端改革时创造的，改革创新首先是音乐本身，在这部歌剧中可以感受到过去歌剧中感受不到的戏剧性的紧张气氛。但更大的创新是格鲁克在这部

戏曲表演与服饰艺术赏析

戏曲表演与服饰艺术赏析课试题壹自选2～3幅代表性的（了解，喜爱的）东方戏曲的截图。试题贰写三个以上与戏曲相关的成语。粉墨登场，锣鼓喧天，有板有眼试题叁自绘2～3幅戏曲脸谱

试题肆浅论戏曲的 1主要分类 2艺术特征 3表现方法 4神韵寓意我国273个戏曲剧种中, 有5个戏曲剧种脱颖而去,即京剧、评剧、豫剧、越剧、黄梅戏,被称为“五大剧种”。越剧——中国五大戏曲剧种之一，全国第二大剧种。越剧长于抒情，以唱为主，声音优美动听，表演真切动人，唯美典雅，极具江南灵秀之气；多以“才子佳人”题材的戏为主，艺术流派纷呈。1954年的日内瓦会议上，在周恩来的指示下，新中国第一部彩色戏曲电影《梁山伯与祝英台》被用来招待外宾，获得了广泛的赞誉。是影响最广的地方剧种。2006年5月20日经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。汉剧，中国汉族戏曲剧种、湖北省地方戏曲剧种之一。俗称“二黄”,又有“楚剧”、“汉调”两种叫法。它为湖北主要的戏曲剧种。晋剧，汉族地方戏曲，山西四大梆子剧种之一，又名山西梆子。因产生于山西中部，故又称中路梆子，也称为“中戏”，外省称之为山西路梆子，主要流行于山西中、北部及陕西、内蒙古和河北的部分地区。豫剧是发源于中国河南省的一个戏曲剧种，中国五大剧种之一，居中国各地域戏曲之首。豫剧以唱腔铿锵大气、抑扬有度、行腔酣畅、吐字清晰、韵味醇美、生动活泼、有血有肉、善于表达人物内心情感著称，凭借其高度的艺术性而广受各界人士欢迎。因其音乐伴奏用枣木梆子打拍，故早期得名河南梆子。豫剧是在继承河南梆子的基础上，通过不断改革和创新发展起来的。粤剧又称“大戏”或者“广东大戏”，粤剧是融汇明清以来流入广东的海盐、弋阳、昆山、梆子等诸腔并吸收珠江三角洲的民间音乐所形成的以梆子（京剧称西皮）、二黄为主的我国南方一大剧种。粤剧名列于 2006年5月20日公布的第一批518项国家级非物质文化遗产名录之内。2009年9月30日，粤剧获联合国教科文组织肯定，列入人类非物质文化遗产名录。黄梅戏，旧称黄梅调或采茶戏，与京剧、越剧、评剧、豫剧并称中国五大剧种，汉族戏曲之一。黄梅戏唱腔淳朴流畅，以明快抒情见长，具有丰富的表现力；黄梅戏的表演质朴细致，以真实活泼著称。一曲《天仙

歌剧艺术发展及作品欣赏试题

1．歌剧：是结合了戏剧与音乐，并加入舞台艺术元素，集三者于一身的艺术形式。在舞台表演，并有舞台布景、戏剧化妆、服饰、表演的，以角色演唱为主导，以独立的、特定的音乐结构作为推动手段的戏剧音乐作品。 2．正歌剧：经过近一个世纪的发展，意大利歌剧在1680年间渐渐定型为正歌剧。即古典式的意大利歌剧，是一种严肃的歌剧，题材崇高，大抵取材于希腊及罗马故事，内容悲壮，多为悲剧。正歌剧在十七世纪至十八世纪初，是欧洲最流行的一种歌剧形式。亨德尔可以说是主要的代表人物。到了莫扎特时代已走向没落。 3.喜歌剧：与正歌剧相比，喜歌剧的题材就平民化多了，剧中采用轻松、滑稽的主题，多是一般平民的日常生活情节。喜歌剧泛指19世纪包括对白的法国歌剧，此类歌剧中的演唱，咏叹调往往不是表达感情的主要手段，而是采用浪漫曲、分节歌、舞蹈歌曲乃至讽刺歌曲及对白等表现事态风俗题材。 4.轻歌剧：比喜歌剧更加大众化，虽与喜歌剧相似，但比喜歌剧短而通俗，结构简单，没有尖锐的戏剧冲突；旋律流畅动听，配器色调鲜明，且以说白为多，更具娱乐性。 5．宣叙调：歌剧是没有对白的，对话是以半念半唱的形式来表现，宣叙调也称朗诵调，是歌剧演唱音调的一种形态、类型。宣叙调在歌剧中强调朗读式、说话似的自然音调变化，在对白、对话的演唱中用以表现人物关系和剧情进展，不带明显的主题素材，没有固定的结构形式，篇幅短小。常用于咏叹调前面的简短叙述并作为两端咏叹调之间的转换过渡性段落。 6.咏叹调：是歌剧中的一种歌唱形式，是歌剧音乐中的精华。是一种既讲究旋律线条的优美动听，又注重发挥声乐表演技巧的抒情调。每当情节发展到一个高潮﹑主人公内心汹涌澎湃不吐不快时，作曲家便为主角们安排一首动人的咏叹调。由某一角色集中抒发内心情感，发出声声感叹，倾诉人物的喜怒哀乐，此时剧情暂且停止推进。 7.重唱：重唱是当故事里有两个或三个以上角色进行对话时便以重唱的方式来呈现，在此需顾及角色性格的不同，旋律得依角色个性来编写，每一个角色在一个声部很难有完整的音乐样貌。重唱这一形势同时精简了篇幅，压缩了人物各自的宣叙调和咏叹调，为戏剧的进行提供了速度。重唱既有丰满的音响和缜密的织体作为重要的表现手段，重唱所处的部位都在一场之末作为总结，作为高潮的铺垫。 8. 序曲：用以向观众宣告演出即将开始通常序曲的风格能够影响整部歌剧的气氛，能够画龙点睛般提示全局的精华。 9.合唱：歌剧中的合唱多起陪衬或营造气势的作用，大多是配合大场面而出现的旁布偶雄壮的乐章。

幼儿小班戏剧表演教案

幼儿小班戏剧表演教案【篇一：小班表演游戏《小兔乖乖》（6 次版）】一、活动由来：许多孩子对故事似乎永远是最喜欢的、百听不厌的，故事“小兔乖乖是一个非常古老、传统的故事，流传已久，一般在家里，家长都会给孩子讲述这个故事，孩子们对这个故事基本上有一定了解，且故事情节有趣，符合小班孩子的年龄特点，本作品具有较强的动态感、表演性，适合幼儿的角色扮演，让幼儿进入亦真亦幻的童话世界，所以预设了这个游戏活动，以满足孩子的游戏欲望，并在游戏过程中观察了解孩子游戏情况，适时适当地给予指导和帮助，以充分发挥表演游戏的教育功能，促进孩子发展。二、预设活动总目标： 1 、激发幼儿扮演角色的兴趣和玩表演游戏的兴趣。 2 、在老师的帮助下，初步能按文学作品中的主要情节和角色对话、动作开展表演游戏。 3 、通过与同伴共同玩表演游戏，感受与同伴共同游戏的乐趣。 4 、学习并遵守游戏规则，学会收拾表演用具。 5 、让孩子学习在集体中大胆表现。表演游戏：小兔乖乖（一）一、活动目标： 1 、知道故事的名称，熟悉故事情节。 2 、初步掌握故事角色的对话。 3 、感受与同伴共同游戏的乐趣。二、活动准备： 1 、了解孩子对故事“小兔乖乖”中故事情节和对话的熟悉程度。 2 、故事的图片、磁带等。三、活动指导： 1 、以孩子比较熟悉的“小兔乖乖”的旋律引出故事“小兔乖乖”。 2 、欣赏故事“小兔乖乖”，通过图片让孩子了解故事的主要内容。 3 、通过提问，学习故事中的角色对话，知道故事中有几个角色，它们都说了些什么？ 4 、引导孩子想想、学学小兔、兔妈妈和大灰狼的对话应该是什么样的？四、观察与反思：孩子们对故事“小兔乖乖”的情节比较熟悉，知道故事中有几个角色，老师在讲述故事时孩子们能很专心地听着，呼应着，有的孩子还不时地做出开心、害怕的表情，听到兔妈妈回来一边敲门一边唱歌时，会高兴地唱

戏曲表演的四种艺术手段唱念做打

戏曲表演的四种艺术手段——唱念做打戏曲表演的四种艺术手段，也是戏曲表演的四项基本功。唱指歌唱，念指具有音乐性的念白，二者互为补充，构成歌舞化的戏曲表演艺术两大要素之一的“歌”。做指舞蹈化的形体动作，打指武术和翻跌的技艺，二者相互结合，构成歌舞化的戏曲表演艺术两大要素之一的“舞”。戏曲在长期发展的过程中，逐渐融合唱念做打各种艺术手段，为搬演故事、塑造人物服务。早在汉代百戏中就有《东海黄公》的节目，通过武术和杂技，表演简单的故事。唐代盛行歌舞，以载歌载舞著称。宋杂剧演出分“艳段”、“正杂剧”、“杂扮”三部分，把歌舞、戏剧、杂耍集于一台，起了相互影响和融合的作用。元杂剧在表演上已有简单的武打。明代弋阳、昆山诸腔勃兴以后，在声乐和舞蹈技艺的结合方面渐趋完善。清乾隆、嘉庆年间，徽调与汉调合流，继承昆、弋的传统，吸收各种地方戏的优点，逐步向京剧演变，大致到了同治、光绪前后，一个以唱念做打多样统一的完整艺术形式才臻成熟。戏曲剧种为数众多，表演上运用的艺术手段各有侧重。大抵搬演生活小戏的花鼓、采茶等系统的剧种，载歌载舞；由坐唱形式搬上舞台的滩簧、曲子等系统的剧种，侧重说唱；昆曲、高腔、皮簧、梆子系统的剧种，唱念做打四功并重。中华人民共和国成立以来，各剧种相互促进，共同提高，上述差别已逐渐缩小。目前，各剧种大都具备了唱念做打的艺术手段。戏曲演员按照传统的规程，从小就从唱念做打几个方面接受严格的基础训练，充分掌握了基本的技法和程式，熟悉了各种音乐语汇和舞蹈语汇，而后才能进行艺术创造。戏曲谚语说，“师傅领进门，修行在个人”，“领进门”是指口传身授的传艺，“靠个人”则指个人的揣摩、发挥与创造。戏曲演员幼时一面苦练基本功，一面拍曲学戏，学会几出或十几出传统折子戏后，就开始登台演出，在艺术实践中逐渐学会体验角色，熟悉并发挥唱念做打的艺术功能。缺少基本功，就失去创作的手段；仅擅基本功的技法和程式，也是难于创造鲜明的艺术形象的。基本功之一：唱学习唱功的第一步是喊嗓、吊嗓，扩大音域、音量，锻炼歌喉的耐力和音色，还要分别字音的四声阴阳、尖团清浊、五音四呼，练习咬字、归韵、喷口、润腔等技巧。当演员掌握了这一切时，更重要的则是善于运用声乐技巧来表现人物的性格、感情与精神状态。几百年来，戏曲美学中一直有传声与传情的分歧，有的演员侧重音色和唱腔旋律的美，讲究唱出韵味；有的演员则着重中气充沛、字正腔圆，主张首先要唱出感情。卓越的演员大都把传声与传情结合起来，通过声乐的艺术感染力，表现剧中人的心曲。

中西方戏剧知识整理

中西方戏剧知识整理一、世界戏剧历史 1、西方戏剧诞生西方戏剧的曙光，普遍认为是古希腊悲剧，而古希腊悲剧则是源于古希腊城邦的狄俄尼索斯（Dionysus）的崇拜仪式。在祭典中，人们扮演狄俄尼索斯，唱“戴神颂”，跳“羊人舞”（羊是代表蒂厄尼索斯的动物）。古希腊悲剧都是诗剧，严谨古雅、庄重大气。表演时有歌队伴唱，史实表明歌队先于演员存在。关于这个起源，也可以参考德国哲学家尼采的早期哲学著作《悲剧的诞生》。 2、中国戏剧诞生就西方的定义来说，中国没有“话剧”的传统。不过一般在讨论中国戏剧时，若不以严格的定义划分，中国古代的戏曲应归入戏剧的大类。中国戏曲的根源在可以追溯到先秦到汉代的巫祇仪式，但是宋代南戏的发展才有了完备的戏剧文本创作，现存最早的中国古代戏剧剧本是南宋时的《张协状元》。元代时以大都、平阳和杭州为中心，元杂剧大放异彩。后世形成了诸多戏曲形式，也就是各剧种。明代的昆曲经过发展，首先得到士族大夫的追捧和喜爱，他们大量创造剧本，不断修改曲谱，同时修正昆曲的戏剧理论，并使得传奇剧本成为一种新的主流文学形式。随后昆曲又得到晚明和清代宫廷皇室的喜爱，成为贵族生活的一部分，成为获得官方肯定的戏剧艺术，故称“雅”；而以各地方言为基础的地方戏，广受民间喜爱，则称“花”。于是在清代形成了“花雅之争”，实际上是戏曲共同繁荣的局面。这丰富了戏曲艺术的门类，也形成了各自的艺术特色。台湾的戏剧研究学者曾永义提出一套说法，认为在讨论中国戏剧起源时，应该要区分“大戏”与“小戏”，大戏是成熟的戏曲，而小戏则是戏剧的雏型。大戏是在到了金元杂剧之后才发展完成，而之前的宋杂剧、唐代的代面、踏摇娘、钵头、参军戏、樊哙排君难等，都可列入小戏的行列，而中国在非常早之前，就有小戏。中国在与近代西方有文化接触前，没有西方意义上的“戏剧”（主要指话剧）传统。中国传统的戏剧为一种有剧情的，“以歌舞演故事”的，综合音乐、歌唱、舞蹈、武术和杂技等的综合艺术形式，也就是戏曲曲艺。 3、中国戏曲发展先秦时期→汉魏时期→唐宋金时期→元朝→元末明清时期→近代元代兴盛元杂剧剧本的主要组成部分包括1曲词2宾白3科范4宫调 1曲词：配曲的唱词。 2宾白：指古代戏曲中的道白。 3科范：指戏曲程式动作。 4宫调：乐曲曲调。中国戏剧在元代兴盛，形成了一个艺术上的高峰。原因何在呢？首先，从宋杂剧到金院本，再到元杂剧的诞生，遵循了艺术的内在发展规律。经过长期的艺术积累，终于形成了具有中华民族特色的，以唱、念、做、打的综合性为特征的戏剧表演形式。其中，散曲对杂剧结构的最后定型起了重要作用。就音乐而言，元杂剧每一宫调中选用的曲牌比之诸宫调要丰富得多，可以充分地表演一段情节，符合戏剧冲突从形成到发展、到高潮、再到解决的结构。

中国歌剧表演艺术的民族特征

中国歌剧表演艺术的民族特征歌剧表演水平的高低直接影响到一部歌剧作品的成败，可以说，表演是对歌剧的二次创作。歌剧作为一种独特的艺术形式，它凝聚了艺术的精华。对声乐演绎方法和舞台表演形式两大要素的全面把握是歌剧表演艺术的关键点。歌剧在中国近百年的发展历程中，已经和中国的历史和文化形成了紧密的融合，并受到中国传统戏曲艺术的巨大影响。在经历了几代中国歌剧艺术家的不断探索和艰苦实践后，中国歌剧表演艺术的民族特征呈现出愈发浓重的民族特色，并收获了一定的国际影响力。歌剧作为中国表演艺术的重要组成部分，对具有浓郁民族特征的中国歌剧表演艺术的研究，对于发展和提升中国歌剧创作和表演艺术水平，有着重要的意义。一、歌剧在中国的民族化进程歌剧起源于欧洲，孕育于独特的历史人文环境。它是一种汇聚了歌唱、舞蹈和文学的艺术佳品，具有令人震撼的舞台表现力，并蕴藏着深厚的文化底蕴。歌剧艺术是在20世纪传入我国的。近百年间，我国的歌剧艺术家通过不断的创作摸索，形成了独具东方魅力的中国民族歌剧。《白毛女》《江姐》和《洪湖赤卫队》等作品是我国早期的歌剧作品，它们具有一个共同特点：都是基于民间曲调创作，且以红色故事作为剧本，这主要是受到创作条件限制以及作品受众群体的因素所致。民间曲调的歌曲曲调朗朗上口，老百姓耳熟能详，易于口耳相传。而红色的故事剧本则是因为其表演和传播区域主要是在解放区，受到当时特定的社会政治环境所影响。随着红色政权的发展壮大，直到新中国的成立，这样一种中国歌剧样式在20世纪中叶发展到了一个高潮。当时的中国歌剧作品以描述反帝反封建和近现代中国艰辛的革命历程为主要内容，经过一遍又一遍的精雕细琢而成的歌剧精品，成为百姓缅怀革命先烈的重要抒情载体，并不断推动着歌剧在中国民族化的发展进程。二、中国传统戏曲艺术对中国歌剧的融合和影响中国传统戏曲艺术起源于原始的歌舞，它融合了民间说唱、歌舞以及滑稽戏等多种艺术形式，是一种具有悠久历史的舞台艺术形式，是中国传统民族文化的精髓。中国歌剧则是在保留西方歌剧剧本的写实风格的前提下，融入西方歌剧音乐、美术和文学的艺术因素，并融合诸多中国传统艺术元素的中国戏曲的基础上发展而来的。所以，中国歌剧受戏曲的影响很大。《白毛女》称得上是中国第一部真正意义上的歌剧作品，其在融合西方歌剧的基础上，受到中国戏曲的影响很大。在《白毛女》的创作过程中，创作团队顶着巨大的压力先后尝试和探索了多种表现形式。在确定以斯坦尼斯拉夫斯基体系表演方法之前，创作团队曾经尝试过传统秧歌剧加戏曲和芭蕾舞电影的形式排练，这两种处于两个不同极端的表演方法效果都不甚理想。传统的秧歌剧加戏曲的表演方法过于原始，无法刻画出人物形象丰富的内心活动。而芭蕾舞电影的表演方法又过于注重生活实际，过度强调戏剧表演的合理性与真实性，结果就陷入了自然主义，效果也不理想。最终，创作团队选用了斯坦尼斯

(完整版)戏曲教案

七年级音乐多彩的华夏之音__戏曲宜都外校李书媛教学目标： 1、通过几首著名戏曲选段的欣赏，使学生了解我国戏曲文化的基本特征，对戏曲艺术产生兴趣。 2、愿意聆听和观看戏曲音乐，乐意搜寻与戏曲有关的文化知识，并参与各种创造性实践活动。 3、初步认识有关戏曲“唱、念、做、打”的基本知识，感受和体验各种唱腔艺术。 4、能够模仿豫剧的韵味学唱《谁说女子不如男》教学重点：以唱、念、做、打为线索，引导学生欣赏几首著名的戏曲选段，使学生了解我国戏曲文化的基本特征。教学难点：愿意聆听和观看戏曲音乐，对戏曲艺术产生兴趣，并参与各种创造性实践活动。教具：电脑课件教学方法：讲授法讨论法启发引导法教学过程：一、导入：播放陈升带有吸取唱腔的歌曲《北京一夜》，引导学生对本课的学习兴趣，展开对本课的学习讨论。

欣赏播放孔莹演唱的《说唱脸谱》，讨论不同脸谱所代表的历史人物。分析脸谱： 1、歌中都唱了哪些颜色的脸谱？（蓝色、红色、黄色、白色、黑色、紫色、绿色、金色、银色、灰色。） 2、不同颜色的脸谱都与哪些历史人物相对应的？（蓝色-窦儿敦、红色-关公、黄色-典韦、白色-曹操、黑色-张飞、紫色-天王、绿色-魔鬼、金色-猴王、银色-妖怪、灰色-精灵）京剧脸谱中的不同颜色，分别代表着不同性格的人物及其命运。（请同学们看课件：红脸---褒义，代表忠勇者；黑脸---中性，代表猛智者；蓝脸、绿脸 ---中性,代表草莽英雄；黄脸、白脸 --- 贬义，代表凶诈者；金脸、银脸 --- 神秘，代表神妖、精灵。）二、戏曲的概念： 1、说出你所知道的戏曲种类？答：京剧、粤剧、川剧等。 2、什么是戏曲呢？戏曲指的是中国传统的（戏剧）。戏曲的内涵包括( 唱念做打 )，综合了对白、音乐、歌唱、舞蹈、武术和杂技等多种表演方式 3、欣赏：《中国戏曲真神奇》这首歌高度概括了戏曲的特点，你最喜欢戏曲的什么特点？（服装、化装等） 4、课件出示：京剧四大行当的脸谱和服饰的图片，引发学生兴趣。生:男性人物,分老生、小生、武生、娃娃生和红生等。旦:女性人物，一般分为青衣、花旦、正旦、刀马旦、武旦、老旦和彩旦。净:威重、粗犷，俗称“花脸”。有文有武。丑:反派人物或诙谐、滑稽的人物，又称“小花脸”。可分文丑和舞丑。

戏曲表演的艺术特征(资料)

中国的传统戏剧有一个独特的称谓:“戏曲”。历史上首先使用戏曲这个名词的是元代的陶宗仪，他在《南村辍耕录?院本名目》中写道：“唐有传奇。宋有戏曲、唱诨、词说。金有院本、杂剧、诸宫调。”但这里所说的戏曲是专指元杂剧产生以前的宋杂剧。从近代王国维开始，才把“戏曲”用来作为包括宋元南戏、元明杂剧、明清传奇以至近代的京剧和所有地方戏在内的中国传统戏曲文化的通称。戏曲的艺术特征主要有： 1、综合性戏曲作为表演艺术,是时间艺术与空间艺术的综合。各种不同的艺术在戏曲中是与表演艺术紧密结合的。例如戏曲中的服装和化妆，除用以刻画人物外，还成了帮助和加强表演的有力手段。水袖、帽翅、翎子以及水发、髯口等，都不仅仅是人物的装饰，而且是戏曲演员美化动作、表现人物微妙心理活动、刻画人物性格的重要工具。戏曲的这种与表演艺术紧密结合的高度综合性的特点，是经过了漫长的历史发展过程逐渐形成的。中国戏曲是以唱、念、做、打的综合表演为中心的戏剧形式。它拥有丰富的艺术表现手段。从艺术因素的构成看，戏曲的发展来源主要有 3个：歌舞、滑稽戏和说唱。由于中国历史上从来就有把各种不同的表演艺术集中在一个场所进行演出的传统习惯，这就促进了各种艺术的交流和结合。它的与表演艺术紧密结合的综合性，使中国戏曲富有特殊的魅力。它把曲词、音乐、美术、表演的美熔铸为一，用节奏统驭在一个戏里，达到和谐的统一。这样，就充分调动了各种艺术手段的感染力，形成中国独有的节奏鲜明的表演艺术。唱：是戏曲演出中剧中人物进行内心情感抒发或叙事的主要方式，根据不同的剧种，采用不同的音乐形式。就唱词而言，一般可以分为两种类型，一为曲牌体，如昆曲、高腔等；一为板腔体，如京剧、评剧、各类梆子戏等。念：是戏曲演出中对人物间的对白或独白的总称，是一种诗歌化、音乐化的戏剧语言。一般的剧种所用念白与剧种所在省份的地方音大致相同。京剧念白有京白、韵白之分，前者用湖广音、中州韵，后者用北京方音稍加变化。昆曲则用韵白或苏白。做：是对戏曲演员的身段、表情、气派、风度等表演的总称。是戏曲表演的主要组成部分，也是舞台行动的主要组成部分。戏曲的做，多为程式性的动作，大都写意。打：指戏曲中对点头场面的表现手段，也叫“开打”，有时表现两人的对打，有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性，也多写意而非写实。打：指戏曲中对点头场面的表现手段，也叫“开打”，有时表现两人的对打，有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性，也多写意而非写实。2、写意性 “写意”这个词在绘画中是与“工笔”相对的，用于戏曲则应与“写实”相对。据此，可以说中国戏曲是一种写意的舞台艺术，它不是写实的。戏曲把无限丰富的生活内容凝炼成为极其有限的舞台形象，把实境升华为意境，让观众见一叶而知秋，这是中国戏曲的内在美学规律。许多生活内容，戏曲并不赋与舞台形象，却在观众的想象中展露。“目见”极少，“想见”极多，而“想见”却来自“目见”，戏曲就是在这种虚与实的统一中显现出一幅幅的生活图画。戏曲的音乐、表演、舞美，无不具有写意性。仅从面部化妆看，花脸中的“碎脸”，像个花鸡蛋；马武的胡子是红的；窦尔墩的脸是蓝的；青面虎的脸是绿的。在实际生活中谁也没见过那幅面容，但它却能显现性格特征，这就是戏曲造型的“意象”，而非“实象”。观众决不会说“他不像人” 因为“意象”是从“实象”来的，是“实象”的高度提炼与夸张。它比“实象”更为鲜

(完整版)中国戏曲基础知识

中国戏曲基础知识【戏曲虚拟】指用艺术的虚来表现生活的实的过程，是戏曲表现生活的基本手法。它利用舞台的假定性，灵活处理时间、空间。在艺术和生活的关系上，力求神似而不求形似。如以划桨虚拟行船，以摸索虚拟夜晚，以更声表示时间变化等。对自然环境、物体、人物、自然现象等，同样采取虚拟的手法，借助观众的联想来完成艺术创造。戏曲节奏戏曲术语。是使唱念打诸般艺术手段统一的共同要素。由戏曲形体动作节奏和音乐节奏两部分组成，二者相辅相成。戏曲的唱念、表演、舞蹈、武打等都有很强的节奏性。它能帮助表现人物情绪、点染戏剧色彩，烘托和渲染舞台气氛。【戏曲程式】戏曲表演中形成发展起来的艺术及技术上的格律和规范。它把生活中的语言和动作提炼加工，使唱、念、做、打和音乐伴奏、化妆、服装等都形成规范化的表演法式，使生活的形态音乐化、舞蹈化、规范化。如表演中的关门、行船、跑马等，都有基本固定的格式。它比生活中的自然形态更富有表现力，更具形式美，程式又须随着社会的发展不断有所丰富、变化和发展。【压轴】一台折子戏演出中倒数第二个剧目。因最后一个剧目称大轴得名。【串】演戏俗称“串戏”，因脚色须连贯成队故称串。一说串字来源于“爨”字，因旧时也以“爨”或“爨弄”泛称演剧。【反串】指艺人扮演原所属行当外的角色。如旦行演员演生行或武

生等。【客串】非职业演员参加戏班演出称客串。【票友】旧时对戏曲、曲艺的非职业演员、乐师的通称。相传清代八旗子弟凭清廷所发“龙票”，赴各地演唱子弟书，不取报酬，为清廷宣传，后就把非职业演员称为票友。【优伶】古代以歌唱、舞蹈、滑稽、杂技表演为业的艺人之统称。一般认为以表演戏谑为主的称“俳优”，以表演乐舞为主的称“倡优”。演奏音乐的艺人称“伶人”。宋元以来，常称戏曲演员作优伶。【行当】传统戏曲角色的类别。近代有生、旦、净、丑和生、旦、净、末、丑两种总分行方法。每个行当中各有若干分支，如生又分为老生、小生等。各剧种在分支的层次和名目上又有繁简之别。【生】戏曲表演主要行当之一，演男性人物。生行初见于宋元南戏，后除元杂剧外，历代都有，一般扮演青壮年男子，是剧中主要人物。随着艺术的发展，生行又据所扮人物的年龄、身份、性格划分为许多专行，如老生、小生、武生等。【旦】戏曲表演主要行当之一。扮演女性人物。旦的名目初见于宋代歌舞，宋杂剧已有装旦，后历代都有这行脚色，又大都按扮演人物的年龄、身份、性格及其表演特点划分为许多专行，如正旦、花旦、贴旦、闺旦、武旦、老旦、彩旦等。【净】俗称“花脸”、“花面”。戏曲表演主要行当之一。一般认为是杂剧和金院本的副净演变而来。面部化妆用脸谱、唱用宽音或假音，动作大开大阖，大都扮演性格刚烈或粗鲁*险的男性人物。按扮演人物性格、身份及其艺术特点，又划分为许多专行，如京剧的正净、副

戏剧常识

戏剧常识一、戏剧的含义和特点戏剧是一种运用文学、舞蹈、音乐、美术等艺术手段塑造任务形象，反应社会生活的综合性舞台艺术。戏剧的基本特征，是通过演员扮演人物故事，来表现一定弟弟呢主题。它不同于单纯的文学作品，通过文字唤起读者的经验和联想，使作品中的形象在读者的脑海中复活起来，达到感染教育读者的作用。戏剧却要把形象送到观众面前，让形象自己去行动，它给观众的感受是直接的。具体说来，戏剧的特征有以下几个方面： 1.综合性任何一种戏剧形式，都是一种以表演艺术为中心，吸收了多种艺术而形成的综合的艺术形式。例如话剧歌剧把台词、表演、音乐、美术综合在一起。中国戏剧，尤其是京剧，这种综合性的程度更高。戏剧作为综合艺术，主要包括四个门类：第一是文学。戏剧演出需要有剧本，剧本是演出的文学依据，它为舞台的艺术创造出思想、形象的初步设计，就像蓝图对于建筑工程一样。第二是表演。在戏剧形式中，表演艺术是中心，能够把剧本中所提供的形象、故事进行再创造，成为舞台艺术，主要靠演员的表演，如歌唱、念白、表情、身段等等。第三是音乐。这主要是指歌剧、戏曲中的唱腔设计、乐器伴奏等。音乐的设计要以剧本提供的思想、人物、情节为基础。它的作用主要是烘托人物的思想感情、心理活动，制造气氛、为开展情节塑造人物服务。第四是绘画。这主要是指化妆、服装、布景、道具等。美术设计有的是直接塑造人物形象，有的则为人物活动提供典型环境，为情节的开展创造气氛。把以上几个方面的艺术形式，高度严密地综合起来，根据剧情发展的需要，水乳交融地溶合在一起，构成有机的艺术整体，形成统一的艺术风格，是戏剧艺术最重要的特征。

2.舞台性戏剧要在舞台上表演，这使得它与小说、散文等文学样式和电影、电视等艺术品种相比，在时间和空间上有极严格的限制。在剧本创作中就必须特别考虑作品的容量，选材严格，材料组织要缜密。西方戏剧理论中的“三一律”就说明了这个特点。“三一律”亦称“三整一律”，先由文艺复兴时期意大利戏剧理论家提出，后由法国古典主义戏剧家确定和推行。三一律规定剧本创作必须遵守时间、地点和行动的一致，即一部剧本只允许写单一的故事情节，戏剧行动必须发生在一天之内和一个地点。法国古典主义戏剧理论家布瓦洛把它解释为“要用一地、一天内完成的一个故事从开头直到末尾维持着舞台充实。” 三一律作为古典主义戏剧的一条固定法则，对剧本创作是一种严重的束缚，它最终被打破是势在必然。不过，作为戏剧结构的一种形式，它可以使剧本结构更趋集中、严谨，一些剧作家运用它曾写出成功之作。由于舞台的限制，戏剧必须在以下几个方面进行高度集中：第一、人物集中。在戏剧创作中，人物多了，笔力分散，无法塑造鲜明丰满的形象，甚至会造成舞台拥挤。因此，一出戏，即使是一出大戏也总是集中力量写好几个人物。第二、矛盾集中。戏剧不能像小说那样从容不迫地多方面展现生活的矛盾斗争。戏剧必须抓住主要矛盾，置人物于矛盾斗争漩涡之中，通过尖锐、激烈的冲突来现实人物性格。戏剧不能完全按照生活中矛盾斗争的自然形态来表现，而应该使矛盾冲突的进程更加集中，提出矛盾、发展矛盾、激化矛盾、解决矛盾的进程必须在一小时或二、三小时之内完成。因此，戏剧必须在生活的长河中选择那些矛盾冲突最尖锐、人物思想感情最激荡的部分，构成合情合理、层次分明而又真实可信、引人入胜的情节。第三、情节集中。戏剧矛盾的集中，使故事情节不致头绪繁杂，在一出戏里，要把几个月、几年乃至几十年的事件，集中在几天、几小时之内，构成单纯的情节线索，贯穿始终，安排副线也力求明快，紧密配合主线，避免旁枝斜出，喧宾夺主。