8-大提琴教学琐谈之八——左手拇指把位训练

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２００９－０８

左手拇指把位训练

◎娜木拉

（承上期）

有相当一部分老师认为：拇指把位可以在一开始学琴就使用，因为在五把位和六把位以上的拇指把位和空弦开始的一把位的音名都是一样，只是高了一个八度。我个人认为：拇指把位是可以早开始学习的，但对于大多数学生来说，在一开始学习还是从一把位更容易掌握，对于学习进步较快的学生，进入拇指把位学习也可以在一年左右的时间。

拇指把位的学习还有它的特殊性，最主要的还是姿势，由于拇指要从指板的后面挪到指板上面，这样整个手掌的力度就都落在五个手指上了。手掌重心的感觉和演奏其他把位——大拇指在指板后面的感觉是很不一样的。拇指把位的大拇指姿势非常关键，大拇指的两个关节一定要保持弯曲的姿势，但不能太过分的弯曲。更不能凹陷下去，大拇指按弦时的姿势基本上是保持在一个水平线，而稍向关节外侧微微弯曲。１指和２指在拇指把位演奏时就要稍微将就委屈一些，因为为了确保３指和４指姿势的正确。整个手型和手掌的重心都要放在３、４指上，结合第七期教学中的双音问题，我认为拇指把位训练的真正目的是通过双音的三、六、八度中掌握左手把位框架感的固定感觉，从而达到简化手指按弦动作，树立良好的把位观念，更进一步提高左手技巧，使演奏更趋完美。所以双音拇指把位训练是有针对性的，双音三、六、八度的训练是保持住拇指把姿势正确的一个最基础又重要的必备训练，大多数学生掌握３指和４指的姿势都不太好，

当然也因为在拇指把把位３、４指确实有一

些难度，要想把３、４指的姿势做好，其重点还在于整个手掌的拱起姿势和每个关节及手指的支撑要训练好，手腕太高或太低都不能帮右手掌握拇指把位的姿势，在按弦时不仅仅是手指在用力，而是关节、手掌、手腕及手臂的一个整体动作，在三度双音的拇指把位，重心应该在双音的二个手指之间相互转移、互相帮忙。要找到一个平衡点很重要，演奏者应该很好的体会这种平衡。找到重心点和手掌的支撑点，

在训练六度双音演奏时，虽然大拇指不用发音，但大拇指应该放在固定的把位音上，而不是指板后面。这样才能确保拇指把位手型的正确。训练八度双音，是拇指和３指最困难的技巧。尤其在半把位或一把位演奏八度双音，手掌要撑开很宽很

大，大拇指和３指非常容易掌握不好姿势而使手指变形。演奏者对于拇指和３指的重视更应该仔细体会、平衡。还是感觉和注意其他手指的状态。如果其他手指不配合或者因为很紧张出现了怪样子。那么即使拇指和３指做好了，其他手指也会受影响错误的拇指把位姿势（错误的拇指把位姿势）。如４指翘起来或一指翘起来、中指挤３指等等，都会影响八度手型姿势，八度做好了，十度双音才有可能做好。

拇指把位的单音练习在六把位以上有专门训练的练习曲，在宋涛教授编写的大提琴练习曲教程当中从第二册开始就有许多，这样的练习在横向练习时（Ａ、Ｄ、Ｇ、Ｃ四条弦）同把位换弦，手型一定要保持不变，当左手从Ａ、Ｄ弦转至Ｇ、Ｃ弦演奏时，左手臂要有明显的重心转移，手掌应该在所演奏的琴弦上方。这样做的好处是每一条弦都可以完全被左手掌握，比较难的要数大拇指按在不是泛音的音上，把位较高的练习曲，把位越高，弦就越硬，左手手

指不容易完全按到底，演奏这种有相当难度的练习曲，最关键还要掌握大拇指要保持好的手型，而触弦点的拇指部位是可以有微调的。有的地方磨得比较疼时就稍微避开一点。最后，要达到整个拇指按弦的部位是一大部分都好用的，所以学生在练习一段时间后，拇指按弦点会磨出一个或二个部位的茧子，这个时候再按弦拇指就不会疼了。拇指把位的固定把位概念非常重要，由于手指之间的大、小二度距离在演奏当中是不停变化的，如果手指不遵循把位框架的概念，那么手指就只好一个音一个音去找，既不能有效练习，还失去了练习拇指把位、建立框架把位概念的目的。

拇指把的训练非常关键。它也是大提琴演奏当中左手的一个最主要的技巧。拇指把位的训练是一个长期练习的过程，需要老师对学生经常检查，学生的练习要有耐心和持之以恒，学习拇指把位也标志着左手的技术训练达到了一个相当的高度。也是专业大提琴学习者必修的课程，在我们的大部分经典乐曲文献中，几乎没有不用拇指把的作品。建议在练习拇指把位时可以把几个有拇指把位手指之间的关系框架列一个公式，如：大拇指与１指之间的大、小二度关系，１指与中指之间的关系已及３、４指之间的关系等等。根据练习的乐曲不同，找出不同的规律，以便更好更快的掌握拇指把位。

（未完待续）

作者 中央音乐学院

大提琴副教授、研究生导师

大提琴教学琐谈之八—

正确的拇指把位八度姿势错误的拇指把位八度姿势

正确的大指姿势正确的拇指

把位姿势

错误的拇指把位姿势１

错误的拇指把位姿势２

ＺｈｏｕＷａｎｇ

Ｎａ　Ｍｕｌａ

大提琴_教案

湘教版八年级美术下册教案 第五课大提琴 曲堤中学李冬梅 教学目标： 1、认知目标：能够把握乐器造型的特点，领悟造型的独特魅力。通过乐器造型的分割重组学习，让学生了解绘画从具象到抽象的变化思路。 2、技能目标：能够运用一定的造型表现方法绘制新奇的视觉形象，对抽象绘画技巧产生初步的认识，培养其发散思维能力和个性表现能力。 3、情感目标：通过学习培养学生细心观察的习惯，充分认识“生活中处处存在美、关键要靠我们的眼睛去发现”。体会音乐与绘画的艺术共性与联系，体验求新求变的创作乐趣，形成抽象绘画的审美心理结构。 教学重点： 学生通过欣赏乐器的美，从乐器的形状中找到美感，再用分解构成的手法创作出新的美术作品来，尝试用视觉形象的符号语言表达对音乐的理解。 教学难点： 点线面创作要素的构成，抽象绘画的思维方式的培养，如何从乐器造型中发现美、概括取舍，以线为骨、以色为魂的方式组织表现抽象新奇的视觉形象。教学准备 教具：多媒体课件、各色卡纸、水性笔、乐器 学具：卡纸、剪刀、彩笔、胶水 教学过程： 一、创设情景，导入课题（倾听大提琴旋律之美）

播放且欣赏作品《天鹅》 师：同学们知道这是什么乐器演奏的吗？ 生：…… 师总结：“大提琴”，引出课题并且展示在大屏幕上。 二、制作抽象拼贴画 （一）讲述大提琴的结构特点： （展示欣赏大提琴和局部图片） 师：同学们，图片上是意大利著名的制琴师安东.史特拉底瓦里图在1737年制作的大提琴，几百年来，大提琴的造型未做任何修改，这足以证明大提琴的造型之美，接下来我们就一起看看它有一些什么特征？它的造型美在哪里？ 生：小组讨论，然后回答问题. 师出示大屏幕： 1.整体感受：外形：对称如葫芦，器乐中的“美男子”。 音色：浑厚丰满，演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的情感。 2.造型元素：直线与曲线结合，顶部是点线面的结合。 3.色彩：赭红色——沉着、古朴、怀旧 黑色——稳重、深沉 师总结：点线面色的组合。 （二）活动一：“分割组合” 1.欣赏毕加索作品《吉他》 师：演奏家用琴弹奏出动人的旋律，而有些绘画大师也借用乐器的造型以独特的形式语言表达自己的感受。下面我们一起欣赏毕加索的作品《吉他》。

5-大提琴教学琐谈之五——练习大提琴换把的几个建议

41 ２００９－０５ 讲堂◎ ＺｈｏｕＷａｎｇ Ｎａ　Ｍｕｌａ练习大提琴换把 ◎娜木拉 （承上期） 大提琴换把的特点 换把位是弦乐乐器学习中一个重要的技术手段，大提琴的换把比起小提琴来讲就要难把握一些，因为大提琴的指板较长，把位较大，所以说如果同样在小提琴上，一个把位可以演奏五个音，到了大提琴上，如果想在一个把位上演奏五个音，就要换一个大把位。 减轻换把的思想负担 学生在初学换把时，会有一些不同的反应，一是兴奋，高兴自己要学习换把了；二是紧张，担心换不到位，手臂和肩膀发硬；三是将换把想得太难了，担心自己做不好，对于初次学习换把的学生，最好是先要想到减轻学生的心理负担，我通常会对他们讲：“你就要学习换把了，太棒了。这就是一个大的进步啊！”让学生感觉到一种要学习到新知识的喜悦心情，而不要在一开始就对学生讲太多换把有多么难和多么不容易这样的话，否则会给学生带来很大的心理负担和压力。我往往会告诉学生：“其实换把没有你们想象那么难，应该把换把理解为从一个位置移动到另一个位置。好像走路时轻松的向前迈一步似的。”学生在心情放松的状态下熟悉了换把。就会很容易掌握要领。换把的动作是要在一个身体松弛的前提下才能完成得好。 大提琴教学琐谈之五— 手臂的重要作用 大部分学生会认为换把就是用左手去找到要换把的位置，这样的理解是比较片面的。换把的主要动作并不在左手上，而是在于肩的动作，更确切地说是肩的先行动作，换把的整个过程是由身体的背部带动、肩的先行、手臂的放松以及左手和手指的准确到位这一套整体动作来完成的，如果左肩不主动换的话，只靠手去找是不能够很好地完成换把动作的。肩的动作非常主要，手臂的放松也很关键。左手换把时提前想到有肩的先行动作和没有想到这个动作，效果是完全不同的。 强化把位概念 换把的好坏最后直接体现在音准上，换把大致分为大幅度换把和小距离换把两种类型，大幅度换把是指从１把换到４把以上，动作幅度较大，这时手指应有一个过渡，左手要先进入把位后１指确定准确的位置再按其他音，把握性就会好很多，手腕一定要保持与手的平衡，而千万不要凹陷下去，否则会影响整个手臂的整体动作。进入把位后（尤其是左手拇指），整个左手的状态应该在把位上。不能手指已经进入把位，整个手型却还没有进入把位。这样是不准确的，练得再多也不会有很好的效果。小距离的换把是指半把位换到１把位 或是１把位换到２把位这种类型等，这种小距离换把也要有换把位的概念。有些学生认为这么短的距离没有必要体现换把动作，用手指一抻就行了，手大的学生很轻松就可以做到这一点，所以也就不想换把这一概念，然而学习换把一定要养成一个好的习惯和对换把概念的理解，老师也应该要求学生：哪怕是半个把位的换把，也要清楚地将换把意识体现出来。如果发现学生概念不清楚，就一定要告诉学生养成一个良好的把位概念习惯，避免学生用手指一个个去找音这样的技术性错误。 目前国内外广泛使用的大提琴教材是人民音乐出版社出版的、由中央音乐学院大提琴教授宋涛老师主编的《大提琴教程七册》。这套大提琴教程中系统的阐述了学生从初级、中级、高级所需要训练和练习的所有大提琴演奏技巧，其中换把是从第一册练习曲分集中的第８８条开始，先学习从１把位换至４把位。掌握了这个相对于第２、３把位的大距离换把后，其它换把动作就容易多了。训练换弦是从第一册的练习曲分集中第５０条苏格兰舞曲开始的。 （未完待续） 作者 中央音乐学院 大提琴副教授、研究生导师 的几个建议

浅析大提琴演奏中的揉弦和换把技巧

浅析大提琴演奏中的揉弦和换把技巧 在大提琴演奏中，要求相应的演奏者在具备专业知识的基础上，能够具备良好的体力、灵活的头脑以及较高的心理素质，进而才能够在实际演奏的过程中，充分的将演奏技巧进行运用，确保相应演奏效果能够促使听众完全沉浸在大提琴乐曲之中，并以丰满的情感来感染听众，进而彰显出大提琴演奏的魅力。在此过程中，很多时候大提琴学习者在进行技巧练习的过程中，对于如何换把与揉弦都掌握的不到位，进而导致左右手难以实现协调，相应左手在演奏中难以充分发挥出作用，进而导致演奏的效果不佳。 一、在大提琴演奏中揉弦技巧分析 （一）掌握揉弦技巧的必要性 在进行大提琴演奏的过程中，揉弦是最为常用的一种演奏技巧之一，通过这一技巧的充分应用，则能够实现对大提琴乐曲的有效装饰，进而促使相应乐曲更具感染力。揉弦技巧的应用促使大提琴演奏者将自身的情感与技巧充分进行展现，此时演奏出的乐曲则就被演奏者赋予了生命力，同时也具备了个人的情感特征，进而在激发听众内心情感因素的过程中，促使听众产生情感的共鸣。 （二）揉弦技巧训练的关键点 在实际学习与应用这一演奏技巧的过程中，其难度相对较大，对于学习者而言，则需要放平心态，在反复练习的过程中循序渐进的掌握这一技巧，确保在揉弦的过程中，能够保证手指、手腕以及手臂这三个部分实现协调性，进而才能够发挥出揉弦在演奏中的作用。首先，要明确手指在揉弦过程中所承担的重要作用，准确拿捏好相应的力度，并明确相应的位置，放松心态以确保实现最佳演奏效果。其次，在手腕的运用上，主要是要掌握好手腕颤动的技巧，并保证其与手腕间的和谐性；最后强调的是手臂的颤抖同样要与前两者进行协调，以真正的展现出揉弦在大提琴演奏中的作用。

关于二胡左手持琴的方法

关于二胡左手持琴的方法 左手持琴是拉二胡的基本功。下面是小编整理的关于二胡左手持琴的方法，欢迎 大家阅读。 二胡左手持琴教学 持琴 1、琴筒错误地放于左腿中间，而不是放在左腿根部靠紧小腹的位置上。 2、琴杆过于左斜或右斜;过于前倾或内收。 3、第一把位时左手虎口离千斤过远。 4、左臂缺乏应有的支撑力，靠虎口夹紧而吊挂于琴杆之上。 5、拇指下弯勾住琴杆。 6、持琴时左手掌心贴近琴杆，手指“躺”倒按弦。 7、手指关节过分弯曲，以手指的尖端(甚至用指甲)触弦。 8、手指关节反弯，尤其是中指、无名指和小指的第一关节。 9、手指(尤其是无名指和小指)不是从弦的正面(从弦向琴杆方向)按弦，而是从弦 的外侧(从弦向身体方向)按弦，以致只按实了外弦，内弦却处于虚按状态，常常因此 而出现狼音。 10、演奏时始终让手指“悬”在音位的上方，不能放松。 11、当一个手指按在弦上时，其下面的手指蜷曲在掌心中。 12、持琴时大臂过分抬高，使左臂处于紧张而不自然的状态。 二胡弓法技巧 第一，十六分音符的时值非常准确、均匀; 第二，每个音的音头要清晰、果断; 第三.强弱变化或快速换弦等都不能影响速度的稳定。 在快弓演奏过程中，左手是处于被动因素的，对它的要求就是要使按指的“点”准 确地和右手每个音的音头对在一起，不论音符多么复杂，或是换把、跳把多么困难， 都不允许使动作滞后，而与弓子的音头错开。但实际上，快弓的“难”主要就难在左手上，因为两只手相比，左手的动作要复杂的多，按指、换把、跳把等动作，都是由左 手来完成的，而且都必须在音与音之间极为微小的间隙中完成，同时还要保证其音准，

这确实是具有相当大的难度，需要演奏者通过大量严格的训练才能达到运用自如的程度。 因此，练习快弓需要循序渐进，不要急于求成，可以先从慢拉开始，达到一定的 熟练程度以后，再按照乐曲中所规定的演奏速度来演奏快弓。 二胡运弓时弓杆贴琴筒需要注意什么 弓杆与琴筒间向下力量的贴合程度最终影响的是弓毛擦弦的角度。也就是说，弓 杆贴着琴筒，向下沉的力量多了，自然弓毛贴琴筒会多一些。弓杆贴着琴筒，向下沉 的力量收着，力量方向接近水平线，自然弓毛会贴着琴弦多一点。 这样就由弓杆贴琴筒引出了根本的发音源——擦弦点。弓毛与琴弦接触的角度问题。因为作用在弓杆上任何力量最后都是通过弓毛传道出来的声音，所以弓毛是关键。 有人说弓毛给琴弦压力多点好，有人说弓毛贴着琴筒走好。个人认为：贴弦贴筒 造成的结果只是音色亮与厚的改变。 贴筒子多，弓毛成柱型，力量是向琴弦与琴筒的夹角里去的。就是说静态力量方 向是向正下方的，即垂直于地面。这样出来的声音厚实，浑厚，类似美声唱法。音色 厚重，可多用于北方的乐曲。比如一枝花，秦腔一类的。 贴琴弦多，弓毛成片状，力量方向是水平的的，平行于水平面，完全水平弓杆自 然会离开琴筒。这样出来的声音清新明亮。类似民族唱法。音色以亮为主。 在这两个极端之间分配弓毛贴弦与贴筒之间的比例就可以做到音色厚与亮的调整了。

《大提琴》教案

《大提琴》教案 教材：义务教育课程标准实验教科书《美术》(湘版)教材八年级下册第5课 一、导入 播放大提琴独奏曲《海顿主题变奏曲》，使学生进入一个提琴音乐的氛围，欣赏两分钟。 提问：同学们听完这段大提琴演奏曲后，有什么感受?大提琴的音色特点有哪些? 同学们回答后实行总结：大提琴的音色悠扬，琴弦的音色含情，旋律动人。特别人性和自然，能较好地反映人的情感。 大提琴的四根琴弦，具有四种特点。第一根琴弦a弦，发音华丽，富于歌唱性；第二根弦d 弦，音色朦胧；第三、第四根弦，G弦C音色低沉响亮。所以，大提琴是近代管弦乐队不可少的次中音和低音乐器。 二、欣赏分析大提琴的构造和造型 利用电脑和大屏幕，欣赏大提琴的造型。让学生自由讨论后回答大提琴的特点有哪些?学生回答后总结： (1)造型华丽高贵，大方适度，色彩漂亮雅致。 (2)具有优美的曲线和弧面，造型显得柔美。 (3)有粗细的直线，直线的琴杆和琴弦，使提琴的造型柔中有刚。 (4)大提琴的比例感很适当，点、线、面均衡，显得造型完美，素有乐器中的美男子之称。 三、解构艺术造型的特点 所谓的解构艺术造型，就是打破原有的形状和形体，然后重新组合，构成新的形状和形体。例如：1994年中国北京举行一个盛大的文艺晚会，中央电视台实况转播，其中一个国外的美术大师现场表演艺术创作Ｒ帐跫野鸦计淘诘厣希髦盅丈愕乖诨忌希缓竽闷鹨话哑恋拇筇崆伲吒呔俟范ィ芰ο虻孤筒实幕荚蚁氯ァＧ儆ι椋筒史山Γ疑约诱恚桓毕执囊帐踝髌范偈辈恕Ｌㄏ乱黄净逗簦饩褪抢梅纸夤钩傻囊帐踉煨驮斫写醋鞯摹?BR>解构艺术造型，其特点就是打破陈规，不受原有形象

的束缚，重新组合形成新的形象。这种造型手法，具有很大的不可预测性，能够产生偶然性和新奇感。 实行解构艺术造型训练，能够启发智慧，激发人的潜能，使艺术的思维更加活跃，使受训练的学生思想解放和更加敏捷，会对日常生活中的艺术形式有更多的发现和创意。 四、利用电脑展示解构艺术造型的作品 1．利用大提琴的造型，实行分解构成。 图：《提琴时代》《花的旋律》 2．利用圆号的造型，实行分解构成。 图《圆号新形象》《提琴与圆号》 3．利用蝴蝶的造型，实行分解构成。 图：《蝴蝶新组合造型》 4．利用鱼的造型，实行分解构成。 图：《多条鱼组合构成》 5．利用大提琴、圆号、蝴蝶、鱼的造型实行综合分解构成。 图：《自然交响乐》《圆号梦想曲》《一起为鱼儿伴奏》《大提琴时代的士高》 课堂练习 利用大提琴、圆号、鱼、蝴蝶的图案，实行分解构成练习。 (每位学生发一份图案资料，学生利用资料剪贴、拼接实行造型练习) 要求 一、分割的形状不能太碎，要尽可能保持大提琴、圆号、鱼、蝴蝶造型的特点。 二、重新组合构成画面时，注意构图的均衡、大小、轻重感，点线面有机的结合。

大提琴与交响乐关系

浅谈大提琴与交响乐的关系 摘要：本文探讨了大提琴演奏者的情感与交响乐演奏的关系，并指出了情感运用对于交响乐演奏技巧的作用以及如何在交响乐 演奏中正确运用情感。 关键词：大提琴交响乐；演奏技巧；作用 abstract: this paper discusses the relationship of the cellist emotion and the symphony orchestra, and points out the role of symphony playing skills that and how to the correct use of emotion in the symphony orchestra. key words: cello symphony; playing skills; role; 中图分类号：j622.3前言交响乐作为一种表现力丰富、对人的精神有极大影响的丰富多样的音乐体裁形式，在音乐艺术形式中它是具有较高品位的高雅的音乐种类。交响乐的演奏需要用到多种乐器，而每种乐器的使用又都需要一定的演奏技巧，用来表现交响乐作品主题、风格及内涵。本文主要介绍了大提琴演奏技巧进行交响乐的演奏，需要演奏者融入自身的情感，发挥情感在交响乐演奏中的作用。1、大提琴与交响乐演奏的关系音乐是情感的产物，是人类特有的一种情感表达方式。音乐通过乐音的组织来表达人类的思想感情，反映现实生活。如同其它音乐艺术一样，交响乐也是情感的产物，没有情感的交响乐是枯燥、空洞和乏味的音乐。对于演奏者来说，演奏者只有充分的把自身的情感融入交响乐作品之中，才能准确的把握好作品的演奏，而交响乐作品的演奏又可以使演奏者

大提琴持琴和左手技巧

如何持琴这个问题看起来虽然浅易,但是要学好大提琴演奏,这却是不可忽视的最基本、最重要的问题。 有些持琴者和琴的角度比例太歪斜,整个人的舞台形象是歪扭着的,也有的人持琴过高,以致演奏时两臂也高高地耸起,特别在演奏到高把位时,看上去好像整个人(上半身)都趴在琴上。 还有的人持琴则太低、太躺,整个琴几乎横卧着。以上这些持琴姿势不但不好看,而且直接影响到演奏技巧的发挥,这些问题不及时解决,势必会妨碍其演奏和进度,甚至越刻苦越勤奋还更使演奏者产生不适感,严重的则会出现手酸、肩痛等不同程度的职业病。 正确的持琴方法总结起来有以下几个方面：首先,人在靠椅子的前沿正中、含胸自然放松地坐好,然后将琴撑脚以自己身体中间为准在右前方着地。撑脚一定要放正确,若太偏右,琴颈离人颈太远,左手按弦就会困难,演奏到高把拉就更成问题:撑脚太往左,琴颈就会贴靠在人颈上,这样几乎无法演奏。 将撑脚正确地放好后,两脚自然放开比肩略宽,然后轻轻将琴靠向自己,使琴肩轻贴“心窝”(即左右两排肋骨中间的会合处),这时琴的C弦轴应该与人的耳垂持平,琴的这种高度演奏起来就比较合适。 琴肩位置是持琴的一个重要环节。若琴肩靠在胸口,那琴身就过高了;琴肩位子太低,琴肩则顶在了演奏者的肚皮

上。这两种都是不正确的持琴姿势,它们都妨碍了演奏,若这两种不正确的持琴姿势持续时间过久,容易造成演奏紧张、两臂不适 准确地放好琴肩点后,再将琴面略为向右偏斜,约向人体偏斜15度左右。最后再用两膝自然靠在琴的下摆两侧,应注意的问题是不要将琴夹得太紧,轻轻碰着琴,让琴稳固就行了。琴撑脚、琴肩、琴下摆两侧三点位置的正确与否是持琴好坏的关键,若能正确地按这三点位置自然放松地持琴,就能获得好的持琴姿势,从而为下一步演奏打下良好的基础。 演奏大提琴作品,要求用准确的把位和灵活的指法,把乐谱中的音符、节奏等再现出来。这方面的任务主要是由左手完成的,从形式上看,左手的技巧比较复杂多样,难度也较高。左手在大提琴演奏中具有首要的、主动的地位,起着带动右手准确表达作品原意的作用。 1、手型。左手在演奏时采取什么样的手型,往往因演奏者习惯和手的条件不同而具有微小的差异。我的体会是基本的手型是松弛地拿口杯状,拇指自然弯曲,处在琴颈左后侧与一指和二指间相对(稍往二指靠一点)的位置;在用大把位时,拇指可向相对三指的位置靠近。这种手型松弛自如,进退自如,便于在一般情况下触弦的四个手指摆准位置,也便于把位的上下转换,与此相联系,左臂应自然放松,与琴颈形成约60度的夹角,并随把位的高低适时调整。

教学理念陈述

教学理念陈述 摘要：教学的本质始终是教学问题研究下最为关系的问题。关于教学的本质学界也是众说纷纭，主要有以下四种：（1）指导学习说（2）实践认识说（3）师生关系说（4）教学生活说。教学目的的达成需要老师和学生的共同努力和配合，就像一个团队，为了共同的目标一起奋斗。在每一个教学过程中，我都期待与学生建立起良好的平等互信的关系。不论是教学还是学习，学的主体都是学习者。对学习者的认知及分析就显得非常重要，这直接关系到教学目的达成的好坏。持琴姿势对演奏者来说是一个首要环节，如果持琴姿势不正确，整个身体在演奏过程中就失去了平衡。大提琴持琴有三个要点 关键字：教学学习师生关系大提琴教学 本人从事大提琴教育多年，与各条教育战线上的同仁一样，内心里都在领悟教学和学习的本质及它们外延出来的概念和如何在日常的教育工作中展现自己对教学的理解。 教学的本质始终是教学问题研究下最为关系的问题。关于教学的本质学界也是众说纷纭，主要有以下四种：（1）指导学习说（2）实践认识说（3）师生关系说（4）教学生活说。［1］这里不详述各种学说的基本内涵。这些学说通过关注不同的侧面来阐释了教学的本质，结合本人多年的教学实践，本人理解中的教学与学习的内涵如下：

教学：包括教和学两个方面：老师教，学生学。教与学的目的很明确，就是通过老师的教与学生的学，达到学生获取知识、技能或修养提高的目的。随着现代教育的不断发展和信息获取的途径增加，教学中师生关系也不断发生着变化，在当今的教学过程中，教学目的的达成需要老师和学生的共同努力和配合，就像一个团队，为了共同的目标一起奋斗，各自扮演的角色和职责不同，老师负责引导学生，由浅入深的教授知识和技能，并且把关整个教学过程中目的达成的可能性，学生则认真领悟吸收老师所传授的知识并掌握技能。在达成目标的过程中，还需要老师与学生互相信任和配合，通过不同的教学方式激发和提高学生的学习效率，以达到教学的目的。这一达到目标的动态的过程就是教学。 学习：学习的主体是学生，其通过不同的方式获得知识和技能，这个获得的过程就是学习。学生自主能动性和悟性的高低决定了学习质量。 学习者在学习过程中，会请教他人。如果二者制定了学习者的学习目标，那么学习活动就变成了教学。 不论是教学还是学习，学的主体都是学习者。对学习者的认知及分析就显得非常重要，这直接关系到教学目的达成的好坏。在教学开始前需要对学习者进行评估分析包含<1>学习的准备，包括其一般特征和初始起点能力。其中初始起点能力涵括学习者的学习态度和预备技能及目标技能；<2>学习风格。初始能力直接影响学习目标的确定和教学起点的确立，一般特征和学习风格直接影响教学策略的制定。

(完整版)音乐课欣赏大提琴《天鹅》教案

卡米尔·圣-桑是十九世纪法国著名音乐家和民族乐派杰出的代表人物。 这首我们熟悉并为之感动的优雅、温柔的大提琴曲，它出自圣桑的管弦乐《动物狂欢节》第十三首。 圣桑采用了以两架钢琴为大提琴伴奏的演奏形式，这首乐曲是G大调，全曲分三部分。这是整个组曲中唯一的一首抒情乐曲，后来成为大提琴独奏名曲。钢琴表示清澈的湖水，大提琴优美迷人的旋律，描写天鹅高贵优雅的神情。 它不仅是一首大家所熟悉的脍灸入口的名曲，也是作者在这部作品中唯一允许在他生前叫人演出的乐曲，被视作圣桑的代表作品，这首大提琴曲被改编成各种乐器的独奏曲，甚至被改编为芭蕾舞《天鹅之死》。 该曲是由G大调、6/4拍子、由单主题发展而成的三部曲式。 乐曲一开始，钢琴以清澈的和弦、清晰而简洁地奏出犹如水波荡漾的引子，在此背景上，大提琴奏出旋律优美的主题，描绘了天鹅以高贵优雅的神情，安详浮游的情景。 中间部分由第一部分主题固定发展而成，犹如对天鹅优雅而端庄型象的歌颂，把人带入一种纯洁崇高的境界。 第三部分，钢琴以优美的琴音表现出天鹅游荡于水面时，水面波动、天鹅高雅悠闲。全曲在最弱奏中逐渐消失。 在这乐曲里，如果大提琴代表了天鹅，钢琴就是那波光粼粼的湖水，美丽的天鹅公主在湖水里载沉载浮，期待着王子的到来。 在西方，有一种传说，天鹅临死之前，必唱一首动人的歌，这首曲子也有这种意境。它让我常常想起英国诗人、著名的意象派大师弗林特的名作《天鹅》，其中的两句——“天鹅游入我忧伤的漆黑深处，衔着一朵白玫瑰般的火焰。”这是一种印象深刻的、难忘的忧伤。弗林特《天鹅》在百合花的荫影下，在金雀花和紫丁香倾泻在水面的金色、蓝色和紫色下，鱼影颤动。在又绿又冷的草叶上，天鹅的脖子彷佛显出涟漪荡漾似的银色，天鹅嘴里彷佛是暗淡的铜色，朝着黝黑的水深处，在那一座座拱门下，天鹅缓慢地游动。天鹅游入那座黑色的拱廊，天鹅游入我忧伤的漆黑深处，衔着一朵白玫瑰般的火焰。 领悟教材把握重点 1、教学内容及教材分析：本课共三首描写天鹅的乐曲。第一首：选自人教版教材第七册第三课，由法国作曲家圣—桑作曲的大提琴独奏《天鹅》；第二首是大家都很熟悉的《四小天鹅舞曲》；第三首是芭蕾舞剧《天鹅湖》的场景音乐《天鹅》。重点欣赏第一首。这是管弦乐组曲《动物狂欢节》中流传最广的一首乐曲，描绘了洁白高雅的天鹅在碧波涟涟的湖面上悠然漫游的优美形象。用两架钢琴伴奏表现清澈明丽、波光粼粼的湖面。 2、教学目标：通过三首“天鹅”音乐的欣赏，启发学生联系自己的生活经验和已有的音乐知识来感受同一主题却不同性格、形象、意境的三首乐曲，提升音乐审美情趣，让学生在感受美的基础上创造美，从而获得感受与鉴赏、表演、创造及交流合作的能力。 3、教学重点：调动多种感官感受、理解大提琴独奏曲《天鹅》的情绪和意境。 4、教学难点：用各种艺术表现形式表达自己对《天鹅》音乐的独特感受与见解。 5、教学准备：多媒体课件、大提琴、天鹅头饰若干、水彩笔、画画纸、检测表格四张。 二、精选教法让学生想学 高尔基说过：“在听赏音乐时得用自己的经验、印象和知识去补充……”“兴趣是最好的老师。”教育心理学认为：学习者能同时开放多个感知通道，比只开放一个感知通道（如听）能更准确有效地掌握学习对象。为了实现本堂课的教学目标，我采用了“借助动觉，展示听觉体验”的方法。动包含了：动口回答问题、动脑想像意境形象、动体态模仿天鹅舞、动手描出天鹅画，最终使学生动情（表现在上课的兴趣及对天鹅乐曲的喜爱），这是使学生从感知音乐到理解音乐、创造音乐的手段。因此，本堂课我精选了以下教学方法： 1、把生活融入课堂，激发感受与鉴赏的兴趣。 2、多渠道调动学生的多个感知通道参与运用于整个教学过程，使学生主动参与音乐教学，并获得独特感受与见解。 具体教法有：演示法、谈话法、讲授法、讨论法、律动法、描述法、绘画法共七种。 三、暗授学法让学生会学 根据小学生年龄小、注意力集中时间短、好动、愿意表现自我的心理特征，我设计了以下学法： 1、用听、想、看、说、动等多种形式体验音乐，交流互动，升华情感。 2、用画、舞、颂等艺术表现形式表达各自对《天鹅》的独特感受与见解。 这些方法能使学生的心理得到满足，同时各显其能：能画的画一幅《天鹅》画，能舞的跳一段《天鹅》舞，能写的写一首《天鹅》颂，并能使学生扬长避短，充分表达自己对音乐的感受。

大提琴

大提琴 大提琴是近代管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句，也与低音提琴共同担负和声的低音声部。它是甚为人们喜爱的独奏乐器。作为独奏乐器来说，它的地位仅次于钢琴与小提琴。 大提琴是由古代的膝琴演变而来的，自16世纪以来即流行于世，但在很长一段时间内乐器的大小一直未能固定下来。经过许多年的实践与改革才算告一段落。现代大提琴高约48英寸，具有深厚动人的音色。 大提琴四根弦的音高比中提琴低八度（C—G—d—a），乐谱通常用低音谱表，在较高音区有时用中音谱表。它的奏法与中、小提琴不同，是夹在两腿之间演奏。大提琴的第一根a 弦发音华丽有力，富于歌唱性，第二根d弦，音色较朦胧，第三、四弦（G、C）低沉响亮，能够承受乐队的非常沉重的音响。它的发音原理虽然与中、小提琴相同，但其手指的把位在低音区与小提琴迥然不同，在高音区时能用姆指把位演奏。至于演奏技巧，由于它在琴身大小、琴弦排列与琴弦长短等方面与小提琴均不相同，因而各有难易。 自17世纪大提琴家多曼尼科?加布里埃利写了第一首大提琴独奏曲以来，陆续有人为大提琴创作乐曲。18世纪时，维瓦尔第、塔尔蒂尼和莱奥等作曲家模仿小提琴协奏曲为大提琴写了不少协奏曲，后在英国、奥地利与法国等地相继出现意大利风格的大提琴协奏曲及其他乐曲。 至于18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们，如海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、舒曼、德沃夏克及柴科夫斯基等写了大量大提琴独奏曲、协奏曲与有大提琴声部的室内乐，使这一乐器的性能与技巧得到充分的发展与发挥。其中最常演奏的有巴赫的六首大提琴组曲、博克尼尼协奏曲、海顿的D大调与C大调协奏曲、勃拉姆斯为小提琴与大提琴谱写的a小调协奏曲、舒曼的协奏曲、德沃夏克的协奏曲、柴可夫斯基的《罗可可主题变奏曲》、圣桑的协奏曲等。 其他如拉洛、埃尔加、柯达伊、兴德米特等近、现代作曲家亦写了许多优秀的大提琴乐曲，深受人们的喜爱。

7-大提琴教学琐谈之七——关于双音的左手技巧

◎讲 堂 38 ２００９－０７ 关于双音的左手技巧 ◎娜木拉 （承上期） 大提琴教学琐谈之七— 双音是左手技巧中非常重要的一个部分，双音的训练应该尽早开始，这对提高学生左手的技能有很大的帮助。能力强的学生，在初学一年左右就可以开始接触双音练习了。 然而真正的双音练习是指我们应用在音阶中的三度、六度、八度音阶双音，在宋涛教授编写的《大提琴音阶练习分集》中，第二章中就有此练习，这是从Ｃ大调开始的三个八度音阶。在练习这条音阶之前，前面的两个八度音阶的各个大、小调应该已经被学生掌握。双音音阶最好先从三度双音学起，三度双音有一定的难度，从一把位开始主要体现在每一组三度都有一次换把，每一个换把的三度双音把位大小的概念又不同，在练习时应该让学生明确的知道每一次换把的位置及把位大小概念。当进行至拇指把位指法时（第四把位Ｃ和Ｅ音，双音三度时），就是一个新的起点，学生必须了解每一个手指之间的准确距离，也就是音程距离。如果只凭左手手指一个音一个音去找，那就很浪费时间，更没有起到练习双音的真正目的。进行至第四把位开始就到拇指把位了，从这里开始共换三次把位就完成了三度Ｃ大调双音音阶。 而这最后三次换把位对学生来讲是一段比较艰难的过程。 三度双音的指法有几种，最有练习价值的要数大拇指和３指换１指和４指这种。因为从这种指法的形成来看，它在演奏进行当中对每一个手指都是有要求的。在训 练的过程中，手指依照有规律的次序进行，并且对每一个手指的独立性要求较高，通常３指、４指比较弱的学生，正好通过双音三度的练习来提高左手的能力，另一种指法是只用大拇指和２指、或只用１指和４指，不进行换指。这种指法相对音准更容易把握一些，学生会感觉手指用起来比较轻松，双音练起来也不那么难，但它的缺点是没有真正达到练习左手手指的独立性和把位概念的训练，比较可惜，我认为，学生在年龄较小的时候就开始训练双音，这是一件意义重大的事情，趁着学生年龄小，手指的训练和把位的概念正是形成一个良好习惯的时候，如果单纯从音准方面和手指舒服的感觉去练习双音，实际上是背离了我们真正练习双音音阶的目的。在许多大提琴名曲当中，有许多双音指法就是用手指交替的方法进行的，第二种用得比较少，碰到这种较难的乐曲片段，如果没有训练和练习过第一种指法的学生就很难掌握和驾驭这些在乐曲中需要解决的困难。 六度双音练习比三度双音练习要容易一些，三个八度的六度双音音阶到了拇指把位不需要用拇指，但需要学生能够对每一把位换把时，把没有用拇指与１指的距离了解清楚，因为在音阶当中拇指虽然没有用上，但是在乐曲中六度双音却会经常地用拇指，三度与六度双音在教程中有两种指法，４个八度以上的音阶双音就会用到全部用拇指指法练习的双音音阶，这种指法适合于高二年级以上和大学学生训练。 八度双音对初学双音音阶的学生来讲是难度最大的，因为八度双音的手型有特殊的要求，也可以说是大提琴 的一种特殊技巧，要求学生整个手型 要拱起来，只用大拇指和３指，把位很大，要求撑开把，手型不能扁下去。很多学生一开始练习很不适应，出现的问题往往是大拇指不能独立按照手型去做，大拇指按弦的位置在左手拇指右侧的第一关节或较靠前的位置。这两个位置以及整个这一片范围都是可以用来按弦的。有些学生怕疼，不敢按下去，有些学生不习惯，因为不是用手指肚去按，而是侧面，无论什么情况，在学习八度双音期间，老师、学生和家长应该紧密配合，经常观察以帮助学生尽早掌握，对于拇指按弦的位置，只要贴紧一关节至指尖二寸之间都是可以用的，可以因人而异，让学生很快找到合适自己的位置。 再说说八度双音中３指的姿势，３指的三个关节都要拱起来是不太容易做到的，但是要完全掌握八度技巧就必须要做到这一点。３指的姿势主要是体现在手掌的形状，如果整个手掌扁了下去，手指不但不能按要求按弦，甚至几乎不可能把音按住。 手掌的重心非常重要，如果重心不能转移到小指的话，八度双音的手型就不可能做好。 除了大拇指和３指这两个关键手指的姿势要做好，其他手指的状态应该尽可能松弛，这样才能帮助拇指和３指完成好八度双音的演奏，通常有些学生会把１指或４指跷起来，这种下意识的动作反而会增加拇指和３指的负担，是不可取的。 掌握了三度、六度、八度双音音阶，是学习大提琴演奏的一个新的转折点。同时对把位的概念也更清楚了，学习进步会非常明显。 （未完待续） 作者 中央音乐学院 大提琴副教授、研究生导师 正确的八度双音３指姿势 在拇指把位的正确三度双音手型正确的八度双音手型 错误的八度双音手型

大提琴持琴和左手技巧

如何持琴这个问题看起来虽然浅易，但是要学好大提琴演奏,这却是不可忽视的最基本、最重要的问题。 有些持琴者和琴的角度比例太歪斜，整个人的舞台形象是歪扭着的，也有的人持琴过高，以致演奏时两臂也高高地耸起,特别在演奏到高把位时，看上去好像整个人（上半身）都趴在琴上。 还有的人持琴则太低、太躺,整个琴几乎横卧着。以上这些持琴姿势不但不好看，而且直接影响到演奏技巧的发挥这些问题不及时解决，势必会妨碍其演奏和进度，甚至越刻苦越勤奋还更使演奏者产生不适感，严重的则会出现手酸、肩痛等不同程度的职业病。 正确的持琴方法总结起来有以下几个方面：首先,人在靠椅子的前沿正中、含胸自然放松地坐好，然后将琴撑脚以自己身体中间为准在右前方着地。撑脚一定要放正确，若太偏右琴颈离人颈太远，左手按弦就会困难，演奏到高把拉就更成问题:撑脚太往左，琴颈就会贴靠在人颈上，这样几乎无法演奏。 将撑脚正确地放好后，两脚自然放开比肩略宽，然后轻轻将琴靠向自己，使琴肩轻贴心窝”即左右两排肋骨中间的会合处）,这时琴的C弦轴应该与人的耳垂持平，琴的这种高度演奏起来就比较合适。 琴肩位置是持琴的一个重要环节。若琴肩靠在胸口 那琴身就过高了；琴肩位子太低，琴肩则顶在了演奏者的肚皮

上。这两种都是不正确的持琴姿势，它们都妨碍了演奏，若这两种不正确的持琴姿势持续时间过久，容易造成演奏紧张、两臂不适 准确地放好琴肩点后，再将琴面略为向右偏斜，约向人体偏斜15度左右。最后再用两膝自然靠在琴的下摆两侧，应 注意的问题是不要将琴夹得太紧，轻轻碰着琴，让琴稳固就行了。琴撑脚、琴肩、琴下摆两侧三点位置的正确与否是持琴好坏的关键，若能正确地按这三点位置自然放松地持琴，就能获得好的持琴姿势，从而为下一步演奏打下良好的基础。 演奏大提琴作品，要求用准确的把位和灵活的指法， 把 乐谱中的音符、节奏等再现出来。这方面的任务主要是由左手完成的，从形式上看，左手的技巧比较复杂多样，难度也较高。左手在大提琴演奏中具有首要的、主动的地位，起着带动右手准确表达作品原意的作用。 1、手型。左手在演奏时采取什么样的手型，往往因演奏者习惯和手的条件不同而具有微小的差异。我的体会是基本的手型是松弛地拿口杯状，拇指自然弯曲，处在琴颈左后侧与一指和二指间相对（稍往二指靠一点）的位置；在用大把位时，拇指可向相对三指的位置靠近。这种手型松弛自如，进退自如,便于在一般情况下触弦的四个手指摆准位置，也便于把位的

4-大提琴教学琐谈之四——如何解决大提琴的音准问题

39 ２００９－０４ ＺｈｏｕＷａｎｇ Ｎａ　Ｍｕｌａ如何解决 大提琴的音准问题 ◎娜木拉 （承上期） 学生在学习大提琴的初期要想掌握好音准是非常困难的，老师要非常明确地告诉学生，学习初级阶段拉不准音是正常的，如果在初期就能够把音准演奏得很到位，就不需要学习和练习了。让学生明白音不准本身并不可怕，关键是要养成一个好的音准概念和习惯：要做到如何避免音不准；如何分辨是什么样的原因造成的音不准，不要在拉某个音时一不准就急忙挪动手指的位置，这样演奏出的音既不准又不稳定，还会养成手指老在把位上下意识地去找音准的不好习惯，结果造成音不准。练习时在手指按下去之前就应该明白音的位置在什么地方，拉出音后还要重新审听。音准练习本身就是一个先动脑后动手的过程。 造成音不准有很多原因，解决音准问题的方法也各不相同。 把位大　换把多 大提琴的音准难把握，也是因为它的把位比较大，换把比较多，１指的正确按弦姿势比较难掌握，通常在演奏大把位的情况下２指和４指撑开不够。音准就会受影响，手小的学生，尤其是４指偏短偏细的学生，往往在演奏大把位时４指按不准且偏低。好不容易把４指按准了，１指却又按得偏高。像这种手指条件不太理想的学生。就要在这方面进行专门的特殊训练。手指条件较好的学生也会出现手指的位置 不正确而导致音不准，通过教学实践发现，因为手指的位置不正确而导致音不准的具体问题是：１指偏高，４指偏低。练习方法应该是：端正左手按弦姿势，１指一定要正面按弦；４指撑开，演奏时左手重心略微侧向４指，手掌要保持松弛。这种练习方法通常很有用，能有效帮助学生解决因此带来的音不准问题。 换把的要领 换把位时常常导致音不准。因为换把就意味着左手从一个地方换到另一个地方。此时要保持发音的准确性当然很不容易，换把位有一个概念就是整个左臂要有一个先行动作，这个动作意识要在换把之前完成。当手臂和左手完全换位到正确把位时，音准就已经成功一半了。解决这个问题的方法就是：除了要多练以外，还要从几方面检查换把动作是否规范，首先要观察肩部是否紧张变形；其次看左臂换 把动作是否舒畅自然。再就是要有固定把位的意识。只要严格按照这几方面的要求练习，换把中的音准问题就会得到逐步改进。换把还有一个概念，就是要搞清楚大提琴有多少个把位，每个把位还分有大、小两个把位，学习换把的时候应该让学生明白把位观念的重要性，并且要求学生在每一条弦上找出正在学习的把位名称以及唱出每个音名。有些学生用手指去找音，下意识去换把，但头脑中却没有换了把位的概念，曲目的程度复杂了，音和换把一增多，学生就无法掌握，学习进度很快就会受到影响。所以及早建立正确的把位观念是非常重要的。 拇指把位可以运用在任何一个把位，但通常学习拇指把位时是从六把位以上开始，这个把位是Ａ、Ｄ、Ｇ、Ｃ四条空弦的泛音，大拇指放在这个位置上非常容易掌握，就好象初学者在空弦上学习第一把位一样。所以目前仍有一些老师 建议初学者可以同时学习空弦的第一把位和泛音的拇指把位。 从半把位到六把位共有九个把位，每个把位还有大把位和小把位，举例说明。 半音的问题 演奏时小二度太小和半音太窄，已不仅仅是音准问题，如果解决不好，就直接影响到对作品风格的把握。 大提琴教学琐谈之四— Ｄ弦的一把小把位

大提琴正确持琴方法

大提琴正确持琴方法 如何持琴这个问题看起来虽然浅易,但是要学好大提琴演奏,这却是不可忽视的最基本、最重要的问题。下面是小编分享的大提琴持琴及左手技巧，一起来看一下吧。 正确的持琴方法 总结起来有以下几个方面。首先,人在靠椅子的前沿正中含胸自然放松地坐好,然后将琴撑脚以自己身体中间为准在右前方着地,撑脚一定要放正确,若太偏右,琴颈离人颈太远,左手按弦就会困难,演奏到高把拉就更成问题:撑脚太往左,琴颈就会贴靠在人颈上,这样几乎无法演奏。将撑脚正确地放好后,两脚自然放开比肩略宽,然后轻轻将琴靠向自己,使琴肩轻贴“心窝”(即左右两排肋骨中间的会合处),这时琴的C 弦轴应该与人的耳垂持平,琴的这种高度演奏起来就比较合适。琴肩位置是持琴的一个重要环节。若琴肩靠在胸口,那琴身就过高了;琴肩位子太低,琴肩则顶在了演奏者的肚皮上。 这两种都是不正确的持琴姿势,它们都妨碍了演奏,若这两种不正确的持琴姿势持续时间过久,容易造成演奏紧张、两臂不适。准确地放好琴肩点后,再将琴面略为向右偏斜,约向人体偏斜15 度左右。最后再用两膝自然靠在琴的下摆两侧,应注意的问题是不要将琴夹得太紧,轻轻碰着琴,让琴稳固就行了。琴撑脚、琴肩、琴下摆两侧三点位置的正确与否是持琴好坏的关键,若能正确地按这三点位置自然放松地持琴,就能获得好的持琴姿势,从而为下一步演奏打下良好的基础。 演奏大提琴作品,要求用准确的把位和灵活的指法,把乐谱中的音符、节奏等再现出来。这方面的任务主要是由左手完成的,从形式上看, 左手的技巧比较复杂多样,难度也较高。左手在大提琴演奏中具有首要的、主动的地位,起着带动右手准确表达作品原意的作用。

大提琴的学习年龄几岁开始比较好

大提琴的学习年龄几岁开始比较好 下面为大家介绍大提琴学习年龄，感兴趣的朋友们一起来看看吧!大提琴学习年龄多大开始学大提琴，主要看想不想干专业，现在小孩3岁就有学了。 年纪大的我看过五十多开始学的，作为大提琴爱好者是没有年龄限制的，50多岁一样学的会。 并且50多岁由于时间充裕，大提琴学的好的，还挺多的。 你要想干专业的话10岁之前就一定要学了，越早越好。 作为业余爱好，目前北京还是20多岁，30多岁学大提琴的多。 大提琴从4岁到60岁都可以学，前提是喜欢大提琴。 有三四年拉大提琴的积淀，在学校、公司、社区年会、联欢会、表彰会上，演奏大提琴，问题不大的。 很多成年人学大提琴都是从零开始学的，就是不懂乐理，没有任何音乐基础。 在大提琴的教学中，老师都会把五线谱的知识，教给学生的，不论是成年人还是小朋友，从零开始学大提琴都没有问题。 关于大提琴的知识大提琴是近代管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。 在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句，也与低音提琴共同担负和声的低音声部。 它是甚为人们喜爱的独奏乐器。

作为独奏乐器来说，它的地位仅次于钢琴与小提琴。 大提琴是由古代的膝琴(Viola de gamba)演变而来的，自16世纪以来即流行于世，但在很长一段时间内乐器的大小一直未能固定下来。 经过许多年的实践与改革才算告一段落。 现代大提琴高约48英寸，具有深厚动人的音色。 大提琴四根弦的音高比中提琴低八度(C—G—d—a)，乐谱通常用低音谱表，在较高音区有时用中音谱表。 它的奏法与中、小提琴不同，是夹在两腿之间演奏。 大提琴的第一根a弦发音华丽有力，富于歌唱性，第二根d弦，音色较朦胧，第三、四弦(G、C)低沉响亮，能够承受乐队的非常沉重的音响。 它的发音原理虽然与中、小提琴相同，但其手指的把位在低音区与小提琴迥然不同，在高音区时能用姆指把位演奏。 至于演奏技巧，由于它在琴身大小、琴弦排列与琴弦长短等方面与小提琴均不相同，因而各有难易。 自17世纪大提琴家多曼尼科·加布里埃利(Domenico Gabrielli)写了第一首大提琴独奏曲以来，陆续有人为大提琴创作乐曲。 18世纪时，维瓦尔第、塔尔蒂尼和莱奥等作曲家模仿小提琴协奏曲为大提琴写了不少协奏曲，后在英国、奥地利与法国等地相继出现意大利风格的大提琴协奏曲及其他乐曲。 至于18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们，如海顿、莫

音色在大提琴演奏中的意义及表现技巧

音色在大提琴演奏中的意义及表现技巧 作为音乐构成的主要元素，音色对于乐器演奏的效果有着显著的影响，不同乐器的音色存在明显差别。大提琴属于弓弦类乐器，其音域偏低，音色浑厚而又纯净，在演奏的过程中，想要将其音色的魅力充分表现出来，演奏者必须掌握娴熟的技巧，对弓与弦的接触点及弓速进行有效的控制，以此获得稳定且优美的音色。 一、大提琴演奏中的音色概述 不同种类乐器的音色存在差异且各有特色，这种差异是因泛音的不同造就的，多种泛音组合形成的频率构成了丰富多彩的音色。音色主要由波形、共振峰及声波起振三项要素构成，乐器演奏就是此三者相互递进和叠加关系的总和。在声音形成的过程中，首先由振动形成声波，振动包含起振、内部变化及衰减三个环节，不同时间段形成的声波表现出明显的差异性，因而形成了各有特色的音色。 （一）大提琴音色在演奏中的作用分析 对于乐器演奏者而言，乐器是其抒发内心情感的重要工具，就像笔之于作家。大提琴是一种比较广为人知的弦乐器，其音色庄重浑厚，在乐曲演奏中通常负责旋律性较强的部分及和声和低音部分，这使得其能够表达出各式各样的情感。想要将一首曲子的情感充分表达出来，需要使用到不同节奏的低音或是高音，因此，正确发出音色就成了大提琴演奏的关键点。只有准确把握音色，才能将大提琴这种乐器的优势充分发挥出来，构造出具有诗意的情境。 一个大提琴演奏者的演奏水平很大程度上要看其音色的表现效果，不仅要美妙动听，而且要蕴含真挚的情感。音色本质上代表的是声音的感觉特性，这是一种很难用语言准确描述的概念。发声体内部构造、体积大小、材质构成等因素的差异均会使其发出不同的音色。以人类个体为例，不同人的嗓音特色也不同，表现出甜美、温润、细腻、低沉等多种不同的质感，此处所说的嗓音泛指的就是音色。人类

论二胡演奏方法和技法 ——左手快速技巧探究

论二胡演奏方法和技法——左手快速技巧探究 作者：古音 引言 二胡是我国历史悠久的拉弦乐器。最早出现于唐代名为稽琴，用竹片做弓，后称奚琴。到宋代以马尾作为琴弓，由北方少数民族传入中原地区，称作胡琴。后到元代开始广泛流行。 二胡在很长一段时间里都是作为伴奏乐器来服务于戏曲或者某些民间合奏。在五四运动之后刘天华先生对二胡进行了改革，使其变为“正统”学科。从此二胡演奏成为了音乐学院的教学内容之一。之后逐渐发展成为一门专业的艺术学科。 随着时间的推移，音乐在不断发展。对于二胡来说其局限性和部分技巧的演奏困难等问题也在慢慢凸显。如高音区音量音色衰减明显、音量尚不够大。琴弓夹在两弦之间有所束缚。连续的超八度跳进演奏困难。快弓、快速换把、快速手指爬行等。一方面需要对于二胡的结构和制作方法做进一步的研究。另一方面则需要演奏者通过科学的演奏方法来减少这些不利因素对演奏的影响。 随着演奏技术的发展和舞台艺术的多元化，二胡演奏技术也发生了日新月异的变化。现代乐曲不断出现在大型音乐会演奏会上。如何驾驭这些曲目就成为了演奏者面临的共同问题。 本文主要探讨左手的快速技巧训练和左手的机能开发。在上世纪对于二胡的演奏有句话叫三分左手七分右手。但是随着作品的复杂化多元化，左右手技术的重要性趋于平衡。本文以手指的机能训练开始，着重探讨

高抬指对于二胡演奏的重要性。虽然高抬指属于最基本的训练科目，但是在演奏者一生的演奏生涯中一直起着重要的作用。 文中提到主观想象，意识等主观思维概念，这些主观思维可以让演奏者重新建立新的条件反射去覆盖原来的，但是需要大量重复性的操作才行。 本文参考了部分手外科学和运动解剖学的文献资料，简单分析了手各个动作所涉及到的相关肌肉或肌腱。只有对这些肌肉或者肌腱做针对性训练才能在短时间内尽可能快的提高演奏技术。 一、手型与四度定位法 二胡的演奏技法种类繁多，而一种演奏技法又有多种变化。例如弓法中持弓技术的变化，在演奏慢长弓时，持弓位置靠后，持弓较深。手接触琴弓的面积较大，这样有助于提高对琴弓的控制力，便于做音量等变化。在演奏快弓时，则需要将琴弓位置向指尖处移动，持弓浅。由于指尖较为灵活，演奏快弓时才会更为轻松。 左手的手型也需要根据作品中音值长短、音色变化做相应的调整。这就需要对具体的作品进行具体的分析后选取合适的手型来演奏。手型的变化体现在手整体重力转移和手指与手掌重力叠加上。本文将这种变化归纳为两类，一类为根据技术类作品或乐段需要而采用的技术性手型。另一类为根据表情丰富，情感丰富的表情性作品或乐段而采用的表情性手型。 （一）表情性手型与技术性手型 左手手型可大体分为表情性手型（图1-1）和技术性手型（图1-2）两