超写实绘画

如果现实主义会让让你说不出话来，那下面的这些超写实绘画一定会让你哑口无言。绘画艺术发展至今历经了多个风格和派别，从文艺复兴，到后来的野兽主义、立体主义、表现主义、抽象主义等涌现许多现代艺术流派。绘画的形态也由原来的“完形”到“变形”，由“打破形”到“无形”，艺术完成了由具象到抽象的蜕变，当我们回归到原点，艺术家们面对空白的画布，开始重新思考新的艺术表现形式。

超级写实主义便是当时的艺术家们努力探索的结果之一，他们强调“艺术再现事物应达到极端的写实”。随着科技的发展，绘画工具也在日新月异，一部分插画师已经从传统的架上绘画转为了数字平台的创作，数字平台也为我们进行超写实的绘画创作提供了不少便捷。这里，我们浅谈一下超写实绘画，个人对超写实绘画的理解是：以一种客观的态度再现对象。文艺复兴以来的绘画是一种主观的写实或人文的写实，物体和对象都被注入了许多情感和解释。而超写实绘画则是撇开了这些主观的元素，纯粹、客观地将物体展现在画布上，换句话说，在超写实的绘画中，画笔就是相机。

有时一些朋友会问，如果画的效果和照片拍的一样，那还费劲画什么，直接拍不就行了？其实，超写实绘画又不同于一般“毫无意义的复制”，它是以“依照片而制作”的方式，但在艺术性上又有别于照片。在当今的设计领域，特别是广告业，超写实的绘画作品已经很多见了。在这些超写实的广告插画中，我们看到了所描绘物体的真实性，但我们又看不到真实世界里它们所会有的瑕疵，那是因为这些超写实的绘画作品在客观再现物体的同时做了艺术的提炼，把那些我们认为好的，美的部分进一步地强调了出来，而把其他的瑕疵删除了，这样展示在我们眼前的物体显得既真实又完美。用摄影的话，或许我们在拍好后仍需要面临修图的环节。而且，对于艺术家来说，用相机拍摄只是一瞬间，而绘画却是一个历时很长的心灵体验。

下面我们要介绍的作品来自Pedro Campos，大部分他的作品比如可乐易拉罐，玻璃瓶和玻璃罐，水果等都是属于超写实风格，颜色、高光、细节都与拍摄的照片无异。赫芬顿邮报形容他的作品具有“光环的光泽，和圣洁的完美”

超现实主义综述

超现实主义思潮综述 摘要：本文用客观的语言，论述了脱胎于达达主义的超现实主义的历史背景和深受弗洛伊德潜意识理论影响的哲学背景，并简要谈论了其成立的过程及艺术的纲领。通过对其代表人物达利、米罗画作的分析浅论了超现实主义抽象和具象两种不同风格的特征。 关键词：超现实主义达达主义潜意识象征性 超现实主义是现代艺术的一项运动与流派，它脱胎于瑞士的达达主义，由达达主义在法国同象征主义相结合后逐渐演变而成。超现实主义的哲学基础是直觉主义和弗洛依德的梦幻心理理论及精神分析学，并在一定程度上受到黑格尔哲学的影响。超现实主义者认为，在现实世界之外，还有一个所谓彼岸世界，即无意识或潜意识的世界。超现实主义者致力于探索人类经验的先验层面，同时致力于突破合于逻辑与实际的现实观，尝试将现实观念与本能，潜意识与梦的经验相揉合，而达到一种绝对的真实，超越的真实。例如，超现实主义画家与过去画家描写梦境有显著不同，这在于他们能重现梦境，并将逻辑上不相干的事物加以喻示性地并列，由此传达出梦境特有的感性气氛。 一、超现实主义产生的历史背景－－从达达说起 1914年8月欧洲爆发了第一次世界大战，四百多年来形成的“美的艺术”体系出现了巨大的裂痕。尽管博物馆继续开放，展览会照常举办，但欧洲稳定、统一的艺术体系已经开始瓦解。许多艺术家在战争中身心遭到重创。在这段时期内艺术家继续从事传统的艺术活动似乎不合时宜，更不愿在官方举办的画展上展出自己的作品。那个时代需要另一种艺术－－一种全新的批判性艺术－－达达主义产生了。 “达达”一词主要表达的是一种玩世不恭的象征意义。达达主义者将他的攻击目标指向所有以前的艺术运动和形式，无论是传统的还是二十世纪初期的实验性艺术。他们对既有的体制、道德和一切美学等传统价值观念一律加以破坏和颠覆。 达达主义者抨击伪善没落的旧世界，与其说是一场艺术运动还不如说是对当时的资本主义制度的全面反抗，从本质上看他代表了对艺术的否定－－但它否定一切时最终不得不否定自己，世间万物的发展规律总是不破不立，在对旧事物摧枯拉朽的无情涤荡后，新事物的兴起也就为时不远了！ 二、超现实主义产生的哲学背景－－弗洛伊德的潜意识理论 在达达主义衰落的同时，有两种学说广为流传－－一是法国哲学家柏克森的生命哲学，二是奥地利精神分析学家弗洛伊德的潜意识理论。尤其以后者的影响最为广泛。他把人的的心理分为意识和潜意识两个对立部分。他认为梦总是指向人的心灵深处，梦境体现了人的潜意识和本能的欲望，是潜意识完美的再现，是摆布个人命运、决定社会发展的永恒力量。但这些潜意识却受到现实规范的种种抑制，人们长期忽略了它。弗洛伊德反对一味压抑潜意识，主张寻找合理渠道来发泄，而艺术创作给潜意识超越现实规范理性和道德提供了最佳途径。因为梦和艺术是相通的。 三、超现实主义的产生 1924年，法国作家布列东在巴黎发表了第一个《超现实主义宣言》，布列东在第一个《超现实主义宣言》中，曾对超现实主义作过经典性的解释：“超实现主义，阳性名词。纯粹的精神无意识活动。人们通过它，用口头或局面，或其他方式来表达思想的真正作用。它只接受思想

思维绘画与普通绘画的区别

思维绘画与普通绘画的区别 思维绘画是依据儿童心理学、潜能科学、思维科学及创造学的理论，将心智训练、脑能训练与绘画艺术科学结合，从而缔造出了具有优化个性，优化思考状态，提高学习能力，提升智商作用的新派儿童绘画。 传统绘画主要是采用挂图或线、形导入法。即老师提供给孩子一幅作品，让孩子照着画，甚至给孩子规定好绘画颜色，虽然孩子的临摹能力和观察能力能够得到提升，但久而久之孩子的思维却受到了严重的束缚。而思维绘画彻底打破了这种困境，通过新颖的教学方法与教学课件相结合，让孩子真正做到想画什么就画什么。绘画也不仅仅是让孩子拥有一种技能，更重要的是通过创作充分开发和保护孩子的想象力，认知事物，用自己独特的思维创作，形成完美人生个性，在绘画的创作过程中找到自我。 思维绘画由北京阳光之美教育科技有限公司首创，是以绘画为施教载体来打开儿童右脑智慧，促进双脑平衡沟通的全新启智模式，着重训练孩子的注意力、观察力、想象力、记忆力、思维力和创造力。

思维绘画与传统绘画的最大区别在于，它会通过游戏、视频、绘本等形式对孩子进行 思维导入，充分激发孩子想法和思路，然后再让孩子将想法通过绘画的形式表现出来，同时，表现形式相比传统绘画更加丰富。相比于传统形式的灌输式教学，思维绘画更 加注重素质教育，主张通过绘画锻炼孩子多种思维能力，完善性格，与此同时渗透式 地让孩子牢固掌握美术及美学知识。 思维绘画不是让孩子照着老师的作品一笔一笔临摹，而是先通过开发孩子的想象力达 到每个孩子独特思维的体现，点对点的跟踪式引导，根据孩子的心理和生理特征，制 定孩子的专属思维画风。并同时把相关美学知识点用孩子能听得懂的语言翻译给他们。 思维绘画是技能与精神领域的结合体；传统绘画是熟能生巧的潜意识作画。思维绘画，很明显地是加入了自己的思维与情感，孩子在创作自己的作品时，无疑都加入了自己的想法，也就是说大家所说的“思维绘画”。

虚·实——照相写实主义绘画中的虚实

大 众 文 艺大 34摘要：在绘画领域里，虚实是任何艺术家都会运用到的一种艺 术创作方式。不管是西方传统写实主义绘画，还是现代主义绘画中的各个流派，都是运用虚实处理方式进行主观创作，强调“有我”。 然而，照相写实主义绘画用绘画的手段对照片信息进行纯客观转述，其绘画作品处处“写”实，同时虚隐个人的一切痕迹，强调“无我”。本文试图浅析照相写实主义绘画这种独特的“虚实”创作方式及其意义。 关键词：虚实；照相写实主义；主观情感 一、虚实在绘画中的运用，强调“有我” 在艺术创作中，不同流派中的不同艺术家对虚实的认识及处理都有着不尽相同的表达方式。传统写实主义绘画在画面的虚实处理上，主要通过光影明暗、颜色对比、笔触变化等手法对画面形象来进行处理的。荷兰著名大师伦勃朗的作品主要是运用光影来处理画面的虚实关系的，如《杜普教授的解剖课》《夜巡》等作品，从他所有的自画像作品中可以看出不同时期的内心情感对作品的影响。在现代主义绘画中的各个流派，如野兽主义、立体主义、表现主义、抽象主义等，无论其艺术主张及具体的表现形式如何，也都是运用虚实处理方式对画面形象进行主观的创作，强调个人情感的表达、宣泄，在对客观对象进行主观造型的过程中，注入个人情感、艺术理念及审美趣味，强调“有我”，使作品成为一种表现艺术意念的产物。以马蒂斯为代表野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，以直率、粗放的笔法来处理画面的虚实关系，，充分显示出追求情感表达的倾向。表现主义画家蒙克的作品《呐喊》，主要是通过笔触的变化来处理虚实，传达内心强烈的矛盾情感。然而，这种虚实的创作方式受艺术家的出身及文化背景的限制，带着强烈的主观性，因此不同文化背景、不同时代的观众对作品的理解会受到作者主观情感的限制。因此，20世纪60年代末的一些艺术家们开始对这种创作方式进行重新的思考。 二、照相写实主义绘画中的“虚实”，强调“无我” 1.照相写实主义之“虚”——强调“无我” 20世纪60年代末70年代最初于美国兴起的照相写实主义（又称超级写实主义），其理念与波普艺术强调的在创作过程中消除艺术家的主观性，追求对客观事物的毫无情感的复制的艺术主张相似。 传统的写实主义绘画是对客观对象的进行主观描绘，具有叙事性。而照相写实主义为了虚隐个人的主观情感，以照片为蓝本，利用照相机械比任何利用眼睛观察和描绘的写实都“真实”、“客观”这一特点，对照片的信息用绘画手段转述，试图用一种客观甚至冷漠的心态来描绘照片中的现实世界，将“我”完全虚隐。它追求的是一种类似于波普艺术的不带任何情感色彩的转述，如同机械化的照相机一样是对现实世界的复写；或者追求对自身感情和社会事件的观点反映。【1】照相写实主义艺术家不仅能做到像波普艺术家那样，对描写之物不动声色，不留痕迹，或者作任何主次的调整；而去除了记录对象的物理存在之外，没有任何“我”的影子，画面中的人或物只是很“真实”地存在着。 2.照相写实主义之“实”——纯客观再现的“真实” 照相写实主义艺术家们在具体的创作中，采用聚焦式的观看方式，消除主次关系，忠实地再现客观事物，以期画面达到绝对的真实。照相写实主义抛弃建立在个人知识结构上的自我选择性，选择相机代替眼睛，“视觉与照相是绝然不同的。它的活动不是一种照相那样的消极的接受活动，而是一种积极的探索。视觉是有高度选择性的，它不仅对那些能够吸引它的事物进行选择，而且对看到的任何一种事物进行选择。”【2】通过牺牲个人视角给观者换取广阔的解读空间。同时，艺术家还放大作品的尺寸，让我们在感受真实的同时又产生一定的疑惑。由于我们习惯于以惯常的尺度作为参照来认识身边的事物，并形成对种尺度的固定的心理感知模式。那么，对于超出我们视觉经验之外的尺度，我们都会产生疑惑并进行思考。照相写实主义的代表人物克洛斯所描绘的对象都是他的身边亲友，对他们的背景、个人经历等都非常了解，但是，在具体的画面中并没有表露出作者任何主观情感。（图2）作品《赖斯丽》中人物肖像极度真实，每个细节上都描绘的清晰准确，如皮肤、毛发、眼睛等均被描绘得富有真实性，纤毫毕现。但是作品却表现出一种异常陌生的情感，偌大的图像，却看不到一丝感情色彩，空洞的眼神，呆滞的神态……所有容易被人们忽略的、视而不见的细节被无情地放大呈现于画面，给人感觉到一种虚幻的真实，这种被改变的真实获得了超出作品视觉效果之外。一切都是那么的“真实”， 唯有人物的个性“虚”掉了。在画面形象达到“绝对真实”的基础上，为了追求更彻底的“无我”，克洛斯甚至用喷笔和电动橡皮代替可能泄露个性的画笔，费时耗力地进行工作。（图3）《自画像》是他60年代末的一件作品，人像逼真。没有像之前的大师那样表现个人的气质及心理世界，人物形象更像是个躯壳，高度冷静而客观的态度，使作品具有了一种更耐人寻味的精神。照相写实主义绘画的虚实创作方式所追求的意义在于让观者对这种虚幻的“真实”存在的产生疑惑并拷问到底。 三、照相写实主义绘画中的“虚实”的意义 照相写实主义的这种虚实处理方式，并非只是单纯追求视觉刺激，而是在追求自然的绝对“真实”与“我”的竭力“虚隐”这两个极端中凸显作品的意义。这种个人痕迹的虚隐，“无我”，其实与“留白”有异曲同工之妙。“留白”是召唤读者想象的未定性的意蕴空间艺术。在接受美学的视野下，一部作品只有在观者接受活动的参与才能使其最终完成。作品是作者和读者共同完成的，观者在解读作品时，将以画面“真实”形象为基础，结合自身的情感体验、个人经历，通过感受、体验、领悟，通过个人在欣赏作品的过程中所产生的共鸣情感来填补作者留下的情感“空白”，丰富艺术作品的精神内涵，具有明显的“再创造”性。这正如卢西?史密斯说的“人们对于超级写实主义的艺术看得越久，它那包含于表面漠然之中的评议社会的成分给的印象就越深刻。”【3】 参考文献： 1《传统与摩登的混血——后现代主义美术》王其均编著.重庆出版社，2010年6月135. 2《鲁道夫? 阿恩海姆.艺术与视知觉》北京：中国社会科学出版社，2007.49. 3《后现代主义艺术20讲》马永建著 上海社会科学院出版社 2005 158. 图片： 图1 图2 图1丘克?克洛斯，《莱斯丽》，1973，纸上水彩，184x144.6厘米 图2 丘克?克洛斯，《自画像》，1968，丙烯，247.3x213.4厘米 虚·实——浅析照相写实主义绘画中的“虚实” 周志奋 （广州美术学院版画系 广东广州 510260） 理论研究·美术

中西方美术比较的总结

以下是对此次研究中对中西方美术比较的总结 1.中国画讲究"气韵生动",西方绘画主要讲究形的要求. 2.作画方法,中国画讲究"默写"即获取素材之后回房作画,西方讲究写生. 3.观察方法,中国画讲究在游玩中无意中获取素材,而西方讲究刻意的取景. 4.构图,中国画讲究留白,而西方绘画出现留白则视为画面不完整. 5.透视,中国画为散点透视,西方绘画为焦点透视. 6.诗书画印的利用,中国画里诗书画印为一体,是画面的重要组成部分,而西方绘画没有此论. 7.西方美术以注重实际，光影效果要求严格为主，形似神不似创意抽象留出想想空间为辅； 中国美术以中国画为代表，注重意境，注重人的情感，神似形不似。以画家的意志为转移。 中西方美术的最主要差异就在于透视，这是最根本的，中国绘画在创作上重视构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似，而讲求“妙

在似与不似之间”和“不似之似”，在透视上将焦点（一点）透视与散点（多点）透视结合；而西方绘画着重于焦点透视，比较客观科学地体现了物体的外观，真实客观是其特点。绘画风格对于整个社会的影响都是巨大的，同时整个社会所形成的文化底蕴也同时反哺给了绘画。举例来说，从建筑上来说，人文，天气和建筑材料以及建筑工艺都对其有很大的影响，同样是巴洛克风格，每个地方都有些细微的变化。西方人文在文艺复兴时期，思想波澜起伏，海纳百川形成了众多的艺术风格，功不在风格多少，而在于这一风气带动了人们的思想，不段的创新；反观中国古代，由于封建社会统治阶级的思想统治，迫使人们在一定框架中，不对君王，只对青山绿水，千年时间造就了中国画的辉煌，但也限制了中国绘画新时代的发展。当然在明清两代发展起来的工笔绘画，在一定意义上也偏重了西方绘画的焦点透视（工笔建筑要稍少一些）。 绘画工具的不同也造就了中西方绘画的差异。毛笔，纸张，绘画颜料可谓独树一帜，更体现了中国古代人民的智慧，当然整个当时西方社会的工艺水平也是很高的。 总的来说，中国绘画讲究的是意境，画面的构图可以北地之山，南河之水，成竹在胸，山林水楼，人物花鸟，增减不在

装裱艺术的配色法则

装裱艺术的配色法则 色彩具有打动人的视知觉、表现和影响人的精神和情感的特性，不仅仅是在绘画上的运用，同时也能赋予书画装裱艺术的生命和力量，提高书画作品的艺术效果。在书画装裱艺术中，色彩的合理应用十分重要，色彩和色调的巧妙组织和应用，常能形成特别鲜明的节奏感和韵律感，从而加强书画作品的艺术感染力。它们在装裱艺术中的构成结构，同样也是影响书画视觉效果的重要因素。根据书画作品的主题，按其表现性能的需要，设计或设想明确感人的色彩和色调，是书画装裱艺术设色的重要任务。 色调指的是一件书画裱件，包括心子色彩的整体关系。根据色彩感觉分为暖色调和冷色调，色调可以根据色彩的对比分为和谐色调和对比色调，还可以根据色调的明度分为亮色调和暗色调，或者根据色调倾向于某一色相而称为某某色调。

在装裱工作中，凭借这些色彩、色调的关系和一个装裱工作者的专业修养，渊博知识以及高品位审美意识，来设计裱件的色彩和色调，使书画作品更加完美，充分发挥其应有的艺术魅力。 但是，色彩的实际应用并无一定的格式可循，同时在应用中又有一定的法则所约束，法则到底在什么地方？那就要在实际工作中去总结、发现、比较、体会。一般爱读诗词的人大都知道，每句诗都必须押韵，虽然生母优异，但韵母大致相同，就找到了可依靠的法则：在设色时根据色调的冷暖、明暗、抓住色彩的统一基调进行设色。装裱工作，有的裱件需要装饰性色彩，来烘托书画作品的艺术效果，这就要求装饰性色彩既要突出主题，又要和书画裱件的整体关系相协调，而又有深浅层次的对比。

由此可见一件富有新意的书画裱件的临世，是装裱审美思维与形象思维的再创造，通过艺术造型加工劳动，使书画作品升华到一个更高的艺术境界。尤为重要的是一个装裱工作者，应从书画家的思维角度去认识、理解书画作品的意蕴和内涵、构思和意境，加以材料的选择，色彩、款式的设想和设计，来达到装裱艺术的最佳视觉效果。一件优秀而富有时代气息的书画裱件，是书画家和装裱工作者之间创作思维和心灵的沟通，又是一种审美观念的共鸣和恰到好处的默契合 作。

浅谈现代艺术设计与绘画的关系

浅谈现代艺术设计与绘画的关系 【摘要】：绘画与设计是不可分割的。艺术表现的外延和内涵已经被拓展到一个相当广泛的艺术领域，只有正确理解绘画与设计的使命、特点、异同与发展等才能对两者的关系有客观的、深刻的、科学的认识，这对艺术教育与实践等才具有积极意义。 【关键词】：艺术设计; 绘画; 关系 纵观人类的发展进程，有相当大一部分也可以被视为是一个设计的历史，而艺术设计在现代绘画的基础上，可算做是一种延伸。艺术设计运用创造性思维，从整体和具体细处都属于形象思维和逻辑思维的结合。对总体的安排和结构的处理运用逻辑思维为主，对造型和表面装饰的处理运用形象思维为主，二者不可截然分开，而是相互交替进行。 随着社会科技进步，数字图像和网络技术的飞跃发展，使计算机图像处理能力不断提高，日趋完善。计算机图像学在艺术设计中所占比重越来越大。社会各个领域对具有掌握计算机新技术和新知识的艺术设计人才需求与日俱增。数码艺术设计只要是从事以计算机为载体的平面设计、三维设计、影视动画设计、影视广告创意与制作、网络多媒体等方面的高级专业艺术设计人才。 无疑，电脑艺术设计的出现将使人类艺术世界的格局发生根本性的变化。目前，世界上发达国家和地区将电脑艺术设计广泛地应用于各个艺术设计领域，从工业设计、平面设计、建筑设计、室内设计到影视动画、电脑游戏……等等。但是当电脑艺术创作给艺术家带来兴奋和视觉的新奇的同时，却发现因文化科技等诸多因素，产生了艺术设计与现代绘画艺术美的情感差异和艺术设计表现的不足，同时还存在一些对艺术设计，尤其是电脑艺术设计的模糊认识。因此，有必要认真思考绘画与设计两者的使命，理清它们之间的种种关系，这对艺术教育与实践等具有建设性意义。 现代绘画与平面设计同样都是个性的表露。回顾绘画的发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品，他们的作品都具有自己的典型特征。画家、设计师们，尤其是现代派的一些大师，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上，通过对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家、设计师，都会有自己独特的审美个性，创必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。 设计与绘画最大的区别是否依赖商品。绘画的本质是实现对美的追求，具有被观赏的特征，反映的是思想意识、精神生活、情感宣泄和美感体现等，因此，绘画是非物质、非功利、非实用主义的。创新是绘画的生命，并且通过个性化体现来实现，古今中外每一位杰出的绘画大师都创作过极为个性化的作品，展现了自己的典型风格和特征。画家们（尤其是现代派画家），为了表现出作品的生命力，根据自己的愿望，在技能、材质与工具的应用上随心所欲，可以完全不考虑其作品被不被人理解、欣赏、接纳或认可。在这方面，梵高是一位典型的大师，他创造了大量极作，但在当时未能被人们广泛接受。而设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的。设计的最终价值在于客户的满意，商品价值的实现，市场需求的满足。艺术设计创作是从商业派生出来的，缺乏艺术创作的根基，造成人们对数码艺术表现的认识还趋于肤浅和一些错误的看法，在这里主要存在两个方面的

美术作品比赛及展览方案

第三届校园艺术文化节—美术作品比赛及展览方案 为进一步活跃广大教职工的精神文化生活，推动和谐校园建设，根据学院关于举办第三届校园文化艺术节的相关要求，结合本系实际，现拟定其中美术大赛活动方案如下：一、活动宗旨： 本届美术作品大赛以弘扬先进文化为目标，展现我院广大师生的精神风貌，讴歌美好生活，激发爱国爱校爱系热情，营造昂扬向上、欢乐祥和、文明和谐的文化氛围。二、组织领导： 负责人：卢曦 组织成员：石海云、汪坤、谢辉、侯梅、叶富东、程朕 宣传设计制作：朱琳 金费管理：孟昭磊 组织协调：戴戈 三、启动计划： 1.活动宣传：2011.11.1—11.6 各系部学生工作负责人向学生宣传活动事宜，鼓励大家踊跃投稿。 2.征稿时间：2011.11.1—11.22 各系部收集学生作品汇总后送至环境艺术系办公室。 3.初评时间：2011.11.23—11.24 由美术组组委会组织评选，确定进入复评的作品。通知复评作品作者所在班级按照装裱要求进行统一装裱。 4.复评时间：2011.11.28 由美术组组委会组织评选，在初评的基础上确定最终入围的作品。

5.布展时间：2011.11.29 由学生会干部组织学生按照作品类别布置展区展位。 6.展览时间：2011.11.30——12.2 展览及公开投票评选获奖作品。 四、评审委员会： 周建华、肖创伟、施金山、徐自警、陈超、汪坤、张莹、谢辉、李婷婷、卢曦、李大俊、李孟、石杨 五、征稿要求： 要求主题健康、向上、富有想象力、创造力，内容新颖，形式多样。画种不限、材料不限。 绘画类、设计类作品规格统一为4开或对开。每张作品反面写上作者姓名、班级及联系电话。 各系部要求不少于5幅作品。 ①绘画类：素描、水粉、国画、油画、版画、水彩等。 ②设计类：平面设计、室内设计、景观设计等 ③制作类：粘贴画、剪纸、泥塑、木刻、装置等。 六、参赛对象： 全院师生 七、作品征集方式： 由各班班长将本班作品送交各系部办公室，由各系部办公室汇总到环境艺术系办公室。教师作品直接交到环境艺术系办公室。 八、评选方式： 作品评选由美术组组委会组织评选，分为初评和复评两个阶段，最终确定进入决赛的作品。获奖作品由学院颁发收藏证并收藏。 九、装裱规格：

中西方绘画中的美学差异

中西方绘画中的美学差异 要谈中西方绘画中美学的差异，必须要从它们的根源说起。中国绘画脱胎于工艺装饰艺术,古代中国绘画三大体系中的院体画、文人画、民间画都不同程度地传承了装饰艺术的典型特质，即平面性与装饰性的审美趣味，画者将表现对象依照自己的理解进行美化加工，而非追求写实的准确性。而西方绘画则溯源于古希腊艺术，古希腊人善于捕捉微妙的比例关系，精于数学与哲学，力求明白准确，追求心灵健康与肉体完美。他们的艺术也力求逼真、写实与理想的结合，从他们的雕塑中就可以看到这点：雕塑多以最美的人体为摹本，表现自编神话中的众神，形体极为精准，比例亦臻于完美。如柏拉图所说：“艺术是摹本的摹本”。 于是我们可以清晰地看出中西方绘画中最本原的美学差异：写意与写实。中国绘画偏于精神性的写意，表达了画者对物象的理解及感受，表现物象最本质特征，并进行了理想性塑造加工。其精神性常常高于画本身的表达与技法，物象作为抒情的媒介表达着作者的精神境界与人格追求。而西方绘画则偏于写实性地再现对象，往往表达重于构思，技法展示遮蔽了画家的精神表达，要透过层层物象才能体味画家深藏的内心世界。而且西画常以故事性或场景性代替精神性，在立意上存在缺失。如18世纪评论家狄德罗所说：“在我们的画作中都有着构思上的弱点，思想性的贫乏。”下面将从造型、色彩及构图三个方面进一步阐释中西方绘画在写意与写实上的美学差异。 在造型上，中国绘画美学偏于平面性，而西方绘画美学偏于立体性。中国的绘画由工艺装饰（青铜器、陶器纹样）发展而来，本身就具有先天的平面特征。陶器上的纹样多是图案化、美化后的物象，因此中国绘画常具有较强的装饰性意味，也历来不竭力追求再现对象，而是满足于表现自己对事物的看法，具有意象

第三节色彩构成与绘画用色的区别

第三节色彩构成与绘画用色的区别 传统绘画写生的色彩是以光照作用下产生的色彩变化为依据，对表现物体瞬间变化的色彩进行敏锐的捕捉，真实地再现自然物象。绘画者的科学认识与观察是表现写生色彩的基本方式。 色彩构成则以绘画写生色彩为基础，根据设计专业的特点和要求，运用色彩归纳、概括、提炼等手段，表现物体之间的层次关系。它更注重和强调物象的形式美感以及色彩的对比协调关系，培养设计者主动表现色彩的能力。 1．绘画色彩的特征 图1-3-1 荷兰画家伦布朗的作品《戴金头盔的男子》（布面油画） 绘画色彩重在表现自然物象及绘画者的情感。想表现绘画者的内心世界，就需要了解色彩现象的成因和表现色彩的绘画技巧。

对于色彩现象的成因以及色彩概念和原理的认识，通常需从光色谈起。有光才有色，光不仅是生命之源，也是色彩的起因。光让我们感受到瑰丽的色彩世界，也决定了我们的视觉对自然界的感知。没有光线，色与形就消失于我们的视觉中了。在写实绘画中运用的一切有关色彩的法则都是自然规律的反映。同时，绘画中的色彩是以人的视觉感受为基点的，人的色彩感觉首先来自视网膜中锥体细胞机能，它能感受、分辨色光中的红、蓝、绿，并做出综合反映。而且，人的视觉感受还会受到生理或心理变化的影响，面对不同色彩会唤起人不同的生活体验，产生不同的联想。光的运动和色光的反射是造成色彩现象的外界因素，而色彩概念则是由人的视觉思维形成的。 绘画中色彩的运用对表达创作的主题思想和情调意境有很大关系，因此色彩对画面的最后效果起了很大的作用。尽管各画派对色彩的要求是不同的，使用的材料和画法也各有特点，但色彩运用的基本规律是一致的。 首先根据作品的主题思想和情调、意境，确定画面的基色调，基色调在绘画中起了决定性的作用，例如，荷兰画家伦布朗的布面油画作品《戴金头盔的男子》（见图1-3-1），这幅油画的基调色是深赭色，因此在进行表现的时候，几乎每一色调都有赭石色倾向。在绘制传统油画时每种色都要加入基色，如我们定一幅画以红色为基色，那么这幅画几乎所有的颜色都要加入一点红色，如这幅画中的纯白色带有一点粉红色，黑色头发不是纯黑而是带有褐色。运用色相、明度、纯度、冷热及面积大小的对比，使主要形象更显突出，次要的部分起陪衬作用（具体内容可参考第五章）。如果画面色彩几处都很显著，可以将某一块色彩更亮或更暗，或更鲜明，则这部分就显得突出，画面就可显出主体了。 2．色彩构成的特征 色彩构成与绘画写生色彩既有区别，又有联系。绘画色彩是感性的、客观的、空间的、真实的，而色彩构成则是理性的、主观的、平面的。色彩构成是将视觉中观察到的色彩经过有目的地筛选、梳理、提炼、变化后体现出来。在绘画色彩

浅谈写实主义绘画之

浅谈写实主义绘画之《彝族情》 作者：杨静指导老师：吴家跃 （西昌学院艺术学院 2009级美术学专业） [摘要]: 创作需要灵感，灵感来源于生活，来源于我们对美的欣赏和追求。我所追求的作品是运用写实主义绘画风格来描绘中国少数民族人物，以此更好的诠释中国的民族文化和悠久的历史。《彝族情》这幅作品运用写实主义的构图、技法、精神和风格，来传达中国文化和民族风情，通过这样的构思来表达我内心所追求的民族风情的美和自由放松的情感。一副好的作品绝不是草草完成，东拼西凑，它需要作者的情感，牢固的造型基础知识，细致的观察力以及独到的见解。我的作品在于运用写实主义技法结合细致的观察、严谨的构图、细节的深入刻画表现出彝族女孩的既古典又现代的美，让人们看到彝族姑娘的美丽，让人们感受到民族文化的魅力，同时也让人们更多的了解到写实主义绘画与民族文化之间的联系。 [关键词]：写实主义情感民族风情魅力联系 Discussion on the“Yi”realistic painting Author: Yang Jing Tutor: Wu Jiayue ( Xichang College art academy2009fine arts professional ) Abstract Creation need inspiration ,inspiration comes from life ,from our appreciation of beauty and the pursuit of.All I want is the combined use of Wester realistic painting style with Chinese national culture,to better interpretation of Chinese culture and long history."Yi" the painting subject matter is I was attracted to culture of Yi girls calm beauty,as well as on the vast grasslands of the pursuit of beauty,using realistic composition,technique,spirit and style,to convey Chinese culture,Chinese language and ethnic customs.To express my inner pursuit of beauty and emotion through the idea.A pair of good works is not a complete,put all sorts of things together,it needs author's emotion,the solid foundation of knowledge,careful observation and insight.My work is to use realistic techniques exhibit Yi girls both classical and modern beauty,to convey to the people of Yi nationality customs charm,let people feel the charm of national culture Key word: realism feeling national culture charm 创作前准备 首先是收集素材，收集素材是艺术创作的重要环节。我首先是确定我要创作的主

中西绘画的差异

东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者比较起来，有下列的五个异点： (一)中国画盛用线条，西洋画线条都不显着。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。又如山水、花卉等，实物上都没有线，而画家盛用线条。山水中的线条特名为“皴法”。人物中的线条特名为“衣褶”。都是艰深的研究工夫。西洋画就不然，只有各物的界，界上并不描线。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西洋人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”。但后期印象派以前的西洋画，都是线条不显着的。 (二)中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。透视法，就是在平面上表现立体物。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。试看西洋画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竞同真物一样。若是描走廊的光景，竞可在数寸的地方表出数丈的距离来。若是描正面的(站在铁路中央眺望的) 铁路，竞可在数寸的地方表出数里的距离来。中国画就不然，不欢喜画市街、房屋、家具、器物等立体相很显着的东西，而欢喜写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器物，亦不讲究透视法，而任意表现。例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的；且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到那里，画到那里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。 (三)东洋人物画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。解剖学，就是人体骨骼筋肉的表现形状的研究。西洋人作人物画，必先研究解剖学。这解剖学英名曰anatomy for art students，即艺术解剖学。其所以异于生理解剖学者，生理解剖学讲人体各部的构造与作用，艺术解剖学则专讲表现形状。但也须记诵骨骼筋肉的名称，及其形状的种种变态，是一种艰苦的学问。但西洋画家必须学习。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国画的好处。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。 (四)中国画不重背景，西洋画很重背景。中国画不重背景，例如写梅花，一支悬挂空中，四周都是白纸。写人物，一个人悬挂空中，好像驾云一般。故中国画的画纸，留出空白余地甚多。很长的一条纸，下方描一株菜或一块石头，就成为一张立幅。西洋画就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子。人物，其背景为室内或野外。故画面全部填涂，不留空白。中国画与西洋画这点差别，也是由于写实与传神的不同而生。西洋画重写实，故必描背景。中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。 (五)东洋画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。中国画在汉代以前，也以人物为主要题材。但到了唐代，山水画即独立。一直到今日，山水常为中国画的正格。西洋自希腊时代起，一直以人物为主要题材。中世纪的宗教画，大都以群众为题材。例如《最后的审判》、《死之胜利》等，一幅画中人物不计其数。直到19世纪，方始有独立的风景画。风景画独立之后，人物画也并不让位，裸体画在今日仍为西洋画的主要题材。 上述五条，是中国画与西洋画的异点。由此可知中国画趣味高远，西洋画趣味平易。故为艺术研究，西洋画不及中国画的精深。为民众欣赏，中国画不及西洋画的普通。

徐悲鸿的写实主义画法2

徐悲鸿的写实主义画法 内容提要：在20世纪初，西方的科学文化，观察，分析等现实主义概念与民主潮流相伴随在客观现象成为普遍的风气。作为写实主义绘画的重要代表，徐悲鸿强调写实素描的重要性，他的目的是重新建立社会现实的写实绘画，再现的艺术概念，历史和社会理想。徐悲鸿实际上是混淆西方学院艺术和现实主义运动的精神，它开辟了写实绘画的功利方向。但是，在任何情况下，中国悠久的传统文人画的画家，写实绘画是近现代社会的必要课程- 这正是徐悲鸿的历史意义。 关键词：写实主义科学主义徐悲鸿 前言：1929年4月10日，国民政府教育部，“首次全国美术作品展”在上海举行。常务委员会委员徐悲鸿、王一亭、李毅士、林风眠、刘海粟、江小鹣、徐志摩。展览组织出版了由徐志摩、陈小蝶、杨清磬等人编辑的美展汇刊。展览举办艺术展序言自信，艺术展的意义是对艺术生活有影响的，在共和党的陈小蝶，杨清磬汇刊出版编辑的艺术展上，徐志摩说：“我们留心看着吧，消息从文学和艺术创作的时代是没有错的”。这一次的政府国家艺术展览，学习西方的制度文化领域的一部分革命组织。然而，当徐悲鸿的作品在整个展览里有太多现代的倾向，他拒绝了自己的作品送展，徐悲鸿似乎认为，在引进西方艺术的过程中，现代主义是极其有害的，他没有满足的口头辩论，或许，而干脆将他们的论争写成了题为《惑——致徐志摩公开信》的文章，于22日发表在《美展》第5期上。许惊喜的开始：“中国拥有的第一次全国美术作品展览，值得称贺。乃在无腮惹纳（Cezanne）、马梯是（Matisse）、薄奈尔（Bonnard）等等无耻之作。”徐悲鸿的法国现代主义的愤怒达到极点，所以他能说出这样的话：若吾国革命政府启其天纵之谋，伟大之计，高瞻远瞩，竟抽烟赌杂税一千万元，成立一大规模之美术馆，而收罗三五千元一幅之腮惹纳、马梯是之画十大间（彼等之画一小时可作两幅）。为民脂民膏计，未见得就好过买来路货之吗啡海绿茵。徐悲鸿个人转移到披发山，再见等卑劣昏愧的，尽管黑暗的堕落。在任何情况下，需要打破时代的障碍，人们获得的工具，是对科学思想和科学写实主义的回声。

中西方传统绘画艺术的差异比较

中西方传统绘画艺术的差异比较 由于中西方在地理、历史、政治、经济、宗教、文化等各方面存在显著差异，在不同文化背景下发展起来的中西方传统绘画必然具有各自不同的美学思想和审美情趣，在创作方式和表现形式上有着根本的差异。 笔者认为可以从以下五个方面对中西方传统绘画的差异进行比较分析。 一、基于哲学与基于科学 中西绘画成长于不同的文化土壤中，中西方画家的宇宙观、世界观和审美观不同，必然形成各具特色的表现形式。如潘天寿先生所说：“东方绘画之基础，在哲理；西方绘画 之基础，在科学”。 中国绘画中的许多概念，如道、气、心、物、神、韵、意、虚、实等等，原属哲学范畴。中国传统绘画，尤其是文人画，是一种哲学化的艺术。儒、道、禅思想可以说是中国传统绘画的精神支柱。儒家思想在绘画上表现为：追求和谐美，主张不偏不倚，中和为美，强调含蓄。 老庄哲学崇尚“无为而为”，主张“天人合一”，道家思想促使文人画家们超然世外，隐 逸山林，在自然中追求天然之美，追求雅淡空灵的境界。禅宗认为一切事物皆因人的主观意识而存在，人只要静心自悟，无须修行，就可以觉悟。在中国文人画家看来，只有以虚静明澈的心灵去观照、感悟自然之美，才能达到“心物统一”、“天人合一”的最佳境界。 仅从中国画家对水墨的偏爱及画面留白的处理便可看出中国人追求的绘画趣味，和“见素抱朴”、“知白守黑”、“虚实相生”等哲学思想。 西方关于自然的传统观念与中国不同，认为人高于自然、强于自然，人是自然的统治者，可以随心所欲地改造自然、控制自然。这种意识反映在艺术中，就形成西方绘画中对自然形态的严格把握，一旦认识到某种规律是对自然的科学反映，就严格遵循它。 加之西方绘画的渊源是埃及、希腊的雕塑与建筑艺术，西方的传统画风，是在二维空间中描绘出圆雕式的立体对象，这种画特别注重透视法、解剖学和光影凹凸的晕染，画面具有立体感、真实性。 在追求真实的道路上，西方绘画一直以科学理性精神为支撑。自文艺复兴以来，西方画家将一切科学知识，包括透视学、解剖学、光学等用于艺术创作，力图达到立体空间的真实再现。 二、写意表现与写实再现

米罗的超现实主义绘画具有鲜明的个人风格

米罗的超现实主义绘画具有鲜明的个人风格：简略的形状、强调笔触的点法、精心安排的背景环境，奇思遐想、幽默趣味和清新的感觉。在米罗的画中，使观众不可抗拒的魔力到底是什么呢？是形吗？在他的画中没有什么形，而只有一些成份，一些形的胚胎，一些类似小孩子在墙上乱涂乱画的原始形状，类似原始人在山崖上刻下的标记。是色吗？米罗的颜色简单到只有几种基本色：蓝、朱、黄、绿，他精打细算地使用它们，可准确之极。米罗作画以漫不经心地笔画在画布上自由弯曲伸展游动，毫不考虑它们之间的相互关系以及空间深度的要求，血红色或古蓝色的各式形状，散布在深浅不同的背景上，大小相间着的黑点、黑团、黑块，像爆炸四溅的宇宙流星。这些假装漫不经心乱涂出来的稚拙形状，被脐带缠得乱七八糟的胚胎，似鬼魂、石珊瑚、活动的变形虫、各种乱针线，它们共同构成一个反复无常的滑稽世界，一个多彩多姿的梦幻世界。布雷东说：“米罗可能是我们所有人中最超现实主义的一个。” 没有什么特别的象征意义，画家充分地描绘了一种辉煌的梦幻形象。 米罗-加泰隆风景[1] 《加泰隆风景》中的幻想，虽然神秘但很生动。在画中，黄色和橙黄的两块平面，相交于一条曲线。猎人和猎物都画成几何的线条和形状。一些不可思议的物体散置在大地上，有些可以辨认，有些好像暗示海上的生物或显微镜下的生物。

米罗作品-《哈里昆的狂欢》[2] 米罗作品-《哈里昆的狂欢》，是第一幅超现实主义的图画：在一个奇特的空间逆转感。室内举行着狂热的集会，只有人类是悲哀的，那人带有颇为风雅的胡子，叼着长杆的烟斗，忧伤地凝视着观者。围绕着他的是各种各样的野兽、小动物、有机物，全都十分快活。没有什么特别的象征意义，画家充分地描绘了一种辉煌的梦幻形象。

论述东西方传统绘画材料的差异性

论述东西方传统绘画材料的差异性 冯光喜 首先，中西方的绘画工具材料不同，所以中国画用线造型，用色为墨，而 西方画用块面造型，用色为色彩。其次中西方思维方式不同，所以中国画注重 表现与写意，采用散点透视法，而西方画注重再现与写实，采用焦点透视法。 正因为上述特点，中西方绘画给人的感觉不同。 其次，中西方绘画用的工具材料不同。中国绘画所用的工具和材料是经过几千年的不断改进而定型的笔、墨、纸（绫、绢）、砚，俗称文房四宝。笔是 指经过精心制作的尖头毛笔，毛是从毛皮好的小动物身上,经过精心挑选而来的，一般有狼毫、羊毫、兼毫等；纸是指中国特有萱纸（有生熟两种,其中红五星净皮为最好），质地柔软晕化效果好；墨是指高级的油烟墨，不是一般墨水或任 何颜料可以代替的，它通过水可以分若干层次，有墨分五色之说，即枯、湿、浓、淡、焦；砚是指是用一种特有的石头制作而成的（其中以鸡血石最为名贵），专用来为磨墨的。西方绘画的工具和材料有笔、纸（布）、色、刀等。 笔是用鬃毛制成的平头的，象刷子，纸（布）都比较粗糙而且厚，有水彩纸、水粉纸、油画纸和油画布等,还有在经过处理过的麻袋布上作画；色是西方各种绘画的主要材料之一，它是通过色相和明度来分层,来表现事物形象的，一般有水粉、水彩、油画等色彩（指不同的画种使用不同的颜色，画油画就用油画颜色）；刀是画油画时专用来刮出特殊效果和处理脏颜色的工具。 中国绘画由于所用的笔是尖头，这就决定了是用线来造型。不过中国绘画 中的线是很有要求的，讲究曲直、粗细、浓淡、疏密等形态变化和组织得统一，以及笔法刚柔、轻重、疾徐等所形成的运动感和节奏感，体现出线条造型的艺 术美。如吴道子的《天王送子图》等古代人物画，特别是梁楷的《李白行吟图》通过潦潦几根线条就把诗仙李白那豪放的性格和才思横益的风度跃然纸上；而 西方绘画由于用的是平头笔，一笔下来是一片，这就决定了是用块面来造型， 它是利用色彩的色相、明度以及光的明暗表现客观形象，注重立体空间的真实 效果，如达芬奇的《最后的晚餐》的画面效果就是如此。

游戏与动漫美术设计的差异

游戏与动漫美术设计的差异 游戏与动漫美术设计的差异 现今计算机由一种硬件设备，逐渐发展到建筑、医疗、教育、娱乐等各个领域。这些领域中，又以电脑动画、影视特效、电子游戏 等现代娱乐业对于计算机的依赖尤为显著。从Web1.0的纯文字信息 流被动交互，到Web2.0的流媒体信息社交平台的主动式交互，应运 而生了网络游戏这一交互性的游戏体验，从小范围的各类农场型经 营游戏到大型的多人同时在线的MMORPG类，各种类型多种多样。 1网络游戏分类 “网络游戏，是指玩家必须通过互联网连接来进行多人游戏。网络游戏区别与单机游戏而言的，一般指由多名玩家通过计算机网络 在虚拟的环境下对人物角色及场景按照一定的规则进行操作以达到 娱乐和互动目的的游戏产品集合。”[1]简言之网络游戏其就是一种 软件，一种程序。既然是一种计算机程序，必定会受到计算机处理 能力以及网络带宽的限制。 (1)客户端游戏。 现在常见的网络游戏分为“客户端游戏”和“无端游戏”两种，其中“游戏客户端，是指游戏库客户使用端，相对于游戏服务端的 另一端，服务端是为游戏数据库服务的，而客户端就是游戏数据使 用端。几乎现在任游戏都有其客户端，用来连接服务端而为玩家服务。” (2)无端游戏。 “无端游戏，又称网页游戏(Webgame)Web游戏，简称页游。是 基于Web浏览器的网络在线多人互动游戏，无需下载客户端，只需 打开IE网页，10秒钟即可进入游戏，不存在机器配置不够的问题，最重要的是关闭或者切换极其方便，尤其适合上班族”。 (3)两种游戏区别。

两种游戏主要区别在于“客户端游戏”将大量的运行数据通过下载或是光盘、硬盘等载体拷贝到用户的电脑上，通过一个可执行文件，调动本地计算机上已有的各类可运行的资源，是最直观的，容量最大的多媒体资源。这些资源中第一便是美术资源，其次是音频资源，还有后台运行的各种程序代码、数值运算，将这些完整顺畅的呈现给用户。“无端游戏”是通过网络自身的带宽，直接在网络环境下运行所有的数据，如美术资源、序代码程、数值结构，全部是由在线的运算完成，完全依靠用户自身的网络环境来决定自身的用户体验。 2游戏美术设计与动漫美术设计 由于每个用户的电脑配置不同，网络环境也不同，想令大部分的用户实现便捷快速的体验，在游戏设计的初期便要对游戏资源进行优化，这些优化的重要部分就是美术资源的利用。游戏美术的'设计仍然属于美术设计这个范畴，与之最为接近的便是动漫设计。因为游戏与动漫一样有故事、世界观、角色、场景道具等的设计需求。所以，两者具有明显相同的特征，但由于制作工艺流程以及承载媒体的不同，两者又存在差异。 (1)游戏美术设计。 游戏美术设计特点及分类：游戏美术设计由于受众面较为单一，会有选择的忽略多样性题材。由于网络游戏的运营机制与传统动画行业的不同，多是通过用户充值来维持一款游戏的正常盈利，所以网络游戏的受众群多以有消费能力的年轻人或成年人为主。这部分消费群体通常没有充足的个人时间，且在紧张的工作之余，对于游戏等娱乐的需求多为简捷、快速的成长，在游戏世界中执行其中的任务而获得心理满足。在此前提下，游戏设计的风格便逐渐演变成比较单一的以迎合受众需求。与动漫领域相比，游戏只有两种较成熟的风格，一种是简单的休闲娱乐类，如各类的传统棋类牌类模拟和农场类经营型的在线游戏。其主要社交功能，多面向年龄层更高的用户和女性用户，因为这两者都是对操作不熟悉，不要求操作感以及需要快速成长机制的用户，这类游戏的美术风格，也是多以Q 版可爱，颜色清新的设计为主。其设计制作流程基本接近动漫美术