学会创造性观察——摄影中的设计、色彩和构图
学会创造性观察
学会创造性观察——摄影中的设计、色彩和构图
作 者： （美）彼得森，汤亚竹 译
出 版 社： 湖南美术出版社
出版时间： 2006-8-1
字 数： 80000
版 次： 1
页 数： 159
印刷时间： 2006-8-1
开 本：
印 次：
纸 张： 铜版纸
I S B N ： 9787535624734
包 装： 平装
创造性观察并非“无中生有”，而是善于发现。本书的目的就是引领摄影爱好者们以一种新的视角来观察世界，改掉坏习惯，杜绝一些平庸且毫无新意的作品的产生。作者布赖恩·彼得森的方法简单而且行之有效。他用这些方法对该书中的作品进行前后对比，遂一讲解，使读者更易消化理解。融会贯通，从而拍出比以往更好的作品来。
内容简介
本书的要点，拓宽视野，如何观察，广角、全帧鱼眼、街景变焦、摄远镜头和超近摄影。构图的六元素：线条、轮廓、形状、质感、图案、色彩。怎样构图，取景、黄金分割和三分法则、地平线、斜线、画中画、横幅与直幅、布置场景、打破规律。光的有关知识，光的利用、光的方向、光的色彩、多云和雨天的光。数码摄影的有关知识：优缺点、图像处理软件。如何成为一名出色的摄影师：职业要求、重要素质、挑战和超越、确定主题。
作者简介
布赖恩·彼得森是一名专业摄影师、国际著名摄影大师、畅销书作者。主要生活在美国和法国。申办2000年奥运会时，作者受中国政府邀请，拍摄了一组介绍北京风土人情的照片。申奥虽然没有成功。但作者对中国留下了非常美好的印象。
目录
前言
拓宽视野
如何观察
广角镜头
全帧鱼眼镜头
街景变焦镜头
摄远镜头
超近摄影
构图的元素
怎样拍出有冲击力的照片
线条
轮廓
形状
质感
图案
包彩
怎样构图
取景
黄金分割和三分法则
不要地甲线
止确使用三分法则
斜线
画中画
横幅与直幅
照片中的照片
安排拍撮主体
打破陈规旧律
光的魅力
自然光的利用
光的方向
光的色彩
多云和雨灭
数码摄影
数码摄影的长处和短处
图像处理软件
职业要求
什么最重要
不断挑战超越自我
确定主题
作者：布莱恩·彼得森
所有拍摄者都会考虑这样一个基本的问题：怎样才能拍出更好的照片？学会创造性观察便是我的回答。当然，我们大都会作一般意义上的“观察”，但影像若不经创造性视觉的处理，拍出的效果就很难具有动人心魄的意象。对于真正的创造性观察来说，你必须学会
承认并克服先入为主的成见与偏见。回忆一下某个特定的时刻，就会觉得有些日子里拍照比别的时候收获大，这是为什么？大概是你心理上较为放松，而且与其时的场景完全相融的缘故吧！要学会创造性观察，你还应了解照相机观察景物的方式。人的视觉具有从环境中抽象出图像的能力。而相机本身却不能做到这一点，所以你必须有意识地把它当作能产生出你的视觉效果的工具来使用。
我写此书的目的是指导读者怎样认识和避免导致照片平凡乏味的视觉上的先入之见，并帮助读者在自己的画面中获得一种或多种新的角度。书中有为数不少的成对照片，为学习从较复杂的场景中进行抽象思考提供视觉上的帮助。作为一名摄影家、我的追求是只用那些对表达心境或情感起着重要作用的部分场景来构图。你于本书看到的插图并不意味着要显示一种所谓的“正确的”方法去处理所有的被摄体，相反，每一插图只代表我所选择的阐释彼时彼景的方式。我愿与你共享我的思考与感受，希望它们能促使你无拘无束地展开创造性的想象之翅膀。
创造性，是任何好的照片所不可缺少的一个组成部分，可以说它是发明、想象、灵感和感觉的综合。不要错误地认为创造性无从做起，其实就像你学习怎么系鞋带穿衣服吃饭一样，创造性的各要素是能被学会的。我极愉快地注意到，开始时声称不能创造性观察的数百名学生，都已变成相机后面的“幻想家”了。
“构图要素”那一章要研究一下。你以后将会明白，在照片里，为什么一种形状比另一种形状包含有更多的重要性，为什么仔细构成的一些形态远比随便安排的效果要强。在这之前，你也应进行创造性的观察。注意我的有关分析照片要素的建议、照片要素的情感内涵及它们在给定的场景中所起的作用。利用本书中给出的练习反覆地努力，试着表现你自己独特的风格，将会提高你的自信心，甚至能引导你拍出更为出色的作品。
每一幅成功的作品都依赖于下面的一些可变因素：镜头，取景点、构图、光线和时间。虽然本书不是关于相机基本功能的初级读物，但还是包括了胶片、光圈级数和快门速度方面的内容，因为它们在创造性观察中起着一部分的作用。这些内容将用简明的语言，以足够的图解和练习，每次一个地加以论述。你可以根据自己的实际情况将这些内容作为学习的起点来处理。总之，要拍出好的作品，就需要运用这些内容，依靠你对它们的反应，在胶片上表现出强有力的效果，而不是靠什么具有魔力的秘诀。你应挑选镜头、取景点，以曝光为依据，决定色调范围；你应在“决
定性瞬间”按下快门。
有些人选择摄影作为他们情感表达的媒介，因为它是直观而又现实的，有些人选择它则是因为它具有成为艺术的可能性。然而，所有的摄影家重视他们的作品，是因为其作品凝住了特定地点或场合的宝贵的瞬间。看上去确无什么可拍时，不要归咎于糟糕的天气、质劣的光线或是污浊的被摄物。从取景器里看一下，再试着设想怎样开始创造性地观察。你读了本书之后，发现自己能找藉口出去拍摄，而不是为呆在屋里作辩解，则我认为这就是一种成功。亨利·戴维·索罗曾经说过：“问题不在于你看到了什么，而在于你观察到了什么。”
一、运用各种镜头拓展你的视觉
摄影是通过胶片重现你对生活的想象力的一种方法，但首先你必须发现镜头是怎样观察世界的，许多拍摄者没有弄清他们已经拥有并装在精致摄影包里随身携带的各种镜头的视觉特性。当你仔细观察一片风景，想拍点东西时，不要将你的镜头留在摄影包的角落里；若那样，就像探寻深埋的宝藏而不带地图一样。对于你周围世界隐藏着的影像，各种镜头都有各自的视觉表现途径。从你的摄影包里取出那些镜头，将它们装在照相机上，开始观察吧！
当你透过照相机取景器观察时，所见的场景取决于两个可变要素：你的视点，镜头的焦距。对于给定的被摄体，不同的焦距呈现出不同的观察方式。标准镜头的视角大约与人眼的视角相近。在同一相机位置使用广角镜头，将显现较大的场景，而被摄体比用标准镜头拍摄要小些。远摄镜头正好与广角镜头相反，它不是扩大视角的范围，而是对准场景的某一部分，使得被摄体比用标准镜头拍摄要显大些、靠近些，它还能压缩场景的景深。
对于35毫米照相机，焦距在15--35毫米之间的镜头是广角镜头，在45--58毫米之间的镜头是标准镜头，在70--500毫米之间或更长的镜头是远摄镜头。变焦镜头在单一设计中并入许多焦距，这样，你不必换装镜头或靠近被摄体就可改变影像的倍率。另外，现今生产的绝大多数变焦镜头都具有近摄功能，便于接近调焦。因为绝大多数变焦镜头的近摄功能都不能将影像的倍率增大到实物尺寸的1/15，所以变焦镜头不能算是真正的近摄镜头。
目前，变焦镜头大量供应市场。从24-50毫米的广角变焦、 35-70毫米的中焦变焦，到60-300毫米的远摄变焦镜头，应有尽有。可变焦距使得镜头较容易地拍摄画面。如果“较容易”被解释为摄影包里减少些重量，我同意。但如果它被解释为较大的创造性，则我不敢苟同。我一点儿也不认为某镜头将使某人成为一个较好的拍摄者。这就如
弗兰克·劳埃德·赖特是杰出的建筑师并不在于他使用的钢笔或铅笔，克劳德·莫奈是一个伟大的画家而不在于他使用的颜料或画笔一样。相机和镜头仅是让你在胶片上记录你想象力的工具。如果你不能充分想象一只标准镜头中对准的某些东西，那么10个别的镜头又有何用呢？
我拍摄之初，作为业余摄影者，只有一个标准镜头，装在哥哥的一台尼康F相机上。我带上它跑遍了整个乡村。这培养了我时而扒到低处、时而爬到高处而掌握了走近被摄体和改变视点的重要方法。很快，我就知道了我那50毫米镜头视野中的各个角落。我知道那个镜头的长处，也搞明白了它的缺陷。它的观察能力仅受到我的想象力的限制。
一年半以后，我花了几百美元，买了一只焦距为200毫米的镜头。立即开始一项新的视觉课题：我新拍的影像中的空间变成压缩的了，视角与景深都减小了，我学会了选择性调焦。最有用的一点也许是，我发现原来在远处的物体现在看上去近多了。我使用这一镜头拍了3个多月，而50毫米镜头在这期间一直闲着。此后不久，我每次开始观察画面时，这两只镜头提供的视觉就成了我的一大部分。我首先用50毫米镜头拍摄风景，然后再用长焦镜头从风景中摄取抽象的部分。
后来，大概是3年以后，我买了个广角镜头。当我第一次带着 24毫米广角镜头外出在森林里转悠时，内心充满了激动与惊异之情。树弯曲了，前景中的蘑菇显得巨大无比，还能将远处的瀑布和河岸包括在同一画面里。我很快就发现广角镜头非常像50毫米的镜头——它们对拍摄风景都极为有用，但都要求前景有重要物体以产生比例和透视感。
基于我自己早期的经验，我为学习怎样观察总结丁一种摄影练习，叫做“全力投入法”。在连续3天中，我建议你每天从日出到日落至少要拍5卷胶片。无论你选择自家的房子、海边、树林，还是城市来从事这一活动，都无甚区别，但你不能携带一个以上的镜头。第一天，我建议你只用50毫米镜头；第二天用广角的；最后用远摄镜头。有了这种镜头上的分类，整天只用一只镜头拍摄，一开始可能会感到有些焦躁，然而，我敢保证，你将学到重要的一课：更多地用镜头的“眼睛”去观察被摄体，而不是用你自己的眼睛。这一练习的目的是让你熟悉每一镜头的观察力，以便你能够仔细观察一个场景，并立即选择正确的镜头去拍摄那些迅速跃入你的脑海的画面。
提醒你自己，凡是你的手脚能带你去的地方，你都能够到达，从不寻常的视点探索你的被摄体。避免任何东西都在站立的视平线上拍摄，相反，有时要蹲下、爬到树
上、卧下，或翻过身来对着天空的被摄体拍摄。走近被摄体，然后逐渐往后退，观察背景是怎样变化的。当用不同的视点和镜头实验时，你将发现操纵前景或改变画面中物体之间尺寸关系的许多方法。
释放出你的好奇心，让它翱翔于各种新的透视中。海鸥在高空是怎样观看海岸线的？老鼠透过高高的蒿草窥视到的是什么？在赛马场，穿行于牛仔长靴间的狗看到的是什么？不要忽视了来自无生命物体的有利地点的透视——壁炉里的木头怎样观看卧室？视点的选择取决于你的想象力，当你用新鲜的、不平常的透视组织画面时，观者就会情不自禁地注目细赏。
好的摄影观察应能激起将经验与无知相结合的兴趣。你必须知道镜头的观察能力是什么。除此之外，你必须乐于注意你周围的各种视觉要素。对于熟悉的被摄体，冒险使用一种新的方法可以成功，也不一定成功，但只有试着用新的方法而不必计较成败，才是拍出好照片的唯一道路。
1、广角镜头
有大量的风光拍摄者爱好广角镜头，因为它具有广阔的视觉范围和巨大的景深。但它不断从一些业余拍摄者那里带来糟糕的废片。
我最经常听到的报怨是：广角镜头“总是在画面中获得太多的要素”。这一点严格说来正是我欣赏这些镜头的原因。
我喜好广角镜头带入画框中的广泛素材。与一般的观点相反，所有的那些“要素”，给操纵和强调所要选择的物体留下了余地。通过仔细选择视点，我可以毫无问题地控制画面要素，妙诀是注意取景器中的影像。你必须学会观察镜头中真实地提供给你的每一个东西。
另外，广角镜头将较多的物体纳入画框，增加了物体间的距离感。最靠前面的前景尺寸与背景之间的关系能被极大地夸张，从而能增强观者的参与感。还有，它在构图中给你提供了许多行动上的余地。尽管广角镜头一般与风光摄影联系在一起，但它也能拍出不平常的特写影像，这一运用千万不要忽视了。真正的广角为15—21毫米，受变形的影响最大，基于这一原因，它常常被专用于拍摄无生命的物体。较适中的24—35毫米广角用于较一般的目的。但选择镜头没有硬性法则。让你的想象力命令你的选择吧。 （参见插页田13—21）
2．标准镜头
为什么45-58毫米镜头不断地拍出坏照片？表面原因是它的视角“如此令人讨厌”。不像广角镜头有那么宽广的视野，也不像远摄镜头有那么拉近的力量，标准镜头“只能使每一个东西看上去让人厌烦”，有这么些人认为。这类思考表明了，一旦你获得了它，就应返回当地相机店买第二只镜头（通常是一只远摄镜头），那是
因为“假如你真心要拍摄杰作的话！”我是断然不能同意的，此种逻辑给人的感觉就像一个刚领取驾驶执照一个星期的小孩在印第安那波利斯500cc摩托赛道上进行比赛一样。我建议你把标准镜头看作初学者的许可证。在它的视角后面度过一大段充满生机的时间之后，再考虑购买另一只镜头。
我的情况是，用标准镜头的训练期为18个月，然而在那段时间里，拍摄好的画面并不费神。当然，其间有挫折，但那种挫折推进了许多视觉上的突破。一旦用尽了画面的全部可能性，我就被迫去改革创新。不久我发现了接近被摄体的价值、改变视点的价值、在清晨和傍晚拍摄的价值。最重要的，我学会了仔细鉴赏已拍好的作品。因为我别无选择！
3．远摄镜头
每一个买了远摄镜头的拍摄者都会很快发现，它的最明显的特征是能够将远处的难于接近的物体的影像拍大。同样重要的是狭窄的视角，它使远摄镜头具有减去视觉杂乱物的能力，使得一个被摄体呼之欲出。相对而论，广角镜头擅长于记录相机前头全部的场景要素，而远摄镜头接触到同一场景时，则使眼睛停留的某一细节变得明晰。
变焦远摄镜头享有越来越高的声望，因为它们用于拍摄人物肖像、玩耍中的孩子、地方运动会、甚至动物园里的动物等都很理想。由于镜头设计的极大进展，许多这类镜头提供了非常好的清晰度。另外，许多变焦远摄镜头都具有近摄功能，允许你拍摄像花上蜜蜂这类题材的特写镜头。
目前，大部分远摄变焦镜头不是70-200毫米的，就是80-200毫米的。然而，有几个生产厂家现已经推出60-300毫米的镜头。就个人而言，我赞赏这种处理，因为我知道200-300毫米之间的范围可以成10倍地增加拍摄者的拍摄机会。尽管这一范围内的所有远摄变焦镜头的尺寸和重量都是适中的，但在许多情况下使用三脚架仍是必需的。我建议你采纳这一规则：快门速度的倒数低于焦距的长度时，决不手持镜头曝光。例如，如果你使用200毫米的镜头，当快门速度不低于1/250秒时，则可完全保证手持拍摄的影像是清晰的。对于一个远摄变焦镜头，即使你用较短的焦距来拍摄，也必须总是以其焦距的最大值来确定快门速度，这是因为镜头的全长和重量并没变化。当快门速度低于建议的手持速度时，只要一只单脚架或稳固的支撑物就足够了。趴在地上、用小豆包垫、或用双肘撑稳也同样有效。不过，要在你的画面中获得高品质的影像，三脚架是真正最好的支撑体。
远摄镜头的两个不同寻常的特性是其特有的浅景深和压缩场景中物体间相对位置的能力，与此相关联的是产生一种空间
拥挤的效果。你可以注意到，假如你用一个变焦镜头的较短焦距框取一个给定的被摄体，出现的背景比严格地用较长部分的焦距框取要可辨认得多。根据较长一端缺少景深这一点，有经验的拍摄者常挑选远摄范围对主体进行选择性调焦。把大的光圈开度和巧妙利用构图中前景元素相结合，能使前景成为被聚焦的主体周围的虚焦形状、颜色或色调。这是一种非常有用的构图技巧，能够更加有力地把注意力吸引到被聚焦的主体上来。另外，远摄镜头压缩空间的能力——我把它叫做“堆积”，有绝妙的用处。远摄镜头不仅将物体向你拉近，也使它们互相压紧。焦距范围在400-2000毫米之间的超级远摄镜头很少有业余拍摄者使用，这倒不是因为用它们没有乐趣，而是因为它们太贵了。一个相机生产厂家卖它的400毫米F3.5的镜头标价2700美元，而600毫米F4镜头的价格则几乎多出一倍！有多少渴望拥有者在器材商店外面转悠的？显然，这些镜头是有用的，但它们绝大部分专用于职业摄影家，特别是体育和动物摄影专家。
4.近摄和特写镜头
或迟或早，大多数拍摄者要发展到从特写的视点观察世界的创作阶段。通过生产大量的各种不同的变焦镜头(大部分包括近摄或特写功能)、特写滤光镜、近摄转换器、伸长套筒和真正的微距镜头，照相工业满足了这种愿望。这些设备，可以让拍摄者在我们这个大千世界中无处不在的许多“小宇宙”中探索。这些视觉旅行常常使拍摄者如此地接近被摄体，以至于现实世界消失了，而一个由几何要素构成的世界呈现在眼前。
因为特写摄影为构图提供了这么多的可能性，所以这种创作消除了拍摄者的共同报怨：“今天没任何东西可拍！”蚂蚁寻觅食物是一个适宜的比喻。每天，蚂蚁冒险出穴，搜寻食物。当它返回时，尽管它所走的路程很少多于15英尺，但却能满载而归。一个拍摄者用一个特写镜头瞄准同一块地方，同样能够从那儿满获战果而返。对于微距镜头和蚂蚁来说，世界同是一个极大的场所。
特写摄影牵扯到许多不同寻常的照相机位置，诸如跪着或趴下找视点，当你在野外拍摄自然物时，尤其要这样。一个新增的问题是，在近距离调焦时，即使光圈设定于f／22，景深也是非常浅的。对景深范围起补偿作用的唯一方法，就是尽量使胶片平面与被摄体保持平行。这样，才有可能保证影像最明晰。使用三脚架，除了稳定照相机，还能使镜头很容易地与特写物体保持平行。
二、构图要素
哪种照片最能控制注意力？通常是那些用最简洁的方法构图的包含普通被摄体的作品。成功的作品要求主题或观
念单一，而且画面安排上要除去杂乱物。这种强有力的构图与业余拍摄者拍摄的大部分照片形成强烈的对比。业余拍摄者在匆忙中记录的影像，画面中往往存在太多的趣味中心，所得到的混乱的画面分散了观者不安定的目光，易使它们另寻视觉上的舒适。
拍摄者运用的视觉要素是：线条、形状、形态、质感、图案和颜色。一幅照片至少要包含其中的一种。不论何种被摄体，这些要素(特别是其中的线条、形状和颜色)都具有象征的价值。它们能够被感受成硬的、软的，友好的、敌意的，强的、弱的，积极的、消极的。很多时候，你会在无意中随意地观看和使用这些要素。你的记忆和经验影响到你对各种视觉要素的感受性，而这进一步影响到你在构图中怎样使用它们。
我乐于推荐一种练习，训练你观察各种构图要素的有意识思考及使用构图要素的方法。我想你将发现这一方法很具启发性。这里要说明的是，我并不一般地介绍那种将注意力集中到视觉主题上的练习，因为拍摄者应避免构图上的令人乏味的先入之见。如果有这种固执于一点的想法，仅仅将注意力对准于一种视觉要素，则容易阻碍对全部影像的感受。而下面的练习，是通过你熟知的自己视觉上的先入之见——你的优势也是你的弱点，来提高你的构图能力的。
首先，将你的75幅作品(最好是画面中没有人物的)聚合在一起，把它们放在一边，另取一张打印纸，在上面画出6栏。在每一栏的顶端列出线条、形状、形态、质感、图案、颜色中的一种。现在，开始用批评的眼光，一张接着一张地观看你的作品。仔细地分析每一张，并在栏目里将控制构图效果的要素相应地做上标记。看完75张之后，注意哪一栏的标记最多(至少有一栏的标记比别的栏里多)。有意无意的，我们都爱好特定的构图要素。作品的内容和布局显现了你的某些精神，也即你拍摄作品的缘由流露于你自身的情感和反应，而不是简单地来自复制别人风格的外在企图。
看看哪一栏的标记最少？注意那些得分最低的要素，然后在下一次机会中，带着认明和突现这些构图要素的目的，抓起相机，走出室外。只带上远摄或长变焦镜头。这些镜头减少了透视，能够加强视觉设计效果，因为景深被削减了。像前面已经讨论过的，远摄镜头的视角也窄，能够除去周围的杂物，让你聚焦于你所要强调的特殊视觉要素。
1．线条
线条在我们身边到处都是，给我们的生活以方向。有些线条，例如通向外婆家的路，把我们引导向一些美妙的东西。其它的，例如通向安全地带的路，引导我们远离危险。线条可引起各
种情感反应，例如，坐在长长的交通线上是令人不安的，而你的手掌上有一条长长的生命线却是令人愉快的。线条能够象征智慧和经验（“银发老人那饱经风霜的脸上，无数的皱纹象征着智慧与经验。”）。锯齿状线条能够象征恐惧（“小心打碎的窗玻璃！”），或者它能够象征强大的力量(“哇！昨晚那电闪雷鸣，你注意到没有？”)。曲线代表自然、风、水、人体以及上帝的创造物。一个线条具有的方向决定了它的象征性。水平线条暗示平静，因此被看作最平稳的(“从船头到远处的地平线，洋面一片宁静。”)。高傲和高尚的情感显现于垂直线条。假如你强烈地感到自己充满信念，用传统的哲言可称你为“站得高、站得稳”。斜线不像水平线那样子稳，也不像垂直线那样高大，但它引起运动或速度感。例如，斜靠在一间屋上的梯子是一种用于上下运动的工具。线条也有视觉上的重量，粗线条比细线条象征的力量要大。知道了线条传达的隐含着的信息，能使你操纵一张照片给予观者的情感影响力。
2.形状
形状比形态、质感、图案重要一些，因为它是识别对象的首要要素。你可以认为你闻到了香郁的玫瑰，但没有真正地看到它的形状之前，你不能够断然地识别它。你可以从收音机中听到一种性感的声音，但除非你看见说话者其人，谁知他或她看上去是否性感？
恐怖影片常常挑起我们对于未注意到的形体的焦急心情，大都有模式化的脚本，例如：约翰和琼·多伊与他们的孩子在“大街”区过着平和安宁的日子，但有一天一个怪物开始去恐吓他们。不久警察被叫来，接着有趣的情节便开始了。警察手中拿着记录本，站在起居室里，问这一家：“你们谁能给我描绘一下这个家伙？它是高的、还是矮的？胖的、还是瘦的？圆乎乎的、还是壮实实的？”(所有这些都是有关形状的询问。)这一家人的回答是一致的。“我们没有真切地看到它。但我闻到了它，”一位小多伊说，“它闻起来像一条阴沟。”多伊夫人则说，“我听到它发出咕噜的，呻吟的尖锐声响。”多伊先生说：“它在黑暗的过道里轻轻碰了我一下。我感觉到了它那污秽的、粗糙的外表。”另一位小多伊说：“当它冲出后门时，我瞥见它的蓝紫袍后背。”既然没一个人看清这个怪物，警察记下的描述只能是：怪物穿着蓝紫袍、闻起来像阴沟、感觉到像在凡士林里浸过的粗糙的砂纸！观众也盼着捕住怪物，因为看清它的形状最终将使每个观众的焦急情绪缓和下来。这也许是创作一个成功的恐怖片续集之所以那么难的原因，因为观众已经知道怪物的形状了，这样，再操纵他们
的心理就不大容易了。
没有线条就不可能有形状，因为简单说来形状就是围起来的线条。正方形和长方形是由四条线围起的形状，这些线条引起一种稳定感。它们象征人造的世界。三角形是由三条线围成的。在桥上和框形结构中，最有力的支撑体便是由连接成三角形状的梁制成的。三角形构图回响着这种力量。联想到高山和大金字塔，三角形产生一种永恒、耐力、重量和统治的感觉。但假如你把三角形顶端翻转朝下，注意情绪是怎样变化的，图形的重量由细小的一个点支撑，三角形的寓意变化为不稳定、轻微、无常和低下。
弯曲的形状，例如字母s，产生一种微妙的运动、生长和平静感，用来象征水、植物的生长和音乐。字母“SSSSSSSSSS”比生硬、有棱角的字母“VVVVVVVVVV”要安静，平和得多。当曲线自身开始往回运动时，螺旋状和圆形就会出现。圆是一条与一个中心点永远保持相同距离的平面运动曲线。艺术和自然中所有的宇宙象征物、都没有圆形那么有力。它象征太阳、月亮、地球及所有的行星，它引起一种圆满、普遍、心理上的整体和温暖的感情。通过提供一个中心力，圆产生一种使构图统一的令人满意的整体感。
当你拍摄一幅主要依靠形状的照片时，有几个问题要记住。首先，顺光或逆光照射时，形状显得最清楚。再者，形状和它周围的物体之间应有强反差。如果你想拍摄剪影，记住在日出、日落的前后几分钟里，逆光中的被摄体的形状和质感消失了，而只有对着天空的纯粹的轮廓和侧影可以见到。剪影是形状中最纯粹的，所以，作为被摄体，剪影无疑是最一般的形状。
3．形态
形态最纯粹的状态是侧光照射下的形状。侧光下的形状的明暗区之间的反差，给它们以形态。基本地，具有形态的被摄体看上去是三维空间的，而形状只是二维的。形态使我们确信某一物体具有深度，而且存在于现实世界。因为形态依靠光影来产生深度，所以在晴空下拍摄它们最好。
正方形、长方形、三角形和圆引起不同的情感反应，当这些形状被拍成形态的时候，它们的信息被扩展了。圆的，弯曲的形状代表整体，然而当它们作为侧光下的形状时，则经常与人体的某部分相似，并引起肉感。长方形、正方形和三角形是边框生硬的形状，而给它们以形态时，它们则暗示一种人造的世界。除了三角形的山顶，这些形态在自然界中很少看到。边框生硬的形态．被译解为进取、果断、严格，而像人体器官的形态则感到较平静、较轻、较自由流畅。
4.质感
即使你没有从自行车上摔下过，但想象到双手和面部从人行道上
蹭过去，仍会使你毛骨悚然。引起质感，或者说感受物体表面的方法，是唤起往昔记忆的一种强有力的刺激。所以，当质感在一幅作品中起决定性作用时，画面将引起观者高度的反应。作为新生的婴儿，我们绝大多数人远在其它感觉之前就已发现到质感了。在我们幼年时期，会趁妈妈没看见时，体验富有质感的满手的泥、草、纸、布、锯屑、干燥的狗食等。其中的一些质感上的感受是令人愉快的，而另一些则相反。我们学会去喜爱柔和、光滑和发亮的东西。而避开不平的、粗糙的凸凹的物表。当我们长大以后，这些关于质感的知觉被我们每日言语中发现到的大量的肯定或否定性形容词所加强。例如，一位女性“柔和的”声调可以引起美妙的情感，而一位男性的“如碎石般的”声调则可以引起挑衅性的感觉。一位“硬”着鼻子的经理很少赢得雇员的爱戴，而那种谈话“平和的”经理则常常能做到这一点。“敏捷的”裁缝“剪”出好的尺寸。“枯燥的”出版物和“乏味的”电影不能给我们留下深刻的印象，而仅能在我们的意识中“产生—点点痕迹”。
有许多有效的运用质感的方法。例如，你可以趴在一个沙砾或碎石覆盖的湖边，用广角镜头，使前景充满了粒粒可见的碎石，这样，得到的画面将立即使观者产生触摸的感觉。假如用碎玻璃、凸凹的岩石或者厨房水槽里的肥皂泡来填满一个画框，你将重新唤起观者自己对这些东西的质感的感受。照亮被摄体的方式在表现它的质感方面起着主要的作用。对于需要强烈表现的物表质感来说，运用侧光无疑是一种最好的技巧。
5．图案
当线条、形状、形态、质感或多或少地以有规则的间隔不断重复时，就产生了图案。从房顶上向下看，你可以看到排满停车场的小车形成的图案。穿过日杂食品店的通道，常常呈现堆放于架子上的罐装食品的图案。当单一构图要素被重复成图案时，它所产生的无论何种情感反应都是增殖了的。可以说，图案扩大了它的要素的象征性，增加了画面的容量感。人们通常着迷于这种重复，许多艺术，如诗歌和音乐，非常依赖重复。无疑，我们也被美景组成的图案所吸引，它们给我们提供的秩序感令人格外地舒服，即使它们的内容是易伤人的刀叉之类。
注意构图是重要的，而当显示图案是你的唯一目的时，则必须用图案填满整个画框。用近摄或远摄镜头能帮助你将秩序纳入构图中，因为这两种镜头将减小景深，因而压缩了透视感。如果你用广角镜头，则必须选择一个使相机里的胶片平面与被摄体保持平行的视点，否则，前景的图案尺寸将大于背景中的，得
到一种从观者面前逐渐后退的视觉效果，从而减小了情感的冲击力。
三、摄影力作的构成
眼睛和大脑之间的奇妙关系是彼此刺激，看上去二者总是保持一种运动状态。无论何时你盯着一个固定点，你的眼睛都会扫瞄一下它周围的区域，在视网膜上形成一个变化着的图形以供你的大脑去诠释。观看整个画面，当目光捕捉到最有趣味的地方时，便会极度地闪烁。为什么一幅照片能够长时间地吸引你，而另一幅照片只能引起你短瞬的一瞥？一些拍摄者说拍一幅引人注目的照片取决于恰当的光圈级数、曝光量或镜头的使用，而且你能经常听说成功来自恰当主题的发现。这些方面对于拍摄成功的影像都是重要的。然而，拍摄有力照片的唯一方法就是设计一种恰当的画面构成。没有它，一幅照片的冲击力将被削减或消失掉，无论被摄体本身是多么的富有刺激性。
不管是视觉上还是心理上，人类都需求秩序感。这是最基本的自然法则和视知觉的格式塔学派强调的方面。在日常生活中，你安排自己的时间、财产和核对帐目，一旦它们混乱了，你就会感到不安。优美的书籍、音乐和照片也依赖秩序感，其中所含有的要素不必多，能表达出艺术家所确定的主题、旋律或倾向就足够了。
构图的两个主要原则是简洁和张力。简化照片的视觉要素有助于观者判断主题。如果你用清楚而简明的方法将被摄体安排在画框里，则很容易做到简洁化。张力来自于画面中各种视觉要素间的相互作用，使画面产生自己的调子，形成一种趣味。例如，一幅照片可以具有温柔、果断或是有力的调子，这要看其中的要素是怎样安排的，彼此间是怎样平衡的。
在照片中做到简洁的途径有哪些？最一般的方法就是走近你的拍摄对象。经常地，一幅照片没拍好，原因在于画框中的主体太小了。类似的道理，当你站在充满人群的大厅后面，就很难听清演说者的声音。同样，当你没有足够地接近拍摄对象时，等于把观者拒绝于照片之外，因此，应多向被摄体接近些，观察画框的四边是怎样删除影响主体的多余物的。
更换镜头是在构图中带来秩序感的另一种方法。因为远摄镜头的视角狭窄，所以它是削除杂乱物的最好的镜头，而它将被摄体拉近的特性能加强主体的重要性。另外，通过大光圈时的浅景深，远摄镜头可将分散注意力的背景转变成单色的背景。相对地，广角镜头对于展现较大的场景则是可取的。尽管广角镜头很少用于单一物体的构图，但当构图讲述一个全景故事时，使用广角镜头是非常理想的。
改变视点也能提高构图的简洁性。低于被摄
体的视点可增加前景物的尺寸和重要性。另外，简单地改变一下视点，你就可以将画面中不必要的部分隐去或将它们消没于背景之中。
运用选择性调焦意味着选择一个允许你通过巨大前景调焦的视点。这一技巧，包括使用较大的镜头光圈开度，使前景虚焦，从而使主体得到更多的强调。选择性调焦在高反差的情形下(如明亮和晦暗区域、阳光和阴影之间)运用效果最佳。选择比主体暗一些的背景，并以主体确定曝光量，结果是背景被弱化，把强调全部移到主体上来。
我们的世界是快速前进的，而且在不停地变化着。日复一日，我们的大脑逐渐形成了自动提炼信息的机能。我们对特定的刺激物作出实际反应的同时，我们本能地阻止无效的信息输入大脑。但照相机却不能提炼信息，无论选择何种被摄体，它都将画框里主体周围的一切记录下来。那么多业余爱好者拍摄的照片没有吸引力、画面杂乱，原因就在这里。既然没有人爱看杂乱的画面，这类照片当然要被扔进废纸篓，而难以步入成功的行列。
要想改进照片的质量，你就得敏感地注意到你是怎样组织被摄体的。请你默记这一句话：“按下快门之前，我要检查一下画框的四角，确保只让有关的被摄体留在画面里。”也许它对于你探究新的构图是有所帮助的。按此去做，十有八九，你将有意识地发现到：你需要移近或退远些，蹲低或爬高些，向左转转或向右转转，或是更换镜头。这些就是你——拍摄者，能够做到的全部选择。真正的观察不是照相机的功能——照相机仅仅是一种透视被摄物的工具。怎样有意识地将被摄物安排在胶片上，才是留待你去做的一种创造性活动。
1、填满画框
改善构图的方法有许多种，用主体来填满画框便是其中的一种。因为，用这种方法将给主体以更多的强调。不论你接近主体还是换装远摄镜头，都可以使主体物在画面中起主导作用。这样，在观者的心目中必然会明了你的意图。
假如你浏览一下自己的照相薄或是幻灯资料，可以发现许多画面与你按快门时所想象的不符。一般来说，这是因为你没有足够地接近拍摄主体。你的意图可能是明显的，但当主体太小时，它在构图中就会受到影响，所得到的画面不一定能够向观者显现出你的主观倾向。许多拍摄者为这种不好的照片作辩解，因为它们是“快照”。但当你知道了自己真正的目的是去捕捉住主体的一些本质方面，并向观者表达你的情感时，你为何要作这种辩解？
远摄镜头特别适合于拍摄人物，尤其是拍摄儿童，部分原因是这些镜头能将拍摄对象拉近相机焦平面而不干扰被
摄者的心理状态。而且，远摄镜头变平的透视感很能美化面部细节，故而有时候它被当作肖像镜头来使用。
拍摄风光时，杂乱的构图也可能是个问题。大多数风光照片是用标准或广角镜头拍摄的。这些镜头具有较大的视角，与远摄镜头相反，它们允许较多的杂乱物进入画幅。因此，当你用视角较大的镜头拍摄时，要充分地注意进入取景器中的每一个东西。我的劝告是，拍摄风光应慢慢来！它不像抓拍小孩或是动体摄影，应是愉悦的、放松的，很少要求瞬间性思考。所以，你不必催促自己去拍摄那种构图平平的令人生厌的照片。
2、显现地平线
风光一直是许多拍摄者表现的一般性题材。缅因州海岸的日出和毛伊岛沙滩上的落日是诱人的。虽然这类风光美丽无比，但优秀的构图却不多见。其原因可归于镜头、视点甚至时间和季节的选择不当，但风光照片经常拍坏的真正原因是缺少强调。在所有杰出的作品中，对于成功的构图来说，在风光中清楚地显现你的中心点是至关重要的。
大部分风光照片都包含地平线。当地平线在画面安排中横穿画框的中部时，观者的兴趣被分开了，这是业余拍摄者易犯的一种典型的错误。除非场景的一部分具有较大的分量——如太阳与天空或大海与陆地，否则观者对画面中不明确的表达的反应将是矛盾的。如果你对画面中什么是重要的不作选择，那你怎能期待着观者理解你要表达的是什么呢？
古希腊的艺术家为在风光画面中实现平衡和强调，找到了一种解决办法，这种技巧后来到中世纪时已被艺术家所熟知，现今常常被称作三等份规则。这一艺术理论认为，使用高的或低的地平线可使风光画面充满生机。在风光照片中分析这种三等份规则的效果时，你很难反对其观点。当强调点位于画框上面的三分之二处或下面的三分之二处时，观者的视线被更多地引向你在画面中决定的最重要的主体物。
对于你的风光摄影来说，要决定在场景的某一部分获取最大的分量，运用这种三等份规则是一种简单的方法。把三等份规则看作是把空间分割成水平的两部分，则一部分的宽度大约是另一部分的两倍。因为你对一个物体区域的重要性的反应基于其尺寸的大小，因而你会自然地将更多的重要性分配到较宽的部分。假如一个画面的视觉中心在地平线下面，则高的地平线位置是令人满意的。而当画面中的视觉趣味中心在地平线上方，则将地干线放在画框的低处是合适的，例如，当你想聚焦于天空中的某一物时。
3、竖幅和横幅画面的选择
也许是相机横握时较舒服，也许是相机平放时取景器里的
信息显示容易看清，不论何种原因—，许多拍摄者因“横幅主义”或是有横幅构图的癖好而遭受损失。我不是说使用这种形式不好，而是说竖幅构图的机会与横幅构图的机会一样多，不可忽视之。假如把这两种画框设想为中空的长方形，让你任选一种躺在里面，你将选择哪一种？无疑是横向的长方形，因为它为伸展和放松提供了较多的空间。相反，假如你想在两种长方形中任选一种站在里面，你又愿选择哪一种呢？当然是竖向的长方形，因为它在你头顶和边框之间留出了较多的空间。
就情感而论，横向画幅引起安宁、平静的感觉，正如水平线条所起的作用一样。相对地，竖幅画面引起高傲和高尚的情感。经常地，被摄体完全可以用这两种形式构图，各自会显现出不同的情感。我常常发现用两种方法拍摄同一主体是重要的，因为我要向各种客户出售我的作品。有些客户只要竖幅的，例如，用于杂志封面的。无论我那些横幅画面怎样奇妙，它们就是不适用于大多数杂志的封面。
你无论何时安排画面，都应用恰当的画幅形式，将注意力最大限度地吸引到你的被摄主体上来。当你研究每一个新的机会时，自问一下：给定的主体是否完全可以用两种方法拍摄？当你身处拍摄场所时，也许设有太多的时间去作出决定，用两种方法观看了被摄体之后，若你没把握用哪种方法更好，则干脆将两种方法都用上。我多年来学得的道理是：与痛失一个美好的画面相比，胶片那点消耗是非常非常便宜的。
4、倾斜视点
斜置照相机，将所拍的主体记录成倾斜状，是在画面中引入速度感、运动感和行为感的一种途径。像我在前面已经说过的那样，横向线条暗示平稳，竖向线条暗示高傲，而斜向线条则可暗示行为。例如，若你看到漆房者的梯子放在草地上，你会假定他尚未开始刷漆，或是任务刚刚完成。如果梯子仍斜靠在建筑物上，你则会假定他正在刷漆过程之中，这是因为斜线暗含一种未完成的行为。飞机起飞，向着天空斜向运动是又一个极好的例子。一旦飞机达到其耗油最少的飞行高度，它就水平地飞行。如果你曾飞行过，会感受到，斜向上升与较平稳、较安静的横向飞行方式相比，具有非常强大的力量。
这本书中的许多照片的冲击力要归功于斜向构图。无论是寻找斜向的主体还是审慎地安置相机的位子以记录下强有力的倾斜线条，这些作品都充满了行为、成长、运动或速度。假如真像我的同辈所认为的那样，我的摄影是自己心理的外在表现的话，则我希望在我的这么多的作品中所反映的成长和速度，也同样能发生于我本人身上。
从较
大的场景中摄取的生动细节一般能够产生最好的斜向构图。有意地倾斜视点在风光摄影、完整的建筑摄影或人物摄影中很少有效果。观察一个斜向出现的世界会导致观者对拍摄者的严肃性产生怀疑，但当倾斜的视点用于孤立的细节时，你会发现有大量的框取画面的机会。
5、框取影像
在风光摄影中极常见到的是透过垂悬的树枝而看到的场景。这种方式被经常地使用，但它仍然有效。用这种方法框取影像可限止视野，将注意力集中到主体物上。这也是产生透视的最简单的途径，因为它总是给画面带来一种纵深感。你用远摄镜头透过前景调焦，很容易框取影像，因此可以使前景虚焦而将观者的注意力直接引向远离相机的被聚焦的物体。当然，前景画框不一定非要虚焦不可，你可以使它聚焦，以清楚地描绘出照片的边沿轮廓。
6、拍摄剪影
对于业余拍摄者来说，也许没有比产生一个较好的剪影构图更令人满意的了。一个纯净的、能使人认清的形状，能使观者自由地展开无拘的想象力，而不受质感或颜色的干预。当被摄体处于逆光，且照相机的曝光表专门对着背景的光线而确定曝光值时，剪影通常就会出现。这些条件确保逆光前的所有物体都能表现成剪影。
剪影很容易产生，但如果它们重叠在一起的话，胶片上得到的结果将是黯然失色的。在商界，两个公司合到一起变成一个是好事，但这种情况很少适用于摄影中的剪影。你像测光表一样地思考就可避免令人困扰的重叠。人的眼睛能够应付巨大的明暗范围，而相机的测光表和胶片却受到限制，只能记录照亮区域相当窄的一段范围。当画面中一些东西的光影超过了加或减两级曝光量的范围时，要么你得到准确的阴影曝光而冲掉高光部分，要么你得到准确的高光曝光而使阴影部分数级曝光不足或全黑。
因此，当你从取景器中观察时，要提醒自己，如果你对着强烈的逆光曝光，则逆光前的所有物体都将变成黑色的形状；也要提醒自己，保持一个有利的地点，不致使物体之间互相重叠。否则，在最终的画面中，各种剪影状态的被摄体之间将产生难看的重叠物。不让你的眼睛被光亮情景所迷惑，而是像测光表一样地观察，就能使你成功地见到剪影状的构图在胶片上将出现怎样的效果。
7、打破规则
将被摄主体放在中央会产生一种静止感，并使观者感到不安。不要使地平线穿过画框的中部，因为这样得到的画面将缺少强调。不管你怎样处理，都要永远记住用被摄体填满画框！”像生活中许多别的规则一样，这些构图规则有意地使你保持规矩老实，但固守它们并不能确
保杰作的诞生，按着规则行事，你会得到满意的构图，然而，正如一个迷途者在森林中偏离一条寻常的小路，而发现了一个隐藏着的瀑布使他高兴一样，如果你欣然打破规则的话，定能得到有益的发现。
四、明了你的曝光选择
用于35毫米照相机的胶片有10多种。这么多的胶片类型有时令人眼花缭乱，不知该用哪种拍摄动体、弱光情景、特写、人像才好。感光度在ISO50至100之间的胶片，对于大部分拍摄需要来说，其速度是足够快的了，而且它们比感光度较高的胶片 (ISO200-1600)具有更丰富的色彩、更细的颗粒和更高的清晰度。
一些拍摄者主张不用慢速胶片，因为它无论走到哪儿都要配带一个累赘的三脚架。我发现不想使用三脚架的拍摄者在构图上一般很少获得成功，也很少拍到好的作品。运用三脚架拍摄将使你的拍摄机会上百倍地增加，既然如此，你为何要反对使用它？没有三脚架，你就不能拍摄黎明前或太阳落山后的光线，就不能用长于1/5秒的曝光时间拍摄，就不能成功地使用长长的远摄镜头，就不能用小的光圈开度拍摄特写镜头……在本书中，没有一张照片是用感光度快于ISO64的胶片拍摄的，而且仅有9张照片是在没用三脚架的情况下拍摄的。
摄影的挑战之一便是估算快门速度和光圈之间的正确平衡。任何给定的照明情景都有一个光圈和快门速度组合的范围。就达到胶片上的光量而论，光圈f/8、快门速度1/1 25秒与光圈 f/5.6、快门速度1/250秒，或者光圈f/11、快门速度1/60秒的曝光量是相同的。但这并不意味着你可以随便地挑选曝光组合，创造性地使用快门速度和光圈级数并非是一种简单的多重选择。假如你使用的一个快门速度太慢了，则不能凝住动体。而一个太快的快门速度则会抑制运动感的表现。假如你使用的一个光圈开度太大了，则会失去大景深；但使用的一个光圈开度太小的话，则会妨碍你进行选择性调焦。因此，光圈级数和快门速度的选择只应根据你想要得到的创造性效果来确定。
1、快门速度
你是怎样看待运动的？作为可视的物质世界的一部分，运动是单幅摄影的一种奇妙的题材，即使你只能将它象征性地记录成不动的影像。拍摄者一般为了凝住运动或轻微地停住运动，会用非常快的快门速度来产生极清晰的影像。然而，这不是记录运动的唯一方法，事实上，这样得到的结果有时是最无趣味的。对于描述运动的冲击力来说，使主体或背景模糊可能是更有效的方法。用慢速快门记录快速运动的物体，将使物体影像在胶片上产生滑痕，所得到的模糊状影像可与画面中其它的清晰部分形成令人愉悦的对
比。使背景模糊并保持主体清晰是有点不好处理的，但它是引起和突出主体自身的透视和运动历程的一种强有力的手段。移动照相机是拍摄这种画面的一种技巧，其要领是用与被摄体同样的运动速率移动照相机，在追随的同时按下快门。
如果被摄体不需要或不适合表现成运动状态，则确定正确的光圈应是你的首要任务。这时选择快门速度只是为了曝光正确。因为景深依赖的是光圈，所以，除非运动是你要表现的主题，你就不必首先考虑快门速度。
2、光圈级数
绝大多数拍摄者都拍摄风光、特写、人物，其中光圈级数运用得恰当与否，关系到拍摄的成败。一般地说，有创造力的光圈有三类。第一类用于拍摄叙述性画面。在风光照片中，从巨大的前景到远处的地平线之间，大都具有较大的纵深。将这些内容清晰地记录在胶片上，经常是极为重要的，这就是我把光圈f/16、 f/22、f/32称做“叙述”光圈的原因。在光圈环的另一端，你会发现较小的光圈数字或说较大的光圈开度：f/2.8、f/4、f/5.6。我把它们命名为“单一主题”光圈。当你想限制景深，对着一个单独的主题或被摄体调焦时，当你运用选择性调焦时，都需要求助于这些较大的光圈。对于单一主题的构图来说，远摄镜头是一种极佳的工具，因为其窄视角可帮助拍摄者从影像中除去不必要的内容。
最后，还有光圈f/8和f/11，它们的景深范围适中。当你用它们直接向下拍摄覆霜的草叶时，当你拍摄对着砖墙站立的一些人时，聚焦区域能够包括整个被摄体。景深不像x光，它不可能穿透到地下，使画面中出现地下蠕虫的形状，也不能透过砖墙，显现它后面的木柱。在这种情况下，我使用光圈f/8或f/11而不用其它的光圈，是因为它们也是重要的光圈——它们能提供令人惊异的光学锐度。
当拍摄叙述性画面时，初学者往往不知怎样使巨大前景到远处地平线的所有东西都能清晰。使所有东西都清晰并不仅仅依靠小的镜头开度的使用。首先，你必须决定始于前景的清晰点在何处，我偏爱于自己脚前的前景就是清晰的。因为广角镜头有从巨大前景直到远处地平线的广阔的视野，所以我最常用它来拍摄叙述性照片。但这样仍未解决从何处聚焦的问题。我的方法是，永远依据景深刻度预先调焦。我将光圈置于f/22，并将景深大小调定在镜头上的某一景深刻度范围内，这样，一旦按下快门，这一景深刻度范围内显示的区域在最终的照片上将是清晰的。
初学者知道了这种方法后，一定会怀疑其是否有效，因为当他们透过取景器构图时，发现有些东西是模糊的，这是由于当今的35毫米单镜
头反光照相机都提供全开光圈用于取景观察，它意味着即使光圈被没置于非常小的开度，如f/11、f/16、f/32，通过取景器观看到的依然是光圈全开状态下的场景，这就容易使你误认为“看到的就是拍到的”。相信我，当你想获得最大的景深时，运用景深刻度是控制画面中清晰区域的唯一方法，参考镜头的景深刻度应成为一种习惯。
五、现场光的魔力
当太阳的位置在天空移动时，光线也在不停地改变着。你选择的拍摄时间和你与太阳之间的位置在很大程度上决定了被摄体在胶片上出现的效果：坚硬的边沿或柔和的边沿，暖调或冷调，展现丰富的细节或炫目的反差。光线具有三种重要的特性：亮度、色彩和方向，三者的变化程度由白天的时间来决定，而三者中的任一种都影响到给定场景中的光线所产生的画面情调。仔细研究这三种特性能使你轻而易举地发现它们在照片中建立情调方面所起的作用。
注意光线以及它是怎样影响被摄体的显现的，这很重要，不能不加以强调。那些不理解或不重视场景中不同种类的光线所具有的影响力的拍摄者，通常只会报怨人们对他们的照片缺少情感反应。为了使被摄体在最佳的光线中呈现出来，你当然得经常付出代价。小鸟鸣啾之前就到达拍摄地点好像有点发狂；暂住发烫的沙漠或气温在零度以下的山顶以捕捉特殊种类的光线，犹如监禁一般。但是，当你在观片台上摆满了反转片，或是观看印好的照片时，你将会为自己格外地付出和努力而感到高兴。
每当到达一个陌生的地方拍照时，我总是急于辨明方向。参观一下机场和车站的旅游商店就可做到这一点，因为在那里我可以买到印有当地风景点照片的明信片。买到明信片后，我马上去找开出租车的司机，让他看画片，向他询问照片是面向东西南北哪个方向拍摄的。一旦确定了方位，我就利用中午的几个小时去到相同的场所发现新的视点。如果一切都与计划的相符，则我就于傍晚或清晨的光线中拍摄它们。在你开始拍摄之前，仔细观察地点以确定最佳的相机位置，看来这是要花点精力的，但这也避免了一些意想不到的事情。最糟糕的事情莫过于当发光的太阳处于山顶的背后时，你在落日前的15分钟里一直困在峡谷中，半张也没有拍成。问题出在你没有一个拍摄计划，此时你处于错误的地方，没有有利的拍摄点，受到了局限。假如你预先制定一个拍摄计划，就会去站到山脊上，将最后一缕光线捕捉到胶片上。
你在各种场所运用现场光拍片的经验越丰富，你的照片就会越好。你将学会估计各种照明条件下被摄体所能显现的各种可能
性，尽管有的光线是初次看到的。坚持每天都拿着照相机练习，—一改变视点，换装各种镜头，运用各类不同的光线拍摄，终将使你在视觉意识上达到一个高潮，并使你进一步学会创造性观察。
1、从黎明到黄昏
日光的颜色根据一天中时间和天气的不同而变化。从日出后的数小时开始，到日落前的数小时之间，太阳产生一种白色光。位于头顶且缺少色彩的中午光线使得此时很少能够产生生动的照片，这就是许多专业摄影家更愿在一天中的早晚拍摄的原因。在黎明之前和日落以后约一个钟头时，蓝冷色的天空光在风景中投射一种神密的气氛。日出时(此时的光线是纯净的，因为前一天的大部分污尘已落到地面)，这种光线由光谱中较暖的部分替代，随后的一小时中，一种金色的光线使顺光、侧光物体沐浴在金色、橙色或红色之中，引起观者一种温暖的反应。相反的过程存在于落日后的一小时，日光快速地变成蓝色天空光，风景再一次被冷色调笼罩住。对于许多拍摄者来说，这标志着一天的结束，这并非是不幸的，因为微明的光线能够在照片中产生一种奇妙的不可思议的感觉。
当太阳处于低空时，依据照相机位置，你的被摄体要么是顺光照射，要么是逆光照射，要么是侧光照射。你可以运用现场光，使被摄体产生出极具奥妙的情调。当太阳位于你的背后时，出现顺光效果。如果你在黎明时面对西边的被摄体或日落时面对东边的被摄体，照相机就会记录下鲜艳的橙色或金色。顺光下，反射着日出的城市轮廓是最生动的被摄体，如果它是以浓云为暗背景展现出来的，则画面的情调将被加强。使用广角镜头拍摄顺光风景的一个主要问题是，你背后低角度的太阳会在风景中投射一条长长的影子。由于广角镜头的视角宽阔，画面会因你自己的影子的闯入而受到损害。若你不想记录自己的影子，则必须等待太阳在天空中升高些，或者换装一个标准或远摄镜头。
当你面对太阳时，出现逆光效果。大部分逆光构图都把被摄体处理成形状醒目、轮廓分明的剪影。虽然剪影是以简单的构图显现的，但正确的实际操作是最困难的。在前面的章节“摄影力作的构成”里已讨论过物体之间重叠的可能性，要避免这一点，就必须留心观察、仔细测算。在日落和日出时拍摄剪影照片，你应在已显示的曝光读数上再增加一级曝光量，以确保曝光正确。作为一种拍摄剪影的技巧，逆光并不限制于日出或日落，它也能用于中午。例如，当你看到成排的黑色小鸟栖息在空中的高压电线上时，可以移近电线下方，对着中午的太阳框取小鸟。所得到的曝光不足的小