浅析中国工笔画之技法

浅析中国工笔画之技法

中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。

中国画的种类很多，从画的内容可分为：人物画、山水画、花鸟画等；从画的形式或颜色上可分为：水墨、青绿、金碧等；从画的技巧上可分为工笔、写意等。其中，工笔画法是国画艺术中一种重要的表现手法。

何为工笔画？简单的说，工笔就是细致写实。亦称“细笔”。与”写意”对称。属于工整细致一类密体的画法。工笔画既然属于国画范畴，那么线条的重要性是勿庸置疑的用细致的笔法制作，一丝不苟，这是工笔画的特色。

中国的工笔画历史悠久，从战国到两宋，工笔画的创作从幼稚走向了成熟。与水墨写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实，唐代周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的都是现实生活，这些作品不仅具有很强的描写性，而且富有诗意。明末以后，随着西洋绘画技法传入中国，中西绘画开始相互借鉴，从而使工笔画的创作在造型上更加准确的同时，保持了线条的自然流动和内容的诗情画意。在工笔画中，无论是人物画还是花鸟画，都是力求于形似，“形”在工笔画中占有重要的地位。

任何绘画，除内容外，首先要解决的是造型，第一，先要抓住形。线描是构成工笔画最基本的手段，形因线而立，神因形而传。从结构出发，观察、认识对象，用富于变化的线塑造形体，表现对象，在线的基础上赋予色彩的这一画法，已成为工笔画技法的主要特点。我们学习工笔画，就应首先认识到线的作用与功能。线的变化使不同的物体，其本身的质地特点，给人不同的感觉和印象。线不仅有造型、体积、结构、质感等功能，还进一步用来表达物质的性格和精神特征。在形成线描的多种变化中，执笔与用笔是其中的一个重要因素，工笔画的执笔方法和写毛笔字的方法相同；用笔主要分为：中锋、偏锋、逆锋。在用笔时以指、腕、臂、肩为力，但腕力是基础。第二，一幅好的工笔画不仅要画得“像”，而且还要有它内在的精神面貌和性格特征，使画面作到传神的最佳效果。我们可以通过向传统画论，优秀作品和生活实践来学习其中的神韵。第三，墨是工笔画中最重要的元素，古人有“墨分五彩”之说。“五彩”指的是焦、浓、重、淡、清不同程度的变化。色彩在运用时的手法通常是色彩的调和、对比、统一、色相的改变，主次与取舍，清淡与浓艳，厚重与单调。第四，中国画有自己独特的构图手法：以大观小、以少见多、计白当黑、疏密变化、大胆破格等。

工笔画的一般步骤包括观察、作稿、勾线、渲染、着色、收拾、装裱。

观察：对对象有一个深入的观察过程。

于丹,易中天现象对传统文化的复兴利大于弊

谢谢主席，各位评委，对方辩友： 大家好！我方观点是于丹，易中天现象对传统文化的复兴利大于弊。胡锦涛总书记在十七大报告中指出，“要全面认识祖国传统文化，使之与当代社会相适应、与现代文明相协调，保持民族性，体现时代性。”这为新时代下促进传统文化的复兴指明了方向。 首先，让我们明确两个概念。第一，“于丹，易中天现象”是指在当代中国以于，易为代表的一批思想活跃，有一定学术功力的专家学者，站在大众平民的立场上，通过现代传播并运用现代视角来对中国传统文化进行解读和诠释，从而引起学术界和社会各阶层对新一轮传统文化热的讨论和思考。第二，复兴是指复而兴之，传承与创新的有机结合体。其次，传统文化的复兴需要现代大众的普遍关注，需要借助现代传播的引导，需要引起现代社会的广泛思考。 我方并不否认于丹，易中天现象对传统文化的复兴有一定弊处，但是立足大众对传统文化的认知普遍缺失的客观现状，我方认为于丹，易中天现象对传统文化的复兴利大于弊。理由如下： 第一，于丹，易中天现象有利于传统文化复兴受众主体的大众化。于，易等文化人通过细腻感性或诙谐机智的方式，以平民立场，现代视角，贴近生活，实现经典的大众化，在学术界和大众之间架起了文化普及和传播的桥梁。 第二，于丹，易中天现象有利于传统文化复兴传播方式的现代化。他们通过现代媒介方式完成了传统文化对大众的对接，实现了学术化精英化的内容与大众平台之间的有效传导。电视，报纸，杂志，网络，传统文化在大众中的价值通过媒介传播的方式被大家接受认可。 第三，于丹，易中天现象有利于传统文化复兴社会思考层面的深刻化。以于，易为代表的一批文化学者的倍受关注，引发了来自社会各方面广泛的，深刻的大讨论和大思考。来自学术界的不同声音，各种媒介的激烈讨论，不仅不是对传统文化的歪曲，反而使大众加深了对传统文化的理解和认识。因此，得利的是大众，促进的是传统文化的复兴。

吴昌硕绘画赏析

xx简介及作品赏析 吴昌硕，浙江省孝丰县人，初名俊，又名俊卿，字昌硕，又署仓石、苍石、仓硕、老苍、老缶、苦铁、大聋等。他是晚清著名画家、书法家、篆刻家。同时，他与虚谷、蒲华、任伯年齐名为“清末海派四杰”。 晚年定居上海，广收博取，诗、书、画、印并进；晚年风格突出，篆刻、书法、绘画三艺精绝，声名大振，公推艺坛泰斗，成为“后海派”艺术的开山代表、近代中国艺坛承前启后的一代巨匠。 吴昌硕最擅长写意花卉，受徐渭和八大山人影响最大，由于他书法、篆刻功底深厚，他把书法、篆刻的行笔、运刀及章法、体势融入绘画，形成了富有金石味的独特画风，他自己说： “我平生得力之处在于能以作书之法作画。”他常常用篆笔写梅兰，狂草作葡萄。所作花卉木石，笔力老辣，力透纸背，纵横恣肆，气势雄强，布局新颖，构图也近书印的章法布白，喜作对角斜势，虚实相生，主体突出。用色喜用浓丽对比的颜色，尤善用西洋红，色泽强烈鲜艳。名重当时的画家任伯年对吴昌硕以石鼓文的篆法入画拍案叫绝，并预言其必将成为画坛的中流砥柱。吴昌硕作画用“草篆书”以书法入画；线条功力异常深厚。虽然从状物绘形的角度看其线条的质感似乎不够丰富、切实，但恰恰是舍弃了形的羁绊，吴昌硕的绘画才步入了“意”的厅堂，从而形成了影响近现代中国画坛的直抒胸襟，酣畅淋漓的“大写意”表现形式。 作为西泠印社首任社长的吴昌硕，他的篆刻成就确实达到了一个难以逾越的高度。他的篆刻先从“浙派”入手，后攻汉印，同时受邓石如、吴让之、赵之谦等人的影响。搞篆刻的人都知道，要刻好字首先要写好字，所谓七分写三分刻，而吴昌硕书法中篆书成就尤甚。他喜临石鼓，两周金文及秦代石刻，他的篆书凝炼遒劲、貌拙气酣，有金石气息。有这样的书法功底，篆刻自然不同凡响，细细品味吴昌硕的印章，会感觉到有种雄而媚、拙而朴、丑而美、古而今、变而正的特点。 在篆刻方面，吴昌硕上取鼎彝、秦汉，下挹明清，创造性地以厚重的钝刀，用切、冲两种刀法结合治印，这样他的篆刻作品能在秀丽处显苍劲，流畅

美术学毕业论文浅谈风景油画的表现方法

浅谈风景油画的表现方法 风景油画描绘的对象大都是自然景物，因为使用的创作材 料是油画材料，所以称作风景油画。在古典油画当中，风景一般 都是为人物作陪衬的。随着文艺复兴运动的兴起风景油画登上了 历史舞台，它独立作为一种绘画题材出现了，并且发展迅速。 首先从风景油画的分类谈起，按照时间特点，我们可以把它分为 古典风景油画和现代风景油画两大类；按照表现手法来分，我们 可以把它分为写实风景油画、印象风景油画、和抽象风景油画这 几类；按照地域来分的话，我们可以把它分作欧洲风景油画、俄 罗斯风景油画、荷兰风景油画、地中海风景油画和托马斯风景油 画这几个板块；如果从表现的内容出发的话，我们又可以把它分 为森林风景油画、高山流水风景油画、田园风景油画和名胜古迹 风景油画等类别。风景油画的笔触可以表现为蹭、摆、揉、扫、拖、点等类型。蹭指的是用油画笔的根部首先接触画面，然后逆向推动笔触，使画面留下并不流畅的感受，从而营造出特 殊的视觉感受和质感。逆锋行笔，笔触苍劲有力，适合表达一些 植物的茎杆或者坚硬的物体，比如树枝、石头等。摆和蹭用 笔方向相反，顺锋行笔，给人以流畅、顺滑、轻快之感，比较适 合表达柔软的材质，比如水。揉是一种没有固定方向性的用 笔方法，可以是单色，也可以是多色的混合，通过揉合产生自然 的混合变化，从而使色彩和明暗对比达到一种微妙的变化感，可 以作渐变和衔接作用。扫通常是将两个临近的色块进行衔接，以降低它的生硬感，达到和谐统一的效果。我们可以用干净的油 画笔对两个颜色使用扫的笔触，也可以在油画笔上均匀的或者适 当的蘸取部分颜色扫来扫去，产生丰富的层次效果。拖和摆 的运笔方向比较相似，但不同的是拖使用的力道要比摆轻很多， 轻轻的握住画笔，使它是经过画面时留下坎坷的笔触效果。

谈谈中国传统文化与现代文化的关系,以及对中国复兴的想法

谈谈中国传统文化与现代文化的关系，以及对中国文化复兴的想法。 文化是一个意蕴丰富的概念。文化是一种社会现象，是人们长期创造形成的产物；同时，文化又是一种历史现象，是社会历史的积淀物。对于任何一个国家和民族来说，他们都有自己的文化，而且这些文化还会随着时间的变化而不断地变化发展。因此，我们也就有了传统文化和现代文化这两个层面的文化。 众所周知，我国有着五千年的悠久历史?。五千年时间的沉淀，孕育了我国让世人瞩目的传统文化。这些优良的传统文化，是我们民族文化的精髓，是数代炎黄子孙的精神食粮。也正是它们，造就了我们中华民族这个伟大的民族。我国的传统文化博大精深，有弥纶天地之大道的易文化；有无为而无不为的道文化；有内圣外王的儒文化；有不占屈人之兵的兵文化；有涅盘境界的佛文化；有天雨栗，鬼夜哭的汉字文化；有上工治未病的中医文化；还有入乎神，通乎道的武术文化和人生三宝精神气的养生文化。这些文化的合体，构成了我国优良的传统文化。文化发展有客观自在的规律，它是一个不断创造的过程。时至今日，我国文化已由传统文化发展到了现代文化。现代文化，是在当今的时代背景下孕育而生的，有着它自身的特点。但这也并不是说，现在文化与传统文化毫无关联，它们还是有着紧密的联系的。 五四运动以来，人们在对中国传统文化的研究中有一个不成文的习惯，那就是大家都特别注重儒家思想、儒家文化。猛烈抨击中国传统文化的，其矛头所指首先是儒家，五四运动时的“打倒孔家店”即

证明了这一点；极力为中国传统文化做辩护的，其扞卫的中心也是儒学；主张对中国传统文化进行分析，抛弃其糟粕、吸收其精华的，其分析的对象也主要是儒家。这种习惯，近来颇受到一些人的怀疑和批评。如有人认为，从先秦开始，中国文化思想就是多元构成的，而不是儒家思想统治下单一的传统；有人认为，中国传统文化的主干不是儒家，而是道家，中国传统文化从表层结构看，是以儒家为代表的政治伦理学说，从深层结构看，则是道家的哲学框架；有人甚至认为，中国国民的真实心态不在思想家的言论着作中，而体现在诸如谚语一类的东西中。我认为，儒家思想、儒家文化虽然并不等于中国传统文化的全部，但却实是最能代表中国传统文化的东西。 客观地看待中国的现代文化，我觉得可以说是对于儒家思想和儒家文化的一种继承和发展。孔子、孟子、荀子、董仲舒和宋明理学所倡导的一些儒家方面的思想，在现在，也被运用到了很多方面。如在教育方面，我们继承了孔子的“学而时习之、温故而知新、不耻下问、诲而不倦”等等的儒家思想，并在此基础上加以了发展；在外交方面，我国现在所倡导的和平外交政策，也是对儒家思想的继承和发展；在为人处事和与人交往方面，儒家所倡导的“有朋自远方来”的观点，现在也广为任用，零八年的北京奥运会就很好的证明了这一点。当然，现代文化对传统文化的继承和发展还体现在其他的很多方面。总而言之，现代文化是对中国传统文化的一个继承和发展。 事物是变化发展的，所以我们也应该用发展的眼光来看待现代文化。现代文化不仅仅是对传统文化的继承和发展，它也有自身的特点。

历届全国美展中国画(金奖)作品欣赏

历届全国美展中国画（金奖）作品欣赏 中国历届美展第一届《参军》王式廓（素描）王式廓(1911—1973) 字子容。山东掖县（今莱州市）西由村人。当代革命现实主义画家和人民美术教育家。早年学习美术，1930年入济南爱美高中艺师科学习西画，，开始学习西画，并关心革命。“九一八”事变后，担任爱美中学南下请愿团二大队队长，赴南京参加全国学生的联合示威游行，要求蒋介石政府抗日。第二届《红杏枝头春意闹》于非闇（彩墨画）于非闇:1889.3-1959.7，字非厂、名照，别号闲人。出生于北京，原籍山东蓬莱。擅长中国画。自幼得书画家传。1912年入师范学校学习，后任教于私立师范校、私立华北大学美术系。兼任古物陈列所附设国画研究馆导师。1935年起专攻工笔花鸟画。1949年后历任中央美术学院民族美术研究所研究员、北京中国画研究会副会长、北京画院副院长。作品有《玉兰黄鹂》、《丹柿图》、《牡丹鸽子》等。著有《非闇漫墨》、《艺兰记》、《中国画颜料研究》、《我怎样画花鸟画》。出版有《于非闇工笔花鸟画选》等。第三届《平型关颂》姚天沐李玉滋姚天沐:，1930年出生于福建省莆田市。1951年考入东北鲁迅美术学院绘画系，1955年毕业分配到山西工作，历任山西省美术家协会秘书长、副主席、主席等职。现任中国美术家协会理事、中国版画家协会常务理事、山西

省美术家协会名誉主席、李耕画院名誉院长、国家一级美术师，享受国务院政府特殊津贴。李玉滋，中国美术家协会会员，一级美术师，1992年起享受国务院特殊津贴，曾任中 国美术家协会山西分会常务理事、山西壁画雕塑艺术研究院院长。第四届《搬运图》罗德安（搬运工人）年画罗德安：一九四二年生。湖南株洲人。擅国画。株洲市搬运站。自 学美术，在株洲市第二汽车运输公司工作，业余创作。作品入选全国美展。作品有《搬运图》、《普通劳动者》、《母亲的忧虑》等。第五届《人民和总理》周思聪151x217cm周思聪（1939～1996），中国美术家协会原副主席，中国著名女画家。天津市宁河县人1955 年考入中央美术学院附属中学，1958 年考入中央美术学院中国画系，曾得到李可染、蒋兆和、叶浅予、刘凌仓、李苦禅、郭味蕖等诸位名师指点，1963年毕业后分配到北京中国画院（今北京画院），为北京画院 一级美术师、中国美术家协会常务理事、中国美术家协会副主席。第六届《太行铁壁》杨力舟王迎春（北京）190x178cm 杨力舟1942年生于山西临猗。画家。兼擅油画、中国画、书法、美术评论。先后毕业于西安美术学院、中央美术学院。曾参与筹建中国画研究院。中国美协顾问，中央文史研究馆馆员，中国国家画院顾问、院委、研究员。历任中国美协常务理事、副主席。文化部艺术局美术处处长，文化部高级职称评审委员，中国文联委员，中国美术馆馆长。王迎春女，

插画的应用领域和风格

插画应用范围 1.出版物：书籍的封面，书籍的内页，书籍的外套，书籍的内容辅助等所使用插画。（也包括杂志报刊） 2.商业宣传：广告类――包括报纸广告、杂志广告、招牌、海报、宣传单、电视广告中所使用的插画； 3.商业形象设计：商品标志与企业形象（吉祥物）； 4.商品包装设计；包装设计及说明图解――消费指导、商品说明、使用说明书、图表、目录…… 5.影视多媒体：影视剧、广告片、网络等方面的角色及环境美术设定或介面设计。 6.游戏设计：游戏宣传插画、游戏人物设定、场景设定。 插画设计的应用领域 1.户外广告中的商业插图 2.路牌广告路牌广告 3.霓虹灯广告商业插画 4.产品包装插 5.网络、动画作品插画 6.影视媒体中的影视插画 7.贺卡 8.日历 9.说明书——图解形式 10.网站设计中包含了

插画风格 1.立体主义 体主义(Cubism)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面－－以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其臵于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。 代表人物及作品 巴勃罗〃毕加索 Pablo Picasso，1881－1973，西班牙，《亚维农的少女》；《格尔尼卡》；费尔南〃莱热 Fernand Leger，1881-1955年，法国《地铁叉道口的缩写》，1919，莱热，《三个女子》； 乔治〃布拉克 Georges Braque，1882－1963，法国，《埃斯塔克的房子》； 2.未来主义 未来主义对20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义。未来主义作为一种艺术思潮从20年代开始衰落，如今已经基本绝迹，很多未来主义艺术家在两

花鸟画技法教案设计有哪些(2)

花鸟画技法教案设计有哪些(2) 面对自然界中的花鸟草虫惊醒创作时，中国的花鸟画家的表现物象的同时更重视缘物寄情。 3、组研究： (1) 对比自然界中的花鸟，欣赏和研究一副花鸟画，想一想画家是怎么用笔和用墨的? (2) 游戏：请你对照黑板上的菊花图片(中锋勾花，侧锋勾叶)，分别尝试以下几种笔法： 侧锋画麻雀头点、抹 中锋画翅、尾短线 4、分析： 麻雀是我们生活中常见的飞鸟，它头大、体小，头、背、尾呈褐色，背有黑斑点，胸腹灰白，活泼可爱。在画麻雀之前，先要理解麻雀的头部和身子由两个蛋形组成，或者是一个枣形加蛋形组成，这样画麻雀就方便多了。 5、临摹一副花鸟画作品，可以大胆的对原作进行添加和创造。 6、展示：选出你最喜欢的作品，说说哪里好。 7、小结 花鸟画教案设计篇四：中国写意花鸟画一、教学目的、要求通过对中国画三大画科之一花鸟画的说明，了解花鸟画涉及的范围，表

现范畴，并且怎样通过花鸟画作为抒发和表达人意念的重要媒介，体会它带给人的精神生活和文化生活的深厚情感。理解花鸟画家通过富于情感和生命的花鸟形象，来表达画家对自然界、客观实际，以及对社会的客观法则的体验和认识，来反映社会的情调和气氛。 另外主要了解花鸟画的历史演变，按照中国美术史发展的脉略，注重学习它的形成，风格的演变，流派的生成等。再者了解文人水墨画带给花鸟画的生机以及文人画注重情感，重墨轻色和人格化的表现特点。最后应理解花鸟画在传统继承的基础上，具有极大创新性和创造性，注重极具强烈的自我意识的表现，了解近现代花鸟画名家在近现代所作出的伟大贡献。 二、教学内容(主要了解花鸟画的形成和发展) (1)花鸟形象比人物、山水出现要早，如在新石器时代的彩陶出现的花木鸟兽、虫鱼、龙凤等纹样。如长沙马王堆的帛画《人物夔凤图》等，当时还没有产生专门从事花鸟画创作的画家和理论，花鸟画也多是作为人物画的背景出现的。这些作品或是常有较多的装饰性，或是主要表现人物生活环境。 (2)唐代经济繁荣，统治者生活奢侈豪华，社会习俗与审美观念都有新的要求(此期间出现不少花鸟画高手，如画鹤的薛稷，画马专家曹霸、韩干，还有如韦偃画龙，戴嵩画牛等)。 (3)五代时期，出现了两位对后世影响极大的花鸟画家黄筌和徐熙，形成了黄家宝贵，徐熙野逸的两大流派，标志着花鸟画已进入成熟阶段。黄筌：西蜀宫廷画家，重视写生，专写宫中奇珍异石，珍

浅谈伦勃朗绘画中材料和技法对当代油画教学的影响

浅谈伦勃朗绘画中材料和技法对当代油画教学的影响 以伦勃朗为代表的古典油画透明、细腻而又不失厚重，历来都以它独特的魅力吸引着无数观者的眼球。怎样更好地学习和研究古典油画技法是教学中经常探讨的问题，也是本文探讨的主要内容。 标签：伦勃朗；油画材料；油画技法；油画教学 伦勃朗·范·莱茵1616年出生于莱顿城，是17世纪荷兰乃至艺术史上最重要、最具开创性的艺术家之一。他在17世纪20年代早期曾在莱顿当地的一位画家手下接受初步艺术训练，此后便与阿姆斯特丹历史画家彼得-拉斯曼共同度过了对他影响深远的6个月。伦勃朗是改变艺术史上人物肖像绘画的一位先驱，他的绘画并不是表面地描绘人物的外貌，更重要的是他的画作中有对人物内心和精神世界的探索，他一生画过100多幅自画像，是画自画像最多的一位画家，可以说他在用这样的方式不断地去探寻自己的内心。伦勃朗和利文斯的部分绘画能使我们更好地了解他们早期的风格，他们对于自画像、穿着外国衣饰的人像、光与影的极致使用，让我们领略到了其艺术尝试与开拓的过程。 伦勃朗比自古以来的任何艺术家都注重对人物面部的描绘，因为他能看到更多、更细，而这都出自他的内心。中国人说绘画创作需要三件东西：眼、手、心。我觉得这个洞察十分准确，这三者缺一不可，伦勃朗的每一幅作品都与这句话的精髓相呼应，都是眼、手、心的完美协作。 伦勃朗的作品大多关注肖像与历史题材，伦勃朗的绘画技巧十分高超，包括光与影的强烈对比，丰富的颜色组合，同时伦勃朗也具有将历史题材转化为普通人日常经历的技法。 通过对以下伦勃朗绘画的几个方面的研究，可以更深刻的了解伦勃朗的绘画技法。 一、使用的调色油 伦勃朗使用的调色油是很浓的胶状调色油，很黏稠且干得很快。伦勃朗非常突出他画阴影处的高凸部分，以此来体现画的立体感。伦勃朗的画中阴影处呈透明黑色，光区和阴影区色彩厚度相同但不透明，调色油易干的特性，使整个画面笔触很明显。虽然伦勃朗的每一笔都令人感到他的得心应手，但整幅画却给人一种艰难完成的绘画效果。伦勃朗没有鲁本斯的绘画天才，他总是在画快要干了，且已适于用画笔上色时才开始修改自己的画。所以伦勃朗的画会给人一种先画好后再艰难修改画面的感觉，好像用画刷拉黏液的感觉。这种感觉在画中光区更为明显。 二、伦勃朗的油画底

中国传统文化复兴

谁在抛弃中国传统文化工业092班刘常进 选了中国传统文化这门课程是我不会后悔的选择。在老师的循循善诱下，我对中国传统文化产生了浓厚的兴趣，但同时也对这种文化在我国的现状也表示十分担忧。 现在就“谁在抛弃中国传统文化”这一问题发表一下我的浅见。 中国近代经历了几个严重破坏和抛弃传统文化的时期： 第一个时期：1919年中国开展了轰轰烈烈的“五四运动”，猛烈抨击了封建主义旧文化，提倡新文化，将反封建思想推向了高潮。许多参加运动的学生和百姓并没有真正明白反封建到底是反哪些思想和制度，就把几千年传承下来的中国传统文化统统否定了，认为传统文化就是封建思想。这对中国核心的传统文化造成了极大的伤害。 第二个时期：我认为中国传统文化受到了最严重的打击和摧残，几乎到了灭顶之灾，1966年人民日报发表了《横扫一切牛鬼蛇神》的社论，提出“破除几千年来一切剥削阶级所造成的毒害人民的旧思想、旧文化、旧风俗、旧习惯”的口号。“破四旧”给中国的传统文化，民族精神和面貌带来了难以估量的毁灭性打击，一些具有重要意义的节日、庆典和流传千年的生活方式遭受了空前的质疑和破坏。在这个时期还严重扭曲了人性：子女批斗父母、夫妻互相提防、朋友相互揭发等，把个人崇拜主义发挥到了极致，中国的伦理道德遭到了前所未有的挑战。 中国维持了几千年的家谱体系几近完全摧毁，至今无法正常恢复，失去了根和祖宗的民族是非常危险的。端午、春节、重阳等传统节日也被批判，文化艺术遭受空前浩劫，甚至对中国历代子孙顶礼膜拜的圣人孔子和其理学都进行了彻底的批判和鄙视，足以见得此运动对中国传统文化摧残至深。在那个特殊的时期只要提到传统的东西就会被冠以封建迷信的帽子，再也没有人谁敢提敢想和敢传播传统文化了。从此，中国人便失去了信仰和传统价值观，伦理道德也开始变得模糊了。 第三个时期：中国还没来得及思考传统文化还应不应该恢复，1978年邓小平提出了改革开放，西方通过电影、音乐、书籍、教育、商品等生活方式一夜之间席卷而来，崇洋思想盛行。当时中国的年轻人根本还没明白自己国家的传统文化是什么，就很快吸收了西方的文化和价值观（失去了自己的“根”就很容易接受别人的东西）。但我们并没有学到西方文化的真正内涵和精髓，学到的只是表面的东西。因此，我们对西方的文化就显得过分谦卑和崇拜，失去了自我传统的文化认同，从而变得浮躁和强烈的不自信。 看看70至90年代的年轻人那个不是看着日本动画片和美国好莱坞电影成长的，那个不对强势国家的文化与制度羡慕不已，并以刻意模仿西方国家的生活方式为荣，这是非常危险的倾向。当然，我并不反对学习和吸取强势国家的文化，但是我们必须要拥有属于自己的“根”绝不能本末倒置。如果一个民族连自己的传统文化都不能很好的认识和尊重的话，那是是非常可悲的；如果一个国家没有自己的核心价值观来指导国人的行为思想也是非常危险的。 以上三个时期将中国的传统文化摧残和抛弃得差不多了，同时也在一定程度上改变了中国人的价值观。如果我们还不能重新认识和理解中国的

学习中国画的心得与体会

学习中国画的心得与体会 中国画是中国传统的绘画，是中国文化中的国宝之一。中国画是植根于中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。我也正是带着一种对中国画的好奇与探求心走进于老师的“中国画赏析”这门课。在老师的指导和鼓励下，我们赏析了许多优秀的中国画作品，虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识和体会。以前接触过小写意，它比较注重用墨，强调画者的个性发挥。因此，写意画的绘画时，可以纵笔挥洒，墨彩飞洋，能够很直接的抒发画者的情感。这次初次解除了工笔画，深深感受到工笔画是一种锻炼人细致和耐心的画法，每一笔线条的气息都要顺畅，都要柔美，有质感，有连贯性。中国画的用线历经上千年的锤炼，，加之毛笔和墨这种特殊的工具，使线本身的表现力变化万千，无比丰富。只有把具有抽象美意趣的线条与造型的形态完美的结合在一起，使线的表现力更加自由的变现出来，把主观的情，意象的形，表现的线三者完美的结合起来，才是中国工笔画追求的境界。 两位老师在教学期间，不厌其烦的为我们讲解，并做示范。短短的几节课时间里，让我们学到了许多东西，同时也让我们感受到了其实我们需要学的东西还很多。国画给我的感受是需要一种平和的心情，欲速则不达，要自己慢慢体会。虽然，这段短暂的学习暂时划上了句号，回想起来感觉很短暂也很留恋。同时，学习的道路还在继续，我也会在今后的学习中虚心求学，好好学习中国画。学习中国画的兴

趣会一直支持着我，因为我们还在路上。 我最初对国画的认识是，画家寥寥几笔就画出了生动的画面，盛开的牡丹，有神的山水，雀跃的竹林，圣洁的荷花等等。随着年龄的增长，我对国画有了进一步的认识，从电视、书本、报纸、画展。而这些也只是肤浅的感性认识，但它已经深深吸引了我，我反复寻找着生命的起源，苦苦寻觅着心中的向往。悠悠几千年的历史文化，它的深远，它的博大，也许是我今生都无法彻底的探索，，即使是这样我也会全心全意地去寻找、去发现、去创作。 其实国画的认识，每个人都有自己的世界观，国画传统美的概念是上留天下留地，繁儿透，空儿厚，水墨容情，色泽单纯，一般不超过三四种，这是一种淳朴而有充满无限灵气的自然美。随着社会的发展水平的不断提高，人们更向往的是一种复杂的美，绚烂多彩的美，既有西方的色彩又有东方的纯朴。 经过几节课的学习，首先我学会了赏析中国画。要赏析它的意境境界，只有为观者营造出一种意境的作品，才是一幅好画。如：行到水穷处，坐看云起时，含有无穷的韵味在其中，这才有诗意。画也要这样，含不尽之意于画外，这叫画意，这就是意境境界。好画一定要有境界，有一种延伸到画外很远的地方的韵味儿。这就是老师常和我们讲的画外吧。还有老师给我们讲从一幅画仿若能看出一个人的所思所想，我受此启发，觉得看一幅画仿佛更能看出一个人的性格品行。古人说:人品不高，落笔无法。这个说法我也赞同。比如说一个人如果没有什么气度，画就谈不上有什么意境气韵，如果说一个人注重自

艾轩油画艺术解读

艾轩油画艺术解读 本文主要分析了艾轩油画的艺术特点和学术价值。认为，在我国上世纪八、九十年代众多有代表性的写实油画家中，艾轩的油画具有独特的风韵，不论从追求精简的构图、敢于运用色彩的技巧和画面的情绪等的把握上给观众留下了深刻的印象。另外，艾轩油画从经济价值与学术价值上都获得了很大的影响。 标签：艾轩；写实油画；艺术特色；学术价值 一、艾轩油画的艺术特点 在艾轩的诸多作品中刻画最多的是高原女孩和康巴汉子，画面中体现的清冷的世界、忧郁的双眼、简化的构图以及丰富的色彩，吸引众多观众的眼球。评价一幅艺术作品的关键，要看三点，一是构图，二是色彩，三是造型，这三者缺一不可，在绘画创作中具有重要作用。以下将从构图和色彩及造型三方面对艾轩的作品进行解读。 1、构图特点 艾轩油画构图的最大特点是用简洁的主题与背景塑造深沉凄美的情感世界。在他的作品中，我们经常见到一个孤独的小女孩，或独立窗前，或远眺原野、或凝望苍穹。小女孩的背景通常是一堵孤墙，一袭衰草或一面土坡，更远处便是苍茫的大地。如《静静的冻土带》、《荒原的风》、《小英子》等，这些画面的主题与背景都不像其他艺术家的处理方式，追求精简似乎是艺术家终其一生的艺术追求。同样是写实画家王沂东的艺术风格及构图的理念就不同于艾轩。王沂东对背景表达，单从形式感的追求上就比艾轩复杂多样。艾轩表达高原的广漠与空旷，王沂东表达北方农村的山水村庄的灵秀与典雅。艾轩作品的画面背景往往体现一种是深邃旷达，深远灵动的空间给观者留下丰富的想象，如同诗歌里的联想空间，给读者以开阔广袤的驰骋联想。正是因为这种精简的构图模式，才能体现人物深深地孤独，一望无际的雪域高原，显得那么空旷深远。所有这些画面意境在构图中更加鲜明的体现出来，这源于他个人的一种人生体验以及对人类生存状况的深刻理解。 2、色彩特点 冷灰色是艾轩表达天空与皑皑白雪的惯用颜色，画面里充斥的高级灰白将情节渲染成一种深沉的凄凉感与孤寂静默的世界，创作出沧桑浓厚的色彩效果。画家喜欢用冷色调处理画面，这与画家的内心世界有着密切的关系。另外艾轩在刻画人物头像与衣服时的用色比较大胆，色块与色块之间的對比较强烈。如在他的《静静的冻土带》中，色彩的巧妙运用体现出画家的大胆与粗犷的凄凉之美。艾轩喜欢表达西藏民族的生活，主要描绘康巴汉子与西藏小女孩，因为这里的凄美还有某种粗犷豪放的影子，这与作者的内在追求达到某种共鸣，也正是如此，其作品的风格也显示出与众不同、鹤立鸡群的效果。如作品《风声凄美》，一位美

浅谈油画材料与技法

浅谈油画材料与技法 摘要：本文介绍了油画技法以及油画技法的重要性和油画材料运用,.从而提高技法水平增强画面视觉效果。 关键词：油画材料油画技法 引言 从欧洲油画发展史的角度看经历了古代、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的变化随之变化，油画是从蜡画法、蛋胶画法逐渐发展起来的，油画作为一个体系完整的画种，从十五世纪初佛兰德扬凡爱克对油画艺术技巧的发展做出的独特的贡献，他被誉为“油画之父”发现新的涂料运用快干油第一次在木板和麻布上作油画以后，这种新的油画技法立即迅速传开了。随着油画艺术的诞生和发展，油画技法不断的进步，油画自身具有独立的审美内涵及形式语言特性, 其材料的使用和技法的运用具有较强的规范性、严谨性和科学性，同时油画的材料与油画的技法又具有很宽泛的包容性和涵纳性。材料与技法对绘画作品的重要性是不言而有喻的，然而对材料的不同认同和技法使用对艺术风格形成有着极为重要的影响。艺术家在绘画实践中开创了多种油画技法，使得油画材料相结合充分发挥出视觉效果。以下是我对油画材料与技法的认知。 油画材料 油画之所以叫油画是以材料为标准的。油画的长期发展离不开它的物质基础———油画材料。作为一种艺术表现的材料，前提是它被作为艺术体审美对象的认知。油画材料既是视觉传达的载体又是艺术表现的肌理载体，是可以随意转换、演绎的特殊文化形式。材料可以给画家带来画面的色层美、肌理美、笔法美，还能增强形式美感。油画材料的特性允许深入细微刻画对象，可以表现出对象的色

彩关系。最早的油画是画在木板上,如中世纪的圣像画就是用蛋彩画在做了底子的木板上。现代油画作画材料一般选择亚麻布、棉布和帆布。亚麻布纤维长而结实,具有柔韧性,有粗目亚麻布和细目亚麻布。质地比较厚重的棉布也可用于作画的基底,聚脂纤维的帆布很柔韧,坚固稳定,也是一种新型画布材料。在用于制作画布底子的胶类一般采用有：动物胶（骨胶、皮胶等）、植物性树脂乳胶、白乳胶等合成胶。还需填充其他材料如：大白粉，又称白垩粉、西班牙白、巴黎白、白土等，主要成分是碳酸钙。用于制作油质画布底子的油类有：松节油、亚麻仁油、上光油等媒介剂。油画颜料是用磨碎的颜料粉末,加入植物油调制而成,属于油性颜料。油画颜料色相稳定,能长期保持光泽。颜料又分为矿物质和化学合成两大类，最初的颜料多为矿物质颜料，由手工制作研磨成细末。中外历史伟大画家们保存下来的油画,大多都依然保留着鲜亮动人的色泽。在各个时代画家们对油画材料与技法不断的在实践中研究与创新 油画技法 自从油画发明以来，经无数画家的探讨和研究，它已经成为一门广为普及的画种。随着油画艺术的不断发展，油画技法也不短的完善。油画绘画传统技法大致可分成古典技法、直接画法、间接画法（透明技法）、混合技法、厚薄结合画法、印象派技法、闪跃式点彩画法、薄涂变淡画法这是研究和学习传统的油画技法必不可少的。 就从直接画法说起，直接画法能分出多种方法，有薄涂的直接画法、厚涂的直接画法、厚薄对比的直接画法；笔触直接画法、无笔触直接画法；一次性直接画法、覆盖性直接画法（即多次性直接画法）等。欧洲传统的古典绘画是以坦培拉和树脂油相结合的混合技法，这种技法发展已经非常完善了，鲁本斯的直接画

浅谈中国传统文化的发展和传承

浅谈中国传统文化的发展和传承 中华民族历史源远流长，传统文化博大精深，它足以使中国人、海外华人引以荣耀和自豪，它是中华民族的重要凝聚力；另一方面，近代落伍了的中国正在现代化，虽然中国人的思想观念，思维、行为和生活方式都在发生着重大的变化，中国文化也在全方位地转换和发展，但是这种转换和发展本身就是从传统开始的。中国传统文化作为一种文化形态，本身具备文化科学价值。 那么什么是文化呢？又如何理解何谓传统文化呢？ 传统文化是指在长期的历史发展过程中形成和发展起来，保留在每一个民族中间具有稳定形态的文化。中国传统文化是指以华夏民族为主流的多元文化在长期的历史发展过程中融合、形成、发展起来，具有稳定形态的中国文化，包括思想观念、思维方式、价值取向、道德情操、生活方式、礼仪制度、风俗习惯、宗教信仰、文学艺术、教育科技等诸多层面的丰富内容。上世纪两次大的文化运动——五四运动、文化大革命，使中国传统文化遭到灭顶之灾，而尤其可悲的是使中国人几千年形成的传统的思想观念、价值取向、道德情操难以为继，使新一代的中国人出现了信仰危机、价值危机、道德危机，导致民族精神的衰落。改革开放以来，随着人们思想的解放，冷静的反思；随着中国国力的强盛，民族自尊心、自信心的恢复，研究和发展中国传统文化成为当下思想文化界一道众所瞩目的风景线。由政府到学界，由国内到国外，国学热不断升温。从《百家讲坛》阎崇年讲清帝、刘心武讲红楼、易中天讲三国、王立群讲史记、于丹讲论语；《光明日报》专门开设了国学版到中文搜索引擎百度开设了“国学频道”，新浪网高调推出乾元国学博客圈，政府举办了“俄罗斯‘中国年’”、“德国‘中国年’”，在各个国家开设孔子学堂，等等。 中国传统文化对于个人的发展具有巨大的影响作用，而且是非常积极的影响。比如说，易经，就是一本解开人生的密码书，可以指导人怎么生活、怎么工作、怎么处世、怎么做领导、怎么经商等等。再比如，儒家学说，教会人诚信、忠厚、宽恕、自省、仁爱、勤俭等美德。再比如，老子的《道德经》，是一本深沉的哲学书，处世经典书，它教会人更真实地生活，更踏实地生活。还有庄子，教会人许多生活的智慧，让人活得更加豁达平和。那么我们究竟应该如何看待中国传统文化？应该采取怎样的方式传承和发展中国传统文化？

探讨对艾轩油画特色的理解

探讨对艾轩油画特色的理解 绘画艺术的形成和发展的主要流派是写实油画，作为一种绘画艺术的风格，在中国绘画中有重要的地位。艾轩忠于他的真实感情，坚持从“源”和“自然”为基础的绘画，不仅吸收西方绘画语言和本质，也崇尚理性精神和传统文化，融入当地文化。他总是遵循这条路线，并形成了自己独特的艺术风格，成为新形势的现实主义绘画。 艾轩的艺术风格特征 艾轩用他的画笔绘画出一幅幅美丽佳作，他是个勤劳的画家。他选择了一种完美主义的风格绘画，这种完美的画面效果带有苦涩又饱含着深深的情谊，在他的绘画作品中我们可以看到他偏爱单一的简单干净的颜色。他不愿意像其他的画家那样，在西藏绘画的题材上表现绘画意境普遍选用红、黄、蓝这三种颜色，艾轩用黑白灰色调和蓝紫色调来作为他基本画面色调，让画面产生出深厚沧桑又丰富多变的效果。艾轩的一系列的绘画作品中都显露出一种莫名的感伤，那种淡淡的无奈，这就是他对自己内心的描写，也是他对他的人生意义的独白。

借景抒发自己的情怀，是艾轩绘画最大的艺术风格特点。他选择西藏原野的景色和孤独的物象，主要是借这些来表达自己内心的世界，所以我们说艾轩的绘画作品就是他内心的写照而不仅仅是风景人物画。如他的作品《冻土》，内容是在一望无垠的草原和山野之中，他们似乎都想避开我们的视线，远离城市喧嚣，自然而单纯的去生活，即使不可避免的情况之下要面对人群，他们也是用冷静和陌生的眼光，静静观察这与他们并不适应的世界。艾轩用他写实的画面物象，来寄托自己的内心情感和思想，他用借景抒情的手法，创造出了一幅幅有诗情画意而且情景交融的画面效果。 还有一点值提及的，就是艾轩画面效果的沉着与精致，这种绘画语言的表现，既他绘画的技巧有关，又不单单是技术问题。他精心安排画面的意境效果，反复思考外形里面的微妙联系，其质的感觉、色调明暗和深浅的变化等……这都使得我们沉醉其中。他把画面效果处理得很严谨，既留有他来自生活的感受，又赋予画面理性的秩序。在艾轩的每一幅画中都留有他自己的影子。他把自己的思想感情和融入在他刻画的物象之中，用借景抒情的表现手法，创造出一幅幅的意境幽深且感情丰富的画面。

浅谈对中国油画材料与技法的认识

浅谈对中国油画材料与技法的认识 【摘要】油画源于欧洲，曾经历了古代胶彩画、蜡彩画、镶嵌画、湿壁画、干壁画、坦培拉绘画以及坦培拉与油画混合技法的漫长历史变迁，发展至今已有近500多年的历史。学习油画，就必须对西方油画的技术演变的历史进行一定的了解，对其材料与技法的基本内容有所掌握，包括不同的基底的制作，对调色油特性的熟悉，对画面表面效果的处理，对颜色关系的把握，色层覆盖的技术规律等方面。 【关键词】油画材料技法研究 油画作为绘画的一个画种，在很长的发展历史时期以其独有的魅力征服了观众。但从20世纪开始到今天，各种新的艺术形式夺走了许多观众，更多地吸引了人们的视觉和意识。事实上，技法是每个艺术家处理材料的方法，是一个工具，是根据自己画面的需要进行改变的一个道理。因为他不可避免地带有主观性，所以每个艺术家创造出来的形象千差万别。然而这种处理材料的独特变化，以及对同一主题的各种各样的“个人表现”正是杰出作品的魅力所在，尽管它不显著并且平凡，但却具有个人独特风格，所以引起了诸多画家们的关注和极大的兴趣。 １西方油画材料与技法 1.1 西方油画的产生与发展。乔托以前没有油画，这就足以说明油画不是从来就有的。真正的油画产生，至今不过500年的历史，在油画出现之前，欧洲绘画曾经有蜡画、湿壁画、胶彩画、丹培拉绘画。古代欧洲的画家们在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时，渐渐发现了它的缺陷与不足，比如：颜色之间难以融合晕接，色彩不够柔和光艳，小笔多次排线过于费力，以及在潮湿的气候条件下易发霉和低度抗碰撞能力。鉴于此，画家们发明了用透明漆上光以保护画面的办法。而后又有人在坦培拉底层画面上做多层透明色罩染，后称之为上光术或釉染法，这便形成了混合技法，一种非坦培拉绘画亦非油画的技法。达·芬奇的《最后的晚餐》就是油性坦培拉绘画，但技术不够成熟，致使许多作品没能留存下来。14世纪末，尼德兰的两位画家凡·爱克兄弟找到了一种简便的用油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。美术史家虽不能断定凡·爱克兄弟是油画的发明者，但至少他们是在前人试验的基础上找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方。 1.2 油画材料技法在意大利的传播和发展。意大利最早研究并掌握油画技法的画家安东奈洛达梅西纳据说是在去尼德兰了解到凡·爱克兄弟的油画技法之后，回到威尼斯传授油画颜料使用方法的，自此油画作为一个独立的画种在欧洲大陆流行开来。几百年来，经过各代画家的继承和创造，油画得到进一步的发展与完善。其中以意大利系统技法发展为例又可以分为两个画派：佛罗伦萨画派和威尼斯画派。 佛罗伦萨画派的代表人物有里比、达·芬奇、拉斐尔等。他们的初期作品，

赵跃鹏花鸟画作品浅析

赵跃鹏花鸟画作品浅析 赵跃鹏，1966年生于福建福州，号药朋，斋号甘棠馆。1990年毕业于中国美术学院中国画系；2000年毕业于中国美术学院国画系花鸟研究生班。现为浙江画院专职画家、浙江画院花鸟画工作室主任、浙江省美术家协会理事。 花鸟画发展到宋代就像诗歌发展到唐代一样，形成 了一座无法逾越的高峰。即使是宋代佚名画家的花鸟画作品，也足以使后来的花鸟画家们汗颜和自叹弗如。但尽管如此，无论是诗歌还是花鸟画，也绝不可能因为有了高峰后人便望而止步，而不断变化、发展才是一切事物得以永远生存的规律。因此花鸟画发展自宋代以后（也可说是同时，如苏东坡、文同等的出现），就有了文人写意画法的创造。而格律诗的 发展变化，就出现了长短句——词的创作形式。另辟蹊径，成了借鉴高峰并绕过高峰继而再创高峰的惟一途径。虫草作品 赵跃鹏的工笔花鸟画作品，是对宋代工笔花鸟画的内在语言和外部表述风格作出深度研究探索所取得的属于当代的自 我的一种绘画风格。他的花鸟画作品在有意或无意间，成为了近五十年以来对宋代工笔花鸟画的最准确的继承者之一。

而在其前面，据我的立场来判断，仅有于非闇一人，我并不是说除了于非闇、赵跃鹏就没有人在继承宋代工笔花鸟画，事实正相反，学的人很多，但真正对宋代工笔花鸟画研究透彻的人却是寥寥无几。须要强调的是：宋代工笔花鸟画不仅仅只有工整、艳丽，而其中对线条勾勒律动的讲究，对描绘对象形象与色彩的适度夸张以及画面总体文化意义的把握，是无与伦比的。古人云：“山水取景、花鸟取情”。而这个“情”字在花鸟画创作之中就成为了一个最难解决的点！“一枝一叶总关情”，问题是怎么个关法。这与画家的整体文化素养是密不可分的。如果说“情”是宋代工笔花鸟画的文化、精神主旨，那么宋代工笔花鸟画技法层面上与宋以前及以后有什么明 显的区别呢？于非闇先生曾作出过总结性的分析：“工笔花鸟画唐、五代重瑰丽、宋人尚骨干、元人矜逸态。”也就是说宋代工笔花鸟画是崇尚和讲求骨法用笔和画面形象及画面整 体结构的。这说明宋代工笔花鸟画与唐、五代的工笔花鸟画相比较，除了富丽堂皇以外，更注重画面语言与技法的完整性，这不能不说是宋代工笔花鸟画的一个进步。我们把宋以前的工笔花鸟画与宋代的工笔花鸟画作一比较时，并不难发现其中的区别。尤其是宋代工笔花鸟画在线条的勾勒上起迄、转折、律动的书法性追求上，已经比宋以前的线条勾勒有了质的区别。虫草作品

浅谈对待中国传统文化的态度

浅谈对待中国传统文化的态度 魏潇 （山东国家开放大学开放教育2014秋汉语言文学专科·曹县电大分校) 【摘要】：活动在任何一个发展阶段的人们，郝会同时面对两个跺题，一是如何对待历史文化，一是如何审视现实文化，而后才能面向未来，从莱种意义上来说，如何对待传统文化问题是人类的一个永恒课题。在人类历支发展的某一阶段，总是受到来自自身过去的与来自外界周边的两种文化的影响。而积淀了五千年的中国传统文化，它作为一个民族的象往，不鲩在历史的长河中消声灭迹。在进入电脑时代中，它应不断补充。、改革、创新，在新时代中发挥它应有的作用。 【关键词】：文化和态度；批判扬弃；继承学习；包容发展 人们在这个世界上生存了数百万年，最开始是为了生息和繁衍，而现在，人们已经可以辛勤耕耘编织各自的理想，终于，人们一步步地从以木为巢、以地为穴的困境里走出，住进了高耸的楼房；一点点地从用结绳来记叙事请，发展到了发明了一秒钟能够计算数10 亿次的电脑。在文明方面，人们从刀耕火种，茹毛饮血的原始方式，踏进了现代文明的殿堂。这些人类的变化，让我们不由得思考：我们走过了怎样的一条创造之路？这些创造能够说明什么？这些问题吸引着几千年来的思想家、历史学家、人类学家……他们经过数世纪的探究和钻研，慢慢地开发了了一门新兴的学科文化学。 “文化”这个词语经常被刊载于报刊杂志。比如我们所熟悉的新石器文化、埃及文化、民族文化、传统文化、海派文化等等。随着文化这门学科日复一日的发展，“文化”这个词语的内涵和外延含义不断的得到了充实和更新，因此当代中国人以极大的热情和精力关注着文化的发展介绍和钻研探究，使文化能够服务于建设具有中国特色的社会主义事业。 那么，让人们衷情的“文化”到底指的是什么呢？ “文化”的英文是culture，这个单词源自于拉丁语。它的本意为耕耘、劳作，由此可见，从其最初的意思上来看，就包括了人类对大自然的开拓的意图。而在《现代汉语词典》，“文化”的解释是：文化是指人类活动的模式以及给予这些模式重要件的符号

艾轩油画作品中色彩语言分析

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/0d7523344.html, 艾轩油画作品中色彩语言分析 作者：张乐弦 来源：《青年生活》2019年第15期 摘要：艾轩风格的最大特点是“借景抒怀”。他画西藏高原景色和孤独的人物，主要是抒发自己内心世界的感情，因此，他的作品与其说是西藏风情画，毋宁说是他内心的独白。艾轩风格的另一特点是他巧妙地把孤寂的抒情性与少许的神秘感美妙地结合了起来。本来，孤独本身即会有某种神秘性，在浩瀚的荒原中孤独，其神秘的意味就更浓。艾轩风格中还有一点值得特别提起的，那就是他绘画语言的沉着与精致，这种绘画语言的求得，既与制作的技术有关，又不全是制作的技术问题。 关键词：艾轩;油画;色彩语言 艾轩的色彩语言还没有形成独特的风格，基本以客观再现的方式对自然色彩进行模仿，如作品《三军过后尽开颜》，有种文革时期“红光壳”的感觉。到了年代，他的创作风格受到怀斯的影响，经过自己的探索与研究，逐渐形成了自己的色彩特色。他的色彩语言与王沂东热烈奔放的暖色调截然不同，而是多运用黑、白、灰、蓝、紫等冷色加之精堪的古典写实技法来表现他对藏族人民的自我思考和对人性的独特理解，使画面色彩浑厚沧桑又拥有丰富的对比和变化。藏族的色彩其实是丰富多样的，红、黄等暖色处处皆是，但艾轩偏偏选择黑白蓝紫等冷色来表现，这与他童年的遭遇和对人性的理解息息相关。这也是他对藏族人民贫乏恶劣的生活环境、空虚荒宪的精神世界的人文关怀的体现。孤寂、冷漠、伤感、神秘等是他内心最真实的感受，灰冷色调正是表达这种情感的最合适的色彩。他不对自然色彩进行照搬，将色彩赋以真挚浓厚的情感。他的色彩语言有深刻精神内涵和象征意味。他在遵循客观的光影、条件色、对比色规律的基础上，对色彩进行主观的提炼和组合，以表达自己的内心感受，赋予了色彩深刻的情感内涵。 他的色彩还有丰富的笔触和质感变化。 在早期的作品中，色彩冷暖对比和肌理还不明显，以明暗对比为主。主要运用黑白灰三色的调和与分配来表现孤独的意境。以大色块的组合来构成画面。在《若尔盖冻土带》（图中，画家以强烈的明暗对比展示了一位沧桑的藏族男性，背景的高亮调衬托出男性深暗的脸，从男性粗糖默黑的脸上让观者能够一眼望穿高原严寒恶劣的气候给人们带来的残酷生活环境，刺痛观者的心灵。在《说不清明天的风》，画面下部深暗的地面与白色的天空形成一条略有倾斜的分界线，使画面产生空寂荒宪的空间感，人物黑色的头发越过分界线，产生一种生动的色彩面的构成效果。阴冷的亮蓝紫色调的马使沉重的氛围显得更加阴郁。画中人孤独的身影只有马相伴，他在远望、在迷茫，不知明天自己又会有怎样的命运。单纯简练的色彩与用笔是表现孤独美的最好方式。深刻地反映了画家童年时代遭遇所产生的内心的孤独与恐惧。《又清又冷的空气》，也采用侧面外光的照射，增加了人物的浮雕感，衬托出女孩坚朝不拔的意志力。虽然整幅画面是荒凉凄清的冷色调，但女孩的面部是温暖的暖色调，衬托出希望的温暖。女孩面部高