绘画与平面设计的关联性

绘画与平面设计的关联性

1平面设计与绘画的相互感通

因为绘画具有巨大的感染力以及亲和力，并且绘画能够和设计、文学

等多种艺术形式联系起来，并且可以将“诗情”和“画意”的审美效

应激起。在平面设计的审美效应中，其中的实用性与鉴赏的相互感通

是非常重要的。

1.1平面设计中的画意平面设计与绘画都是艺术学科，并且它们之间

有着密切的联系。从形式上来讲，平面设计与绘画之间的关系是相互

依存的，并且在平面设计的审美中可以将“画意”的通感之美体现出来。目前，设计学术界的一些设计师将绘画与现代设计充分结合起来，从而为后代提供了很多优秀的范例。比如：靳埭强先生以前对中国绘

画符号的应用与现代设计的结合有着独特的见解。他设计的作品，不

仅包括了绘画元素，而且他的作品中具有强烈的时代感。与此同时他

的作品的突出特点能够将传统与现代充分结合起来，并且主要将传统

观念作为主导思想，在现代设计中将本土文化融入其中，从而将民族

个性突显出来，最终能够形成独特的设计文化的特点。从平面设计的

作品中，可以看出设计者的审美观念。

1.2绘画中的设计感康定斯基是一位抽象派绘画大师，并且他也是第

一个真正的从内在情感关联的角度来将设计展现在画布上的人。在

1910年，他创作出了《哥萨克人》等。康定斯基认为，每一个形体都

有属于自己的内容，并且世界上的每一种形体的形式之间都有着一定

的联系。与此同时他指出，抽象艺术家要善于利用这些联系，认真研

究这些形体之间的所具有的独特点。在绘画过程中，要将点、线、面

以及色彩本身所传达出来的某种心理感受表现出来，并且要把握好它

们之间的内在联系，给人们展现出一种美。康定斯基在绘画与设计之

间构建一座桥梁，从而能够设计出比例缜密的作品。

2平面设计与绘画的共性

2.1色彩在绘画过程中，色彩是一个基本属性，不过在平面设计的领

域中，色彩也是一个不可或缺的元素。在平面设计与绘画中，“赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫”发挥着至关重要的作用。比如：相关“色

彩对比”、“色彩调和”等。一些设计师不仅能够创造出闪烁的强烈

色彩，而且能够将色彩美表现出来。

2.2比例有一些画家认为：“和谐的构图主要依靠严谨的比例关系”。在构图上，平面设计和绘画都具有严谨性以及和谐性。通过视觉可以

发现比例关系的存有，平面设计和绘画这两者对比例的要求是一致的。

2.3创新绘画的意义重在创新，通过创新可以将个性化的思想表现出来，并且使得创作出来的作品更加具有生命力。绘画具有漫长的发展

历史，不管是在中国还是在西方，每一位优秀的绘画大师都富有创新

思维，并且他们创作的作品都是独一无二的。现代派画家在创作的过

程中，可以不考虑作品的社会性，不过从某种意义上来讲，个性化的

作品才可以将作品的生命力表现出来。在衡量平面设计作品是否优秀

的时候，个性化以及独特性起着非常重要的作用。

3平面设计与绘画的个性

因为平面设计与绘画之间有着相同的特点，因此平面设计与绘画有着

属于自己的个性。

3.1平面设计更加注重实用性表达平面设计与绘画最大的区别就在于

实用性。平面设计是一件商品，并且平面设计具有使用价值，最终能

够为市场服务。要想赢得客户的信任以及满意，从而能够使得平面设

计的价值得以实现。平面设计只有通过市场竞争的考验才能够取得成功。平面设计是否成功主要在于其是否能够美化产品以及通过美化产

品最终使得促销盈利的目的得以实现。在实际设计过程中，每一位设

计师在为客户提供设计服务的时候，要迎合以及满足客户的需要。在

平面设计过程中，设计师要站在客户的立场来考虑问题，并且要揣摩

客户的心理，从而使得设计师的设计方案得以通过。与此同时设计师

在设计过程中，要将自己作品的理念诠释出来，满足客户的要求，最

终能够在市场中占有优势地位。设计师所设计的作品要迎合市场的发展。除此之外，在设计过程中，设计师要充分了解到各类产品中大多

具有的属性，从而能够做出符合产品的作品，最终能够得到消费者的

认可。在平面设计过程中，设计对商品的实用性还体现在要充分结合

目前市场的发展情况，从而能够使得设计作品具有广阔的发展前景。

在绘画过程中，要将作者个人情感表现出来，并且要具备较好的内容

创意，不用去过多地考虑到市场这一方面的因素。与平面设计相比较，绘画更加具有自由以及随意性。

3.2平面设计的秩序美的表达与平面设计相比较，绘画主要体现在追

求以及把握秩序美。美的形式法则是现代设计对实体的进一步把握。

在现代设计发展过程中，一些设计师从实践中总结出了相关一系列版

式编排的形式法则，从而使得现代设计的基础理论得以构成。比如：

在平面设计中，要充分运用比例、力场、中心、方向、对称、均衡、

对比等设计理念，并且德国标准比例以及动力对称学说等可以将平面

设计的独特秩序语言表现出来。有秩序的数理韵律上可以将设计的美

感体现出来，从这一点来看平面设计与绘画有着本质性的区别。

3.3不同的视觉形态绘画主要是通过图的形态将信息传达出来，并且

一幅好的绘画作品包含着较多的信息内容，在某一些场合上绘画可以

弥补文字的不足。但是绘画与文字传播的功能存有较大的差别，绘画

作为独立的艺术形式，具有不同的特点。不过在平面设计过程中，只

有与文字形态充分结合起来，从而能够将自身的价值表现出来。在现

代平面设计过程中，不仅要注重图形与文字的结合，而且要注重文字

与文字之间的组合。

4结束语

绘画与平面设计具有较大的差异，但是二者之间还有想通之处。在平

面设计过程中，要结合绘画，从而能够设计出图形并茂的作品。不过

在绘画过程中，要善于吸收平面设计的优点，创造出优秀的作品。

绘画与平面设计的关联性

工艺美术学与艺术设计关系

工艺美术学与艺术设计关系 工艺美术学与艺术设计的关系 摘要：“设计是包含规划的行动，为了控制它的结果，它是很难的智力工作并要求谨慎的关键的决策。它不重视把外形摆在最优先地位，而是把与之有关的各方面后果结合起来考虑，包括考虑经济、社会、文化效果。”――利特(德国乌尔姆造型学院)。设计在人类文明发展历史上是文化的一部分，自它的诞生之日起既与艺术、也与商业经济有着割不断的联系。从广义上理解设计，其最基本的意义是计划，即为实现具体的目标而建立的方案;从狭义的角度来理解，它包含社会、科学和经济等多重意义的构成形式，体现了从构思、行为到实现其价值的创造性过程。艺术设计，之所以有“艺术”二字，也就是她是具有一定艺术成分和艺术意义的设计，具备一定的审美意义，她主要从美的需求出发，研究设计对象以何种形式呈现，她的产品对象主要是批量生产的工业化产品。由于产品设计所牵涉的多学科、多工艺技术的特征，这些都需要相应的技术方法和设计程序来解决，那么设计方法就是这些领域的观念化指导思想。它的作用是从思维的高度引导设计师实现“人与物、人与环境”关系的辩证理论基础。 关键词：工艺美术艺术设计 就是说，工艺美术学在设计实践中的具体体现主要是系统

论主导的思维方法问题，而我们面对的各种各样功能需求进行设计，在现代设计早已成为了一门科学的背景下，我们不能总习惯于靠经验设计这一手工艺时代的观念来行事，要靠理论，靠思维方法;应该以形式美感、视觉冲击力、设计要素的分配三个方面为基准来进行设计，而这种设计的基准涉及工艺美术学，即为素描、色彩和三大构成。 (一)工艺美术学是建立在农耕文化的基础上，它带有明显农业时代的特征。虽然其中也有一部分民艺品，但大部分是为少数官僚士大夫阶层服务的产物，儒士的审美趣味决定着传统工艺美术的方向和发展。而艺术设计是在工业化大生产中完成的，建立在工业文明的基础上，它带有明显工业时代的特征，为大众服务，民主的意识较强。 (二)工艺美术学中的传统工艺美术相对于当代艺术设计在美学上，实质就是手工技术的装饰美与机械技术的功能美的比较。手工技术的美常带有个人的情趣，贯穿着个人的精神，保持着经验、感性的特征，以装饰为美。而机械技术的功能美是建立在流水线基础上的，以实用功能为最终目的，反映的是大批量、标准化的和谐、统一和理性的技术美特征。功能美与技术美是当今艺术设计美学中的主要内容。如果说工艺美术学中的工艺美术是技术与艺术的结合体，那么艺术设计就是以科学和艺术作为结合体。 (三)工艺美术学所设计的对象主要是手工艺品，而艺术设

色彩在绘画中的作用

色彩在绘画中的作用 色彩是绘画的重要艺术语言，也是一种重要的表现手段和必要的条件之一。在绘画中色彩起着独特的作用。它对塑造人物、描绘景物，可以起到引人入胜、增强作品艺术效果的作用。巧妙地运用色彩，能使美术作品增加光彩，给人的印象更强烈、更深刻，塑造的艺术形象，能够更真实、更准确和更鲜明地表现生活和反映现实，因而也就更富有吸引力和艺术感染力。我们经常看到，有的绘画作品，虽然构图一般，但由于色彩处理得恰当，还是能吸引观众。与此相反，有的作品，如果在构图、素描、透视、解剖等方面都具有一定水平，但在色彩处理和运用上存在问题，这幅作品就逊色了。 一张描绘工人形象的油画肖像画，形体结构和神态表现都很好，但是色彩很脏、很灰暗，或者是很“火”气，就不仅破坏了形和神，还可能在客观上造成丑化工人形象的不良效果。肖像画是这样，风景画和主题性创作也是这样。一幅主题是需要表现欢乐、热烈气氛的画，而作者使用了灰色调或冷色调，则不论在其它方面表现技巧多好，它的艺术效果还是未能达到。这是因为色彩在人们视觉上是有其独特作用的。而色彩在使用上又往往是感性多于理性，因而它在画面上最富有感情效果。它对于深入刻画形象、抒发情感、烘托气氛，准确、鲜明、生动地表现生活，这种独特作用，是其它绘画语言所替代不了的。一般从事绘画工作的人，对色彩都是十分重视的。 作为绘画语言，色彩是重要的造型因素，但它不是第一位的，只有素描才是第一位的。也就是说，我们要重视色彩，但反对色彩第一论与唯色彩论。把绘画中的色彩看成是第一的与唯一的因素，只看运用色彩的技术，这是片面的、也是不正确的。因为作为造型艺术的绘画语言，素描是解决形体结构这一最基本问题的，没有形也就没有造型艺术了。而色彩是依附于形的，不依附于形的一堆色彩是不能正确描绘对象的。我们在绘画训练中，不仅要处理好色与形的关系，更要处理好色彩与主题内容的关系。即色彩的运用必须服从于主题思想，才能达到以形写神，以色写神，使形、色、神浑然一体，以达到内容与形式的完美统一。

摄影对绘画的影响

摄影对绘画的影响 在博客上发表自己的见解，总会听到不同的声音。 一开始还真不习惯，便收起话题。然而，奇怪的是当你不谈了，却有很多人依然惦记着那个话题，从我箱底下挖出东西来质问：“到现在为止你依然未把该说的问题说清楚？” 他指的问题是：绘画与摄影的关系。 既然依然有人惦记，那么我就干脆再谈一谈吧，至于对与错，暂且不去管它了。 绘画艺术是人类最古老的视觉文化之一，当它发展到十六世纪时，其造型技艺已臻完善。画家可以用画笔描绘出客观世界的各种物质属性，形体、质感、包彩和空间透视等等。摄影则是一门年轻的艺术，它伴随着工业文明而到来，是人类社会历史发展到一定阶段的产物。摄影技术的直接性和科学性实现了比画家的描绘更真实的视觉形象的新的可能性，但也正是这种直接性和科学性掩盖了其艺术价值，从而使摄影在最初只能以模仿绘画来争取自己的艺术身份。 因此从一开始，摄影与绘画便结下了千丝万缕的联系。正是这种联系，使得今日，在进行摄影评判或欣赏时仍有人不忘用绘画的标准来衡量摄影。摄影发展到今天，始终未完全从绘画的阴影中走出来。因此理清摄影与绘画的关系对于理解摄影艺术的本质就显得相当重要。 下面对摄影与绘画的异同作一个分析： 相同点： 1．都是视觉艺术。摄影和绘画都是读者用眼睛直接看到具体形象的艺术形式。 2．都是瞬间艺术。这是将摄影与绘画同其他艺术形式相比较而方言的。如话剧、音乐等，它们展示的都是时间的过程，而摄影和绘画是表现某一固定时刻的。 3．都是平面艺术。摄影和绘画都用二维的平面展示艺术形象。它们不同于雕塑和舞蹈。 4．造型元素一致。摄影和绘画的造型元素是—致的，都是用色、线、形、等形式要素将要表现的事物凝固起来展示给观众。 不同点： 1．摄影偏向于现场感、客观性；绘画偏向于假定性、理想化。 摄影的现场感、客观性是由摄影器材如照相机，感光片等的物理特性决定的。摄影整个过程中，要多次借助科学技术，要运用机器作助手，离开照相机本身的机械作用，离开暗室工艺，摄影作品的产生便不可能。而绘画则不然，一枝画笔一张纸(或一块布)，加上颜料，作者便可随心涂抹，欣然命笔。 2．瞬间的表现。 摄影与绘画都要凝固瞬间，然而摄影对瞬间凝固的方式是受天、地、人的严格限制的，所谓“机不可失，时不再来”“过了这村没这店”便是指此而言。“摄影家只能在顷刻之间完成，不能拖延，不能停顿，不能修改，不能再作考虑。在他打开镜头的一刹那，所有细节全被记录，甚至比他用脑筋记忆还要快。”威斯顿《以摄影的方式看摄影》绘画则不同，它虽然也只能表现某一个历史瞬间、某一个生活断面，但它显得从容自由，画家完全可以将反复构思的瞬间凝结，存之于心，随后在画室胸有成竹地反映出来。绘画中的瞬间是经过画家感受生活、决定主题、构思画面、打出草稿、反复修改、最后固定下来的。而摄影的画面瞬间则是摄影家现场看到、想到、抓到的。绘画的着眼点，受人眼自然的、生理条件的制约。画家只能画人眼所见到的。如对奔跑的骏马四蹄的画法，就曾为哪个蹄子着地争论不止。而摄影是科学的记录，它往往能摄到人眼看不到的，因为在观察事物上，相机的镜头要比人眼来得精确。人眼的视觉只能停留在第—认知层次上，而镜头视觉甚至可以延伸到原子核的内部。 3．光与影的应用。 光的记录作用，是摄影的特长。可以说，摄影是用光来表达思想和记录感情的。而绘画对光的表现就略逊

平面设计简答题

17.“新艺术”运动与“工艺美术”运动的相似点和区别（必考）： 相似处：a.它们都是对矫饰的维多利亚风格和其他过分装饰风格的反动;b.都是对工业化的强烈反应；c.它们都旨在重新掀起对传统手工艺的重视和热衷；d.它们也都放弃传统装饰风格的参照，而转向采用自然中一些装饰动机。 区别：“工艺美术”运动比较重视中世纪的哥特风格，把哥特风格作为一个重要参考和借鉴的来源，把中世纪的设计作为追求的核心。而“新艺术”运动基本完全放弃任何一种传统装饰风格的借鉴。“新艺术”运动是历史上第一个完全抛弃对历史的装饰和设计风格的依赖，完全从自然中吸取设计装饰动机的设计运动。对于历史风格的大胆否定，却奠定了以后各种设计运动对于历史风格的断然断绝关系这种方式的基础，从这个层面上看具有对于后来的“现代主义”运动在精神上的实质影响和贡献。 在思想层次上来说，“新艺术”运动是为豪华、奢侈的设计服务的，是为少数权贵服务的，而“工艺美术”运动强调设计的民主特性，强调设计为大众服务的思想具有进步性。 1.简述“工艺美术”运动及其风格特征，并列举代表人物及其作品。 答：所谓的“工艺美术”运动，指的是起源于19世纪下半叶的一场设计运动。以往设计的机械制品丑陋不堪，设计低劣，同时过分讲究装饰、娇饰做作的维多利亚之风在设计中不断蔓延，从而使传统的装饰艺术设计失去了造型基础而成了一个为装饰而装饰、画蛇添足的东西。工艺美术运动在此日趋严重的状态下发生，以追求自然纹样和哥特式风格为特征，宗旨在于提高产品的质量，复兴手工业品的设计传统。这场设计运动是由被誉为“工业设计之父”的威廉·莫里斯倡导。 （1）建筑设计与室内设计领域中，代表人物有飞利浦·威柏、诺尔曼·萧，美国有弗兰克莱特、格林兄弟，设计了着名的根堡住宅。（2）家居设计中除了红房子设计外，还有英国的查尔斯·沃塞，美国古斯塔夫·斯提格等。（3）陶瓷设计领域中，最为出名的是斯托弗·德雷塞、马克·马歇尔和科尔曼等人。（4）染织品领域中，莫里斯是最有影响的，莫顿·阿比受其影响开设了自己的染织厂，生产各种地毯和挂毯，称为“汉姆史密斯式”。 2.简述威廉·莫里斯的设计思想。 答：1877年，莫里斯在《小艺术》中明确提出了自己的设计思想，他认为：我们没有办法分别所谓的大艺术（造型艺术）和小艺术（设计），把艺术如此区分，小艺术就会显得是毫无价值的，机械的，没有理智的东西，而从另外一方面来说，失去了小艺术的支持，大艺术也就失去了为大众服务的价值，而成为毫无意义的附庸，成为有钱人的玩物。此外，他强调设计的两个基本原则是：一，产品设计和建筑设计师为千千万万人服务的，而不是少数人的活动；二，设计工作是集体的活动，而不是个体劳动。这两项基本原则使他的设计思想中带有浓厚的民族色彩，很符合资产阶级所标榜的民主思想。因此，在英国和美国等国家产生了相当大的反响。 从其出发点上，我们可以看出他的设计思想具有进步意义，其中包含着很多真知灼见。但是，其内在矛盾性也是较为显着的。一方面是脱离了大众的生活实际消费水平，另一方面也有时代的局限性。68.后现代主义设计的风格特点： 1）、从意识形态上看，设计上的后现代主义是对于现代主义、国际主义设计的一种装饰性发展，其中心是反对米斯·凡德洛的“少则多”减少主义风格，主张以装饰手法来达到视觉上的丰富，提倡满足心理要求，而不仅仅是单调的以功能主义为中心。2）、设计上的后现代主义大量采用各种历史的装饰，加以折衷的处理，打破了国际主义多年来的垄断，开创了新装饰主义的新阶段。 69.后现代主义平面设计的风格特征： 后现代主义设计运动是从美国发展起来的，所谓“后现代主义”平面设计，其实是对现代主义的一个改良，而方法主要是把装饰性的、历史性的内容加到设计上，使之成为平面设计的一个组成因素。加入了各种历史的装饰动机，后现代主义的平面设计分为几个类型：1）、“新浪潮平面设计运动”，这个运动的领导人是瑞士巴塞尔的平面设计家沃夫根·魏纳特。2）、意大利孟菲斯集团和旧金山激进平面设计运动3）、“里特罗”的欧洲怀旧风格设计运动，以

举例说明设计与艺术的关系

设计与艺术有什么关系? 姓名:晋伟学号:2011210357 专业:环境艺术设计 刚进大学时,第一次听到老师问我们:什么是设计?什么是艺术?有什么关系?带着迷惑,一年马上就要过去了,如今,虽然我还是不能很好的回答,但是每个人总有每个人的总结与理解。以下便是我一年来对艺术与设计的一些了解与认识。 一、什么是设计？ 设计(Design）主要指设想、规划、计划、构思等，设计的含义是非常宽泛的，而且设计的定义也是众说纷纭，莫衷一是。在《朗文英汉双解词典》中，对Design有这样的解释：作为动词有设计、绘制、计划、谋划、预定的意思；作为名词有计划、设计图、图样、图案、图样设计、美术工艺品的设计、装饰图案的含义。《实用英汉词典》对英语Design一词的解释是作为动词有设计、立意和计划的含义；作为名词有计划、草图、图案、风格和心中的计划等意思。将使用与美观结合起来，赋予物品物质和精神功能的双重作用，是人类设计活动的一个基本特点。设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类得以生存和发展最基本的活动，它包含于一切人造物的形成过程之中。总之，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。可以说，设计时一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循使用化求美法则的艺术创造过程。

二、艺术是什么？ 关于艺术，希腊语作teche,拉丁语作ars,都有技能和技巧的意思。在古代，艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。中国古代以礼、乐、射、御、书、数为“六艺”，日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。在西方，艺术的美学观是渐渐出现的。绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科(Liberal Arts)之中，西方古代至中世纪并没有一个缪斯专门分管他们。由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术(Fine Arts)的概念，以别于应用艺术。人类早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才使得艺术从实际的技术中分离出来，而艺术的观念也发生了变化。 三、艺术与设计的关系 记得上学期构成老师说：“艺术更感性而设计更理性。设计注重形式与功能，而艺术更多的注重审美。”这是一个艺术教育者对于设计与艺术的一个理解,当然后来也在网上看见了一些理解,便把它做如下总结。 ( 一、)古代艺术与设计之间的关系 从历史的发展过程来看，人类早期的设计与艺术活动是融为一体的、是同源的，都是造物文化的分合离散所致，因此它们之间的关系是亲密而不可置疑的，设计最初的意义是指素描、绘画，“设计”这一概念本身就是从美术与建筑实践中引申出来的，犹如西方美术史之父瓦萨里在全面讨论设计这一概念时所说：设计是三项艺术如建筑、

艺术设计与商业设计的关系

艺术设计与商业设计的关系 前言：商业设计是面对大众消费者口味的。从艺术设计者而言：商业设计注重的是“商品”，绘画艺术注重的是“设计者本身”；即是客观和主观的比重问题。一个好的商业设计肯定是受大众欢迎的，但一个好的绘画作品却不一定受大众的欢迎。因为一副好的绘画作品其作者本生所具有的艺术修为是少数人才拥有的，同时欣赏者在观其作品时必定注入了自己的理解和情感。 社会是在不段的进步发展，因此，随着社会的进步，文化活动、文化功能也随之扩大化、细致化。而创造性活动也随之，有着越来越有目的和计划性。因此，设计这个概念也随之产生。 设计的行为受文化约束,，不存在脱离文化约束的设计我们在谈论文化和设计的时候，总是将其联系在一起。做为设计行为，其首先就是要了解社会文化背景，包括适用人群、人文风俗、色彩偏好、功能需求等等，有了这些信息，设计才能够进行下去。并且，设计师是人这个主体，而人总是存在于一个历史时期，在某个社会背景下的，他们的理念、行为方式都来自于那个特定时代的文化，即便是社会的英才、时代的先驱，也必然是在这个时代背景下的，因而设计的结果是反映当前时代的文化。 艺术设计是以艺术作为设计主导，综合了广告学、传播学、心理学、市场学、社会学等诸多学科，作为一种设计学科，其目的是促进消费观念的改变和提高。商业性设计是随着经济的发展而产生的一门独立且非边缘的设计学科。商业性的设计以平面广告为主，有报纸、杂志、路牌等。而现在的广播、电视、pop，广告、车身广告、电影软片广告也属于一种时空性的商业性设计。商业性设计的社会大众认知感是首位因素，即产品的核心。与消费者的倾向点对应的，常常是“商业性设计的核心”。即找到了商业性设计的表现方法，商业性设计也就由此而产生了。 一、什么是艺术设计与商业设计 艺术设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类。同时艺术设计也是一门综合性极强的学科，所谓艺术设计，就是将艺术的形式、美感结合社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面因素，再现于和我们生活精密相关的设计当中，使之不但具有审美功能，还具有使用功能。换句话说，艺术设计首先是为人服务的，艺术设计应是

C++课设：简单画图程序

简单画图程序 1.基本功能描述 本次课程设计的任务是利用计算机和VC开发环境编写一个简单画图程序，该程序的设计指标（即主要功能）有：①用鼠标拖动绘制圆、椭圆、矩形，线等基本图形；②能控制画笔的线宽和颜色；③能对图形进行颜色填充；④在鼠标移动的过程中能实时显示当前绘制的图形。 除了以上几点功能，我有另外添加了工具栏、铅笔、橡皮等功能来使程序更方便地让用户使用，简化了人机交互的过程。 2.设计思路 首先是界面的问题，既然课设的题目是简单画图，那在建立工程的时候就要选择文档结构而不是以前做的基于对话框。可选择单文档结构或多文档结构，但想到画图界面一般只有一个，从简洁的角度考虑，选择单文档结构。而且用户界面在设计的时候要尽可能简单美观，一目了然，对相应功能有图标提示，使用户方便使用。 然后便是画图功能的具体实现。分析课设要求，可以发现功能一要求的的椭圆、矩形、直线可以分别通过Ellipse();、Rectangle();、MoveTo();、LineTo();这四个函数来实现。功能二控制画笔线宽和颜色可以给二者分别关联参数，通过改变线宽参数值来控制线宽，通过调用通用对话框改变颜色参数值来控制颜色。功能三对图形进行颜色填充虽以前未接触过，但查阅资料后发现可以调用ExtFloodFill();并合理设定参数值来实现。功能四的实时显示功能可以通过调用MouseMove();函数来实现。 这些功能需要建立菜单资源来表示各个功能选项，并建立相应的消息响应函数来进行实现。另外，画图程序主要是通过鼠标来进行操作，所以要对鼠标消息的响应及处理函数多下功夫来思考和编写。 至于额外添加的功能，工具栏通过添加工具栏资源和关联相应菜单中画图功能ID实现；铅笔、橡皮的功能则是利用MouseMove();函数，在其中做了一些改动来实现。

色彩在绘画中的应用

色彩在绘画中的应用 时间：2008-11-17 15:47:40 来源：作者： 一、色彩与绘画的关系 马蒂斯曾经说过：“如果线条是诉诸于心灵的，色彩则是诉诸于感觉的。那你就应该先定线条，等到心灵得到磨炼后，它才能把色彩引向一条合乎理性的道路。”一幅画中，色彩往往只起着一种吸引视觉注意力的诱饵作用，所以传统上把形状比作富有气魄的男性，把色彩比作富有诱惑力的女性，形状和色彩的结合对于绘画是必不可少的，绘画作品由于有了色彩才会产生更加诱人的魅力（图44）。 图44 秋海棠（水彩画） [英] 查 理斯·雷尼 二、固有色、光源色、环境色的关系 色彩应用于绘画，首先必须了解描绘物象的固有色、光源色、环境色以及它们之间的相互关系和变化。

(一）固有色 物体的色彩受光源的制约，物体的本身并不呈现恒定的色彩。前面我们已经谈过物体的固有色并不存在，但我们在绘画过程为了研究方便或便于观察常引用“固有色”这个概念。固有色是指在特定光源条件下物体占主导地位的色彩，这种特定光源条件泛指白天日光下物体呈现的颜色，比如绿树、红花、蓝天等。固有色在柔和的光线下较为明显，强烈的光照下则会减弱，在灰暗的光线下也显得不够明确。其次固有色与物体的质地关系密切，质地松软而表面粗糙的物体，因对光源色的反射较弱，物体受光源色、环境色影响较小，固有色明显；质地坚硬而表面光滑的物体，因对光源色的反射强烈，环境色对其影响也较大，则固有色较微弱（图45）。 图45 静物（水彩画）[美]史蒂芬·朵荷提图46 秋（水彩画）王绍 波 中国传统绘画以平面造型和设色为主，注重固有色描绘，欧洲文艺复兴以前的绘画也是注重于描绘物体的固有色。

再论摄影和绘画的关系

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/2f16530904.html, 再论摄影和绘画的关系 作者：于圣蛟 来源：《文艺生活·文艺理论》2013年第11期 摘要：摄影和绘画之间的关系，两者相接触的点，观念摄影就是用相机拍照的方法表达 作者对社会对生活的一种体验。与绘画同为平面艺术，都是作者主观思想的表现。两者共同点都是发现美，假如简单点说，摄影师留住美丽，而绘画是加工美丽。 关键词：摄影；绘画；关系点 中图分类号：J405 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）32-0055-01 一、摄影和绘画之间的关系点 19世纪的摄影史就是以模仿绘画为始终的历史。可见，摄影自诞生以来就和绘画有着千 丝万缕的联系。一张绘画作品，或多或少凝聚了创作者的想法和观点，就是你看到很像拍下来的一样，在当中画画的人进行了处理，比如说更突出主体，削弱背景，模糊分界线，同样表现一个人或者景，可以用直线、曲线（从线条的语言上说）表现，也可以用素描、中国画、油画、水彩、水粉、版画……（从绘画的形式上）表现。而这一切，在选择以上的绘画语言或者是绘画形式方面，也是一种个人的理念或者是主观意识（你为什么选择水彩而不选用素描表现？为什么你画得写实而不画成是抽象呢？）。摄影，则在抓拍上有着更有说服力的优势。摄影提供了人们了解过去面貌和现在情况的大部分知识，对一个人或者一次事件的描写是一种解释，绘画亦是如此。 绘画可以说是摄影的前身，用摄影记述实物状态，而摄影的技术多以绘画作为基础，比如色彩搭配、布景的框架，以及现在还有虚化的摄影艺术类似印象派的画。 摄影是作为一种自命不凡的活动登场的，似乎是要侵蚀和损害绘画，对于波德莱尔而言，摄影是绘画的“死敌”，但是最终双方达成停火协议，根据该协议，摄影被认定为绘画的解放者，1930年韦斯顿写道：“摄影已经、或最终将否定大部分绘画——对此画家应该深深感激才行。”摄影把绘画从忠实表现的苦差中解放出来，使绘画可以追求更高的目标：抽象。 我认为，其实，摄影作品的主体，在有些时候也能拥有与一些绘画作品一样的动人心魄的美。 现如今，绘画与摄影已经不存在谁威胁谁的问题了，二者的关系是一种越界与驱逐、吸引与排斥、同化与异化的似敌似友的关系，而这场爱恨交加的游戏的结果是，摄影与绘画最终都因对方所给的刺激而获得了新的发展。 二、摄影和绘画的异同

绘画与平面设计的关联性

绘画与平面设计的关联性 1平面设计与绘画的相互感通 因为绘画具有巨大的感染力以及亲和力，并且绘画能够和设计、文学 等多种艺术形式联系起来，并且可以将“诗情”和“画意”的审美效 应激起。在平面设计的审美效应中，其中的实用性与鉴赏的相互感通 是非常重要的。 1.1平面设计中的画意平面设计与绘画都是艺术学科，并且它们之间 有着密切的联系。从形式上来讲，平面设计与绘画之间的关系是相互 依存的，并且在平面设计的审美中可以将“画意”的通感之美体现出来。目前，设计学术界的一些设计师将绘画与现代设计充分结合起来，从而为后代提供了很多优秀的范例。比如：靳埭强先生以前对中国绘 画符号的应用与现代设计的结合有着独特的见解。他设计的作品，不 仅包括了绘画元素，而且他的作品中具有强烈的时代感。与此同时他 的作品的突出特点能够将传统与现代充分结合起来，并且主要将传统 观念作为主导思想，在现代设计中将本土文化融入其中，从而将民族 个性突显出来，最终能够形成独特的设计文化的特点。从平面设计的 作品中，可以看出设计者的审美观念。 1.2绘画中的设计感康定斯基是一位抽象派绘画大师，并且他也是第 一个真正的从内在情感关联的角度来将设计展现在画布上的人。在 1910年，他创作出了《哥萨克人》等。康定斯基认为，每一个形体都 有属于自己的内容，并且世界上的每一种形体的形式之间都有着一定 的联系。与此同时他指出，抽象艺术家要善于利用这些联系，认真研 究这些形体之间的所具有的独特点。在绘画过程中，要将点、线、面 以及色彩本身所传达出来的某种心理感受表现出来，并且要把握好它 们之间的内在联系，给人们展现出一种美。康定斯基在绘画与设计之 间构建一座桥梁，从而能够设计出比例缜密的作品。 2平面设计与绘画的共性

美术课程设置(完整资料).doc

【最新整理，下载后即可编辑】 美术课程设置： 招收对象：4岁—13岁 课程类别： 1、4-7岁艺术启蒙90分钟/节（一个月3次绘画1次手工课；课程以儿童水粉、线描、版画、创意材料等为主，通过线条、图形、颜色等三大方面进行系统学习，主要锻炼孩子的造型能力、颜色搭配和开发孩子的想象力和创造力。） 2、7-12岁中国画90分钟/节（主要以写意画为主，从儿童国画入手，慢慢深入到传统国画的学习。要求孩子有一定的绘画基础。） 3、10-13岁素描动漫120分钟/节（素描课程主要以素描几何形体，素描静物、彩铅写实等为主。动漫课程主要以Q版动漫入门、日式动漫为主。） 自我特色：我们的老师都是专业美术院校毕业的，教授课程更专业，更新颖。我们的课程设置环环相扣，有体统的进行学习。我们的创意儿童画主要以水粉为主，并不是像其他地方让孩子用水彩蜡笔照着老师的画进行绘画，我们主要以教授孩子绘画技法，激发孩子的想象力和创造力，并且尊重孩子的想法。 问一：一周几节课一次多少时间？ 答：一周一次，一次90-120分钟（不同学科课时时长不一样。）问二：4-7岁孩子可以学什么样的画？课程怎么安排的？ 答：1、4-7岁孩子没有绘画功底的可以学习我们艺术启蒙课程，孩子上课主要以水粉画为主，从基础的线条、图形、颜色等方面进行学习。主要锻炼孩子的造型能力和颜色搭配。每个月3次绘画课一节手工课。手工课主要以超轻粘土立体作品为主，锻炼孩子的能手能力和创造力。 2、7岁如果有一定绘画基础了（家长不想让孩子在学儿童画了）可以学习国画课程。如果能力强还可以学习动漫课程。

问三：几岁可以学习素描课程？ 答：10岁以上，因为素描基础课程涉及形体的概念，孩子太小很难理解立体形体的知识点。还有素描主要是黑白灰三大色调，孩子太早接触会觉得枯燥没意思，导致开始抵触美术。 问四：老师是哪毕业的，专业么？ 答：所有上课老师，都是专业美术院校毕业的，从事美术教育行业至少2年以上。 问五：4-7岁孩子学完儿童画还能继续学什么？ 答：我们美术课程是有系统的培养孩子学习更专业的绘画。4-7岁孩子学习过儿童画之后有了一定的基础，接下来可以针对孩子喜欢某一科进行深入学习，例如，国画，素描，动漫，彩铅等课程。

摄影与美术的关系

前几日朋友们一起谈起摄影与美术的关系，尤其是激烈地争论到一个话题：学习摄影是否必须要学习美术？因自己早年学习过20多年的美术，也在四川美术学院混过几年，主攻油画，同时也端了二十多年的照相机，算是对绘画与摄影都有一点了解。为回答朋友问题写了一篇《从摄影、美术、PS的关系说起》的帖子，不当之处敬请纠正。 美术是人类最古老的艺术，发现人类史前的岩画远比文字古老得多，美术早已形成了自己坚实而厚重的系统理论、也留下了无数优秀的经典绘画作品以及各种艺术流派；而摄影的历史只有100多年，且在很长一段时间内，人们是以一门纯机械技术来看待摄影的，或认为摄影最多只是美术的一个附庸品，直到近代才被广泛承认是一项独立的艺术门类。 不可否认，摄影的各种艺术流派和形式都与美术的艺术流派和形式有密切的联系，几乎总是先有美术流派后有摄影流派，这是因为美术历史和文化渊源太长太厚了，摄影与美术又同属视觉造型艺术，摄影艺术自然要从美术理论和美术形式中汲取丰富的营养。 但正如我们看到的那样，摄影也有自己不同于美术的独特艺术魅力。希望大家从中了解美术各种艺术流派和摄影各种艺术流派的来源与发展的渊源关系。 特别需要指出的是，不要认为真实客观性是摄影艺术的唯一特性，摄影除了新闻工作和纪实性作品要求必须尽量做到客观真实外，绝大多数摄影艺术作品并不是对客观真实世界的反映，而是人们借助于照相机这个工具来表达自己对客观世界的主观感受和情感思想，如影楼婚纱、艺术人像拍摄、商业摄影等等，都渗透着摄影师或被摄影主体预先已策划的创作思想和情感，尤其是后期的有意识处理和现在的PS创意作品，都是属于摄影艺术的范畴。 但我们国内大多数摄影师和摄影爱好者在欣赏摄影作品时，都自觉或不自觉地仅以纯客观真实这个唯一标准来看待和评判摄影艺术，这显然是太过于窄小了，这反映出我们大多数摄影人对世界摄影的各种艺术流派并不了解，尤其是对美术和摄影的关系不了解，所以我们需要多了解一些美术史与摄影史，做到对摄影主流艺术派别有大致的了解和鉴别，才不至于到处开黄腔、不懂装懂被行家所轻视，同时，也能够极大提高和拓宽我们创作摄影艺术的思路和手法。 就摄影艺术而言，确实与美术是有相同相通的地方，但摄影与美术也有明显的区别，就是因为摄影与美术有显著区别，所以才自成体系、自成一家，摄影有着自己独立的艺术理论基础和技术技法体系。 相同的方面主要有： 1、两者都是属于视觉画面造型艺术； 2、都是运用构图、空间、黑白或色彩关系来记录、描述或表达自己在一定空间和时间对客观世界物体的感受，并以此传递给大众； 3、两者都同属造型美学范围，都能在不断实践中提高自己或大众的审美情趣和审美能力。 不同的方面或主要区别有： 1、材料或工具不同。美术家是运用画笔、颜料、纸张、布料、木料、泥料、金属等等多种物质材料塑造客观物体；摄影师则是运用照相机、感光胶片、电子感光材料、冲印设备或计算机、后期处理软件等记录或复制客观物体；

简单画图程序-课程设计

简单画图程序-课程设计 目录 1. 基本功能描 述 ............................................................. 1 2. 设计思路 ................................................................. 1 3. 软件设 计 (3) 3.1 设计步 骤 (3) 3.2 界面设 计 (6) 3.3 关键功能的实 现 ...................................................... 7 4. 结论与心 得体会 ........................................................... 8 5. 参考文 献 ................................................................. 9 6. 思考 题 (9) 7. 附 录 ..................................................................... 9 7.1 调试报 告 (9)

7.2 测试结 果 (10) 7.3 关键源代 码 (1) 武汉理工大学《专业课程设计2(面向对象程序设计)》课程设计说明书 简单画图程序 1. 基本功能描述 1) 在菜单处的有相应的菜单项，可以选择绘制的图形形状，如直线、矩形及椭圆，可 -5可供选择，还可以选择线色以及填充色，通过弹出的颜色对话框选择以选择线宽，有1 需要的颜色，如果不选择线宽、线色以及填充色，则按默认的画笔以及画刷来绘制选择的图形。 2) 选择好图形后，通过鼠标可以绘制出相应的直线，矩形或椭圆，鼠标的按下确定图形的起点，鼠标的拖动则确定了图形的终点，即通过鼠标的拖动来决定图形的大小，鼠标弹起，此图形则绘制完毕。 3) 增添了工具栏，有相应的选择项，可以更方便地实现相应的功能。 2. 设计思路 1) 对需要用到的变量进行初始化。 2) 选择相应的图形之后就响应相应的消息处理函数，给shape赋对应的值。选择不同的线宽，线色与填充色，则改变画笔和画刷的属性。 3) 鼠标的按下响应LButtonDown()，定义起点的坐标，鼠标的拖动响应MouseMove()改变终点的坐标，鼠标的弹起响应LButtonUp()，刷新，得到绘制图形。

绘画中色彩与素描的关系

第26卷第2期集宁师专学报Vol.26No.2 2004年6月Journal of Jining Teachers College June.2004 绘画中色彩与素描的关系 焦俊亮 (集宁师专内蒙古集宁012000) 内容提要绘画中色彩和素描既是两个不同的概念,又是艺术造型的手段,本文试图通过自己的教学实践和绘画经验,充分揭示和阐述色彩和素描二者本身的内涵以及它们 之间的密切联系,从而来体现色彩和素描在绘画艺术中的地位和作用。 关键词色彩素描造型基础明度明暗 分类号J20文献标识码A文章编号I SSN1009-7171(2004)02-077-03 无论是课堂上的写生,还是课后的创作,我们都会遇到这样一个问题:色彩与素描的关系。经过多年的教学实践和对绘画作品以及绘画理论的反复思索专研,我对绘画中色彩与素描关系有了更深刻的理解,仅以以下拙见与同仁商榷。 在绘画中色彩和素描的训练目的都是提高学生的造型能力。但是两者的训练方向相差甚远,研究内容也大相径庭,如果说素描是理性的,那么色彩则是感性的。素描写生的过程是将感官感觉归纳为单一色调形式,从而研究对象的透视、结构、解剖等,并用单色调表现出来。色彩写生则是凭借掌握的造型知识,利用现有的色彩工具、材料将观察到的客观物象表现出来。素描解决的是观察基础上的理解,色彩解决的是理解前提下的观察方法。素描作为研究形体和训练的手段被西方大师一生不停的运用。一幅油画名作的诞生往往会伴随着许多优秀的素描作品出现,如我们熟悉的西方艺术大师/伦勃朗素描0、/达芬奇素描0、/门采尔素描0大多归于此类。色彩由于是表现感觉,许多习作往往直接作为最终的艺术作品,如印象派的很多作品。 在不同画家的绘画作品中,素描与色彩的因素是有侧重的,例如:古典画风比较侧重素描的严谨,表现准确的形象、质感、空间体积感和气氛等,强调理性而忽视感性,强调素描而忽视色彩。印象派则更侧重色彩的表现,以光色变化表现物象瞬间印象,习惯表现客观环境下引发的主观激情,以线条与色彩抒发意识,强调色彩的感觉和表现。但作为造型艺术基本功的训练,素描和色彩是同等的重要。画好色彩必须得先画好素描,虽说西方大师大都是以色彩作品著称于世,但他们的成功却都是建立在扎实的素描功夫上的。足以见得大师们对素描的学习是何等的重视。因此,对素描和色彩的学习应该相互结合不可偏废。 素描和色彩都是艺术造型的手段,虽然它们的体裁容量、艺术效果、审美情感、工具性能和绘画语言等表达方式各有追求,但是,塑造形象则是它们共同的准则。素描称得上是一切绘画艺术造型的基础,是被看作进入艺术殿堂的必经之路,它所涉及的范围几乎囊括了艺术的全部领域(其中包括色彩)。素描运用其关系表现物体空间、形体、结构、光影等内容,这些内容同样也是色彩造型必须考虑和完成的,因此,要学好绘画,就必须具备从素描基础上升到色彩造型的 # 77 #

摄影与绘画的相互影响

摄影与绘画的相互影响 19世纪的欧洲画坛处在一个辉煌的时期，先后经历了古典主义、浪漫主义、现实主义和象征主义几个时期。自达芬奇之后，画家严格遵循焦点透视、明暗投形等光学效果，使画面呈现出一种主体真实的效果。在30、40年代的写实绘画惟妙惟肖，达到了逼真的效果。 例图：米勒的《拾穗者》 1839年当法国学术院向全世界公布摄影的诞生后，摄影以其迅速逼真捕捉形象的能力，使画家感受到了前所未有的压力。 绘画发生了变革，接受了摄影的瞬间印象，绘画开始由具象转向抽象，例图：莫奈《日出·印象》消除了绘画的呆板，展现了艺术家的主观感受，后印象主义启迪了两大现代主义艺术潮流，即立体主义、野兽主义。 例图：塞尚梵高高更 印象派画家影响了20世纪艺术，后出现的抒情抽象主义，实际上是吸收了东方绘画因素。 例图：毕加索梵高 一、中国诗画与中国风光摄影的关系 中国画的“意境”也就是中国画的精髓，是中国艺术史上独有的传统美学概念。如绘画中的一些术语“象外之象”、“景外之景”、“韵外之致”、“言外之意”，如古诗中谈到的三境：一曰物境、二曰情境、

三曰意境，物境讲形似，情境讲情感，意境就是用我们现代人常用的情景交融来形容。意境之意，早用于诗，晚用于画，在诗画中有意境者多为写景抒情之作。 例图： 写意与写实不同，它更突出了人的主观能动。简单的说，写意创作就是“发现”与“表现”的过程，写意创作最初萌发于意外的发现，一旦锁定了拍摄目标，就可以考虑如何去表现，也就是偶然与必然的结合。 中国风光摄影就应该像中国诗画一样，追求写意营造意境，带来完美。 二、风光摄影的意境 在中国摄影的构成中，自然风光摄影一直占据着很重要的位置，这与中国传统美学以及源远流长的中国画的山水和花鸟绘画传统有着根深蒂固的关系，是中国传统绘画衍生了中国的风光摄影。所以在我们创作拍摄影像作品时，就应依据中国传统的美学理论和观念，从研究中国绘画入手，去破解中国风光摄影的灵魂“意境”。 例图： 三、中国风光摄影应掌握的几点要素：难、真、美、实 1、难：风光摄影易如门，难精通。 例图：

浅谈设计与艺术的关系

课程论文 课程《外国美术欣赏》 姓名沈科妤 专业10级环境艺术设计（二）班学号201053080108 成绩：授课教师签字：

浅谈设计与艺术的关系 通过这门课程对艺术有了更加透彻的系统的了解。通过课程的讲述和我在课后对《世界现代设计史》、《中国工艺美术史》的学习，了解到学设计的学生必须领悟的文学艺术中的内涵才会对设计有更为深刻的理解。 单从浅薄的层面可以这样来理解，艺术就是艺术家创造出来的供人们欣赏和另入思考的作品，它的特点是作者不用考虑受众，也不用考虑经济效益，完全是创作者主观的意识通过作品的表达。但是对于设计，狭义理解的设计，设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类以生存和发展最基本的活动，它包含于一切人造物的形成过程之中。从这个意义上来说，自人类有意识地制造使用原始工具和装饰品开始，人类的设计文明便开始萌芽了。设计很主要的一个特征就是必须考虑受众的感受，以及解决问题的效果。 艺术是设计的前提，如果一个人不会感悟美好的事物，那么他所谓的灵感就不能感动人心，就不会有好的作品呈献给大家。而设计是艺术的一种表达，能把自己领悟后所得的特定事物来表达出来，就是自己对该事物的一种理解和收益。艺术里有技能和技巧的意思，而设计是设定与计划；艺术是理论感性层次上的门类，而设计是实践为主的门类，相互依存。 康德认为艺术美有两种，即自由美和依存美，后者含有对象的合乎目的性。对康德而言，合乎目的是一个更有优先权的美学原则，它与功能相近。设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实用追求审美法则的艺术创造过程。设计的草图或模型，本身就可能具备独立的审美艺术和价值。在现代中，很多设计作品的形式表现出与现代雕塑与绘画的密切联系。包豪斯时期，结构主义的抽象形式与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。康定斯基的抽象构成主义绘画与名信片的设计也就是构成主义的风格。荷兰画家蒙特里安《红黄蓝构图》就直接影响了里特维尔德的家具《红黄蓝》椅的设计，这表明艺术对设计有相当的影响。现代建筑和工业制成品是一种艺术形式，至少部分是艺术。在近现代中，设计与艺术之间的距离日趋缩小，新的艺术形式的出现诱发新的设计观念，而新的设计观念也成为新艺术形式产生的契机。

论艺术与设计的关系资料

代码学号分类号密级 论艺术与设计的关系 二级学院艺术设计学院 专业名称环境设计 年级 14级环艺11 学生姓名 指导教师 2015年12月13日

【摘要】：我们正处在一个经济飞速发展的时代,世界各国人民对于环境的重视程度越来越高。经过了一些国家经济的成长,对于由此而引起的自然环境和历史环境的破坏引起了人们不断的反省,人们进一步理解了“衣食足然后知设计”这一道理。随着各国建设事业的推进,无论是旧城区的改造更新,还是新城的大规模建设,人们的休闲和娱乐……都为环境设计提供了各式各样的机会,无论是国家还是市民,都把环境设计做为一项大事业、一个大课题来对待。 【关键词】：环境设计环境艺术艺术与设计 一、论设计与艺术的关系 在人类刚出现在地球的远古时期，也就是12000年前的旧石器时代末期，人类设计行为的发生是伴随着“能够制造工具的人”的出现而开始的，而设计行为的持续发展由于人类文明未曾中断的历史一样悠久。在悠悠的历史长河中，随着人类物质文明的发展，设计也从最早时期的有意识、有目的的加工，慢慢演变成为今天涵盖人类审美和功能需要的创造活动。我认为此衍生出来人类对美的需求，也就是今天所说的艺术。 广义的设计包括了人类所有生物性和社会性的原创活动，从这个层面说，人类史上第一位设计师应该是用石块或棍棒作为工具或武器，有意识、有目的的挑选石块，打制成器的那位。而艺术的希腊语和拉丁文都有技能和技巧的意思，与现如今我们理解的美和道德所代表的艺术略有不同，但是从艺术的最原始词义来讲，艺术应该是从原始设计师们的工具制作过程中产生的。可以说，设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循使用化求美法则的艺术创造过程。设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面。由马斯洛的需要层次理论可知，人类的需求分为七个层次，分别是生理需求、安全需求、感情需求、获得尊重的需求、自我实现的需求、被认知和理解的需求以及最终对美的需求。 随着人类生产力和科技的不断发展，设计对美的不断追求就决定了设计中必然的艺术指向。总而言之，艺术和设计时密不可分的。包豪斯提出的三个观念可以解释一部分艺术和设计的关系：艺术与技术的新统一，设计的目的是人而不是产品，设计必须遵循自然与客观的法则来进行。人类与生俱来的对美的追求，需要通过客观物的载体实现，从这个角度来说，设计物形式美的创造，并不仅仅是为了物的美观和漂亮，而是为了满足人在使用时的审美关照，满足人使用时所获得的审美感受而存在。 艺术性是人的精神需求，也是人性中融合文化、时尚、经验所形成的复杂同意体，通常带有一定的普遍性因素。因此，在设计艺术时间的具体表现上，往往以流行的风格样式来对应。这是设计艺术的艺术性本质最表面，也是最活跃的表现设计艺术的艺术性本质是以满足人的精神需求而存在的，是衡量是实现设计艺术创造性的主要途径。 艺术与设计既是有区别，但是同时他们也有着不可分割的的紧密关联的。 艺术与设计有着密不可分的联系。早在原始社会，原始人类打制的石器就已经体现了实用与审美相统一的关系。随着社会的发展，人类造物活动范围在不断的扩大和审美意识的提高，艺术与设计更是紧密地结合在一起，这在中外艺术设计发展史上体现的都很明显。与技术的新统一，设计的目的是人而不是产品，设计必须遵循自然与客观的法则来进行。人类与生俱来的对美的追求，需要通过

第三节色彩构成与绘画用色的区别

第三节色彩构成与绘画用色的区别 传统绘画写生的色彩是以光照作用下产生的色彩变化为依据，对表现物体瞬间变化的色彩进行敏锐的捕捉，真实地再现自然物象。绘画者的科学认识与观察是表现写生色彩的基本方式。 色彩构成则以绘画写生色彩为基础，根据设计专业的特点和要求，运用色彩归纳、概括、提炼等手段，表现物体之间的层次关系。它更注重和强调物象的形式美感以及色彩的对比协调关系，培养设计者主动表现色彩的能力。 1．绘画色彩的特征 图1-3-1 荷兰画家伦布朗的作品《戴金头盔的男子》（布面油画）

绘画色彩重在表现自然物象及绘画者的情感。想表现绘画者的内心世界，就需要了解色彩现象的成因和表现色彩的绘画技巧。 对于色彩现象的成因以及色彩概念和原理的认识，通常需从光色谈起。有光才有色，光不仅是生命之源，也是色彩的起因。光让我们感受到瑰丽的色彩世界，也决定了我们的视觉对自然界的感知。没有光线，色与形就消失于我们的视觉中了。在写实绘画中运用的一切有关色彩的法则都是自然规律的反映。同时，绘画中的色彩是以人的视觉感受为基点的，人的色彩感觉首先来自视网膜中锥体细胞机能，它能感受、分辨色光中的红、蓝、绿，并做出综合反映。而且，人的视觉感受还会受到生理或心理变化的影响，面对不同色彩会唤起人不同的生活体验，产生不同的联想。光的运动和色光的反射是造成色彩现象的外界因素，而色彩概念则是由人的视觉思维形成的。 绘画中色彩的运用对表达创作的主题思想和情调意境有很大关系，因此色彩对画面的最后效果起了很大的作用。尽管各画派对色彩的要求是不同的，使用的材料和画法也各有特点，但色彩运用的基本规律是一致的。 首先根据作品的主题思想和情调、意境，确定画面的基色调，基色调在绘画中起了决定性的作用，例如，荷兰画家伦布朗的布面油画作品《戴金头盔的男子》（见图1-3-1），这幅油画的基调色是深赭色，因此在进行表现的时候，几乎每一色调都有赭石色倾向。在绘制传统油画时每种色都要加入基色，如我们定一幅画以红色为基色，那么这幅画几乎所有的颜色都要加入一点红色，如这幅画中的纯白色带有一点粉红色，黑色头发不是纯黑而是带有褐色。运用色相、明度、纯度、冷热及面积大小的对比，使主要形象更显突出，次要的部分起陪衬作用（具