浅析中国工笔人物画中色彩的表现
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浅析中国工笔人物画中色彩的表现
作者：张琳倩
来源：《读与写·上旬刊》2017年第09期
摘要：中国工笔人物画色彩的表现是工笔人物画的一个主要表现手段。它一方面向古代的工笔人物画传统敞开，另一方面也向当代的一切优秀视觉艺术敞开，在这样一个开放系统中每一个工笔画家都可以找到一个能发挥自己特长的表现形式。本文分为两部分一是正确认识中国工笔人物画的传统色彩观；二是正确认识中国工笔人物画的现代色彩观。
关键词：中国工笔人物画；传统工笔人物画；现代工笔人物画；色彩表现
中图分类号：G632 文献标识码：B 文章编号：1672-1578（2017）09-0208-01
中国工笔人物画有辉煌而悠久的历史，它是以中华民族的审美习惯为基础，是我国民族绘画重要的绘画形式，是最宝贵的传统。色彩表现则是工笔人物画的一个主要手段。
1.正确认识中国工笔人物画的传统色彩观
周时期所使用的颜色与绘画上的颜色在源流上有着密切的关系，它为中国工笔画色彩的发展开拓了正确的道路。这一时期最具有代表性的作品是长沙出土的两幅帛画《凤夔人物》、《人物御龙》。这两幅帛画在造型、设色、勾线上都达到了比较高的水平，它使用单线勾勒、细致有力，用墨和色平涂，渲染，画中的人物简略的施用了一些色彩。它代表了中國封建社会早期绘画发展的新面貌和新水平。
到了西汉时期工笔人物画在色彩方面表现出了巨大的成就。最具有影响的画是马王堆一号墓《轪侯利仓之妻》，这幅早期的工笔画线条勾勒得细致有力，色彩涂抹得也很浓重，画面较多的使用了红、黄等颜色。由于使用的是矿物颜料，所以至今色彩仍很艳丽。
中国工笔人物画发展到魏晋南北朝时通过将外来绘画语言与自身的绘画传统相结合，开始了对色彩的全面探索。顾恺之是这一时期的代表画家，他的代表作品是《女史箴图卷》。它使用色彩的方法有主有次，既鲜明活泼又有力。此时绘画的发展成为了以后工笔画繁荣的先声。
隋这一时期绘画色彩的运用和表现形式在我国工笔人物的发展演变过程中是一个继往开来，承先启后的重要阶段。到了唐代是工笔人物画最成熟最繁荣的时期。这一时期的画家阎立本，非常注重人物精神气质和心理特征的刻画。他的作品《步辇图》色彩丰富而柔和，在用线和用色上都非常成熟，能简单而生动自如的表现对象。特别是张萱的《虢国夫人游春图》是一幅典型的工笔人物画作品，他的作品中运用了青绿、朱黄和三青、三绿等色，这样使色彩更加富于变化，绚丽多彩。它的色彩结构与色彩配置充分体现了中国画的色彩观念。
[形式美,人物画,工笔]简谈当代工笔人物画的色彩形式美
简谈当代工笔人物画的色彩形式美 本文分析了色彩形式美在工笔人物画中的表现形式以及特征，还分析了传统工笔人物画与当代工笔人物画在色彩形式美中的区别与联系。希望对相关研究人员起到一定帮助，发掘出画家作品中更多的价值。了解当代工笔人物画的色彩形式美，也可以使当代画家创作出更多更好的工笔人物画作品。 1色彩形式美在工笔人物画中的表现特性 色彩体现了不同画品的特征，也体现了画家的画风，色彩是绘画的语言表达形式，通过运用不同的色彩，可以传达画者想要表现的情怀。对色彩的认识最早来自远古时代，从彩陶艺术开创以来，工匠开始了对色彩的追求，好的画品中，色彩可以传达感情，也可以传达精神，随着陶艺的不断发展，色彩成为了艺术语言的重要构成。我国早期的很多绘画艺术家，比较重视对色彩的客观再现，希望可以还原生态自然的颜色。在现代社会，人们的审美眼光越来越高，而且比较重视主观的表达色彩印象，其可以传达画家的主观思想，也可以宣泄画者的情感。在近现代，受到西方文化的影响，很多画者在应用色彩时，对色彩进行了重新认识，而且影响着画者的画风。在西方绘画中，色彩的种类比较多，不但包括固有色、环境色，还包括光源色，西方画家还对色彩进行了细化，色彩可分为色度、明度以及纯度。在近代形成的色彩理论极大的影响着我国当代工笔人物画色彩表达形式以及技巧，还增加了我国近现代绘画作品的丰富性。 2传统工笔人物画与当代人物画在色彩形式美方面的差异与联系 2.1传统工笔人物画的色彩形式美。在传统工笔人物画中，色彩主要起着辅助线条的效果，在应用色彩时，需要先勾勒然后再进行填色，在应用的过程中，要遵循色不碍线、色不碍墨的原则。虽然，色彩的重要性不及线条与墨色，但是却对工笔人物画的效果有着重要影响，在传统工笔人物画中有着不可替代的作用。比如唐代的人物画，代表作有《捣练图》，画中人物端庄秀雅，行笔流程，而且色彩艳丽，画家很好的运用了色彩，将画中人物的形象表达的惟妙惟肖、淋漓尽致。唐朝著名的人物画《瞥花仕女图》，其运用色彩，对人物的精神进行了更深层次的描绘，表现出了人物苦闷、空虚的精神，画者运用了较多柔丽的色彩，这类画颜色并不明亮，更深层次的表现出了画中人物抑郁的心情。所以，在不同的题材下，需要运用不同类型的色彩，还要注意色彩的搭配与组合，不同的色彩传达的感情以及意境是不同的。 2.2当代工笔人物画的色彩形式美。当代工笔人物画呈现出了良好的发展势头，而且呈现出了多样化的发展形势。当代工笔人物画有着不同的风格流派，比如传统流派、现代派以及前卫派等。传统流派的代表人物是何家英，其代表作是《酸葡萄》，这位画家在创造时吸取了西方绘画色彩的精华，做好的中西结合，而且提高了我国工笔人物画的品质。现代派的代表人物是土冠军，其画风也具有中西方融合的特点，而且具有突出的个性，其画风以写实为主，而且其作品人物以男性为主，描绘了当代打扮比较时尚、精神较为饱满的潮男，这也展现出了画家敏锐的捕捉能力以及观察能力。 2.3两者的差异性。在不同的时代后，传统工笔人物画受到了社会以及客观世界的影响，使得画家对色彩产生了不同的认识，不同时代的人物画还会受到统治阶级的影响，这从不同
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汉时期，五色观逐渐成熟和发展起来，人们对色彩的把握也更加娴熟得当，所以该时期的绘画多以黑红色为主。如西汉的T型帛画，就直接运用朱红、熟赭、石青、黑、白等色彩，整个画面的色彩效果是较为统一的。魏晋南北朝时期，随着佛教的传入，西域异族的色彩观也融入中国画创作中，先是谢赫在《六法论》中提出“随类赋彩”的理念，随后宗炳则认为应该“以形写形，以色貌色”，所以该时期的绘画色彩主要以蓝绿为主色调，红白黑为副色调，体现了色彩对比和互补的理念。隋唐时期，随着中国画艺术的大发展，色彩运用也随之丰富起来，阎立本、张暄、周舫都在色彩运用上有着鲜明的个人特色。而且在该时期，山水画和花鸟画逐渐独立出来，在色彩上有着较大差异。五代两宋时期，先是青绿山水发展到了高峰，王希孟的《千里江山图》、赵伯驹的《江山秋色图》等，都是青绿山水的典范之作。随后则出现了文人画，这在很大程度上影响了中国画色彩的发展。受到儒、道、禅等思想的影响，文人画追求淡雅、平和、超逸的画面效果，所以玄色就成为了文人画创作的首选色。元明清时期，受到文人画的影响，色彩表现转为以水墨为主，追求简单、质朴的审美趣味，虽然也有青绿重彩作品问世，但是并不占主流。纵观整个发展历程可以看出，整个中国画色彩观的发展和衍变，可以简单概括为唐宋之前尚色彩，唐宋之后尚水墨，两者是一种先后、轻重的关系，而不是有无和对立的关
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传统国画颜色介绍
传统国画颜色介绍： 石色（不透明色）：石色即是矿物质颜色，石色除了使用在绘画中，还应用于壁画、建筑彩绘等地方。在我国古代，画家们有一套十分系统而完整的使用石色的方法，但随着明、清画家对工笔绘画的认识逐渐淡薄，所以，传统制造石色的方法几近失传。今天有许多学者到日本学来了当年日本人从我国学去的制颜色方法，才有现在较为丰富的品种供画家使用。 石色主要包括：朱砂、朱磦、石青、石绿、雄黄、雌黄、石黄、黑石脂、云母粉、蛤粉、赭石、土黄、珊瑚粉和其他宝石类颜料粉以及新研制出的高温结晶颜料等。 3 e: N! l! i5 t/ F& w, \需要说明的是：石青与石绿一般分类较细：分成头青、二青、三青、四青等头青色最重，四青色最浅，石绿同理。 水色（透明色）：水色主要是由一些天然植物为主材料，配以少量动物质材料、矿物质细粉颜料组成。石色与水色一般是相互结合着使用于国画中，已达到浓淡相间、虚实相生的丰富效果 水色主要包括：朱磦、胭脂、西洋红、藤黄、赭石、花青、水彩色与丙烯色等 需要说明的是： 1、朱磦是朱砂最细的形态，所以有些画家在使用时以薄涂法来形成水色透明的颜色效果。 2、西洋红：在国画色中的名目较多，又叫做曙红、牡丹红等。 金属颜料：画家使用金属颜料由来已久，最早是在唐朝。金属颜料主要是金箔、金粉；银箔银粉。金箔一方面使用在背景上，另一方面主要是使用在局部贴金。: 金箔有四个品种： 紫赤金（略带红色）：主要贴寺庙中的佛像 库金（足金金箔）：绘画中常用，往往是98%的纯金和2%的纯银合成。 大赤金（略带黄色的金）：又称冷金，70%的纯金，相当于18K金。 田赤金（呈淡黄色）：相当于14K的金。 银色相比之下不是太常用，故不细说。 天雅矿物色、新岩、水干的使用方法矿物色、新岩、水干的使用方法其实很简单，只要兑上胶液即可作画。 （一）胶的溶化：胶的溶化是“岩彩”画中的第一步，也是主要的一步。它的浓和淡直接影响画面着色的效果。浓了易开裂，淡了易剥落，只有恰到好处。你的画也就成功了一半。 （1）明胶的溶化方法：将所需用量的明胶倒入小碗，先加入4倍凉水泡5分钟后再加入五倍的70OC热水，用筷子充分搅拌开胶粉。如果有疙瘩，说明未完全溶化胶粉，需继续搅拌直至疙瘩全部溶※因明胶是由动物生皮熬制而成，未去掉其骨胶原以外的蛋白质和脂肪这些成份，所以在低室温状态下使用时会出现疙瘩，即原已溶化了的胶液加热。 ※溶化后的胶液保质期限：用完后放入冰箱夏天约3~5天，冬季约一至二星期。※另一种颗粒状的“骨胶”比明胶的接着力要强，且不易凝固，但需熬制。※绘画用的日本鹿胶分三千本胶、干燥鹿胶、软韧鹿胶、特殊鹿胶。它们有固体的，也有液体的。它们是专门为绘画而研制的胶，去掉了其中的蛋白质和脂肪，不易凝固和腐臭；尤其是液体的瓶装鹿胶随取随用使用方便，永不腐臭；固体鹿胶需熬制。 （2）固体鹿胶的溶化方法：将三千本胶一根掰成几小段放入杯中注入300ml清水，再加入一粒方型的干燥鹿胶或软韧鹿胶，放置半小时。后用温水隔水蒸化即可。※加入方形鹿胶粒的目的是增加接着力和防腐臭 （二）调制颜色：将所需用量的色粉到入小碟，用小勺加入少量胶液，用中指拌匀。胶液不够时可再加，直至调成糊状，用时再略加清水稀释即可作画。※调制颜色时用中指或小棍，切忌用毛
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浅谈中国当代工笔人物画中写实风格
浅谈中国当代工笔人物画中写实风格 随着东西方文化思潮的碰撞融合，使中国画领域出现了过去前所未有的发展空间和机会，尤其是给工笔人物画画家带来了好的契机。目前无论是在审美态度方面还是艺术形式及表现手法方面，现代工笔人物画的写实风格都或多或少的受到了西方绘画的影响，这已是有目共睹的事实存在。尤其是在近三十年，写实工笔人物画从题材上大大的超越了传统工笔人物画的雅俗观念和表现手法，更具有现实色彩和审美趣味，并涌现了一大批的从艺术形式到绘画风格都很新颖的画家。 标签：东西方文化；碰撞融合；现实色彩；审美趣味 1当代中国工笔人物画家的写实手法 当代的很多艺术家在进行艺术创作的时候都会将传统工笔人物画手工绘制的基础上运用综合的媒介艺术拓展了工笔人物的表现形式也大大的增加了作品的写实性。比如罗寒蕾的作品《单眼皮小西》，作品里的形象只是一个不够美丽但却年轻的单眼皮少女，带着一顶磨破的胖球帽，穿着一件洗白了的牛仔背带裤，画面不大但是却栩栩如生，帽子上微微隆起的logo标志还有蓝色牛仔裤的纹理走向都让人不禁感叹当代中国工笔人物画家的成熟和进步。最值得提起的是她的作品《旅途》，画面中拿着机票的少女写实的让人觉得可怕，特别是衣服的处理，画家要根据要表现的少女的外套的物理质感找到最搭配的成品物件，对成品物价进行表面上的着墨处理，淡淡的涂上墨，要适度的上墨避免大的墨迹影响纹理的表现，要让布料和纸张充分的接触然后将有纹理性痕迹的布拓印在宣纸上，产生材料本身的迹象，这种手法超越了手工繪制表现的界限，给人一种机械化的技术感和精密性还有一种以假乱真的写实性，这种方式也是当代绘画需要的表现形式和突破，艺术家们用这些手法诱惑着观者进入画面，被这种真实性所感染。也有立粉的方法来展现作品的写实性，比如何家英的作品《秋冥》，画中的少女蜷着身体抱着腿在一片静谧的树林里冥想，宽大的毛衣和白裙子衬着少女的气质格外的忧郁动人，少其中女的毛衣就是采用立粉的方法，这种方法在中国古代就有运用，例如我们所熟知的永乐宫壁画中人物天神的首饰就运用了这种方法，让颜色在画面上凸显出来，营造出一种立体真实的视觉效果，越来越多的艺术家开始运用这种传统方式在创作现在人物造型里面，表现现代人物的各种形象，特别是运用在服饰配件上面，增强物体的真实感，触手可及的视觉效果。拓印出来的网纹固然好看，但是耗时会非常的多而且需要时间收拾，像是需要节省时间的方法，还有一种手绘肌理效果的方法也是现代写实工笔人物画中常用的方法，艺术家们运用毛笔，板刷等工具制造效果，路背景，织物的表现完全可以通过绘制出它的纹理来达到写实效果，增加作品的审美趣味。 近三十年来，涌现了大批当代工笔人物画画家，他们都神解魏晋人物的传神，唐画的形式美与线条的章法，宋画的完美技巧和平和的境界，艺术家们强调传统工笔人物画的用笔线条的精致，同时减少了对于墨色渲染的表现，尽量保存线的质感充分发挥了线的作用。继承传统又富于创新，结合古今中外的绘画技法，现
儿童美术：浅谈工笔画的笔墨和色彩
儿童美术：浅谈工笔画的笔墨和色彩 工笔画是中国传统绘画的重要组成部分，至今已有近两千年的发展历史。其精勾细染的艺术技法在中国画坛独树一帜;其意象造型的表现手法，在艺术处理上精微而不失匠气，工致而富有绘画性，为工笔画的发展留下广阔的拓展空间。 远古的帛画，以线赋彩，成为中国工笔画最基本的表现形式。祖先们在生活和劳动实践中持续完善绘画手法，逐渐形成了双勾填彩、双勾细染的画法。魏晋南北朝是中国工笔画发展的重要阶段。以莫高窟为代表的壁画，无论是富丽的色彩或是浓厚的宗教题材，都体现着先贤们娴熟的工笔表现手法。唐代的工笔画达到了一个新的高度，吴道子、张萱、周昉当为这个时期的代表画家，其工笔人物画线与墨、线与彩的完美结合至今令人叹为观止。宋徽宗赵佶喜爱绘制工笔花鸟画，改革了画院体系，提升了宫廷画家的地位，建立了画学制度，从而使院派工笔画，达到了历的辉煌期。工笔画走向民间当在元、明、清时期，尤以明清后，因为诸多因素，导致工笔画日渐式微;在文人水墨写意画主流冲击下，虽有仇英、“二袁”等职业工笔画家的努力，但是工笔画一直处于消沉状态。近代的工笔大家陈之佛、于非闇虽成果斐然，却仍未摆脱工笔画的低迷窘境。现代中国工笔画的复苏期是在上世纪80年代的改革开放时期;而近20年经济繁荣、“西风东渐”迎来了工笔画发展的辉煌时代。 与其他国家的绘画风格不同，中国工笔画有其独特的艺术绘制程式。中国工笔画讲究用笔用墨，笔墨不但是视觉形式，更是中国画气韵、精神的载体，笔墨功夫是很多画家一生的追求。和写意水墨画相比，工笔画同样要求以笔入画，求笔法，讲笔趣。唐代陆希声五字执笔法，要求做到“五指齐力”、“指实掌虚”，运笔则灵活自如。张彦远的“生死刚正谓之骨”，正是用笔力度的体现。元代王蒙笔力扛鼎，后人称之为“金刚杵”。清代郑绩《梦幻居画学简明·论笔》中说“用笔以中锋沉著为贵，中锋取其圆也，沉著取其定也。定则不轻浮，圆则无圭角。生怕涩，熟怕局;慢防滞，急防脱;细忌稚弱，粗忌
工笔人物画技法(三)设色
工笔人物画技法（三）：设色 作者：刘泉义来源：拙风文化网 1．色彩稿 设色之前，先要对画面的整体色彩关系有一个设想，是冷是暖，是纯是灰，是浓是淡，要多画几个不同感觉的色彩稿，相互比较，确定其一。《春雪》(见图)是我去贵州采风后所绘。构思时，我想表现一组人物。少数民族服装比较艳丽，为暖色，如果占画面太大，就会影响视觉效果，所以我要把它安排在画面下部。人物后面安排深色、冷色的山体、房屋、积雪来调整画面；既增加景深，又烘托出盛装苗女洁白美丽的头饰。这些都是在设色之前确定下来的。 中国画设色不同于西画，它以主观色彩为主，客观色彩为辅，不考虑那么多颜色变化，抛开一切影响颜色的客观因素及光影，直逼本质。物象本身的颜色有时只作参考或摒弃不用，画家重新设色，以适合自己的审美要求及画面的意境。而西画写生大都忠实于客观色彩。它受光源色、环境色、固有色等条件的制约，每个环境中的颜色都相互关联，相互影响，不如中国画用色那样随意自由。 2．中国画颜料
中国画颜料按其属性分为矿物质颜料和植物颜料。矿物质颜料为不透明色，覆盖力极强，有石青、石绿、朱砂、石黄等等。石青、石绿又分为头青、二青、三青……头青、头绿色泽最重，越往后越浅。朱磦、赭石按其属性虽属矿物质颜料，在研制过程中是漂在上层、质地很细的颜色，具有一定的透明性，所以可把二者称为半透明色。植物颜料为透明色，有花青、藤黄、胭脂、曙红等。矿物质颜料一般呈粉末状，色泽鲜明沉稳，永不变色。用时倒在干净碟子里，加浓度适中的明胶胶水调匀。朱磦、赭石都早膏状，用温开水化开即可使用。透明色因其透明性强，适于反复渲染，用来表现细微深入的地方。半透明色和透明色都可作底色使用。白色以蛤粉为上，它是用贝壳研制而成，白而不飘，永不变色。云母色也属矿物质颜料。因其有闪闪发亮的效果，可以产生特殊的感觉，所以我在表现银饰时经常使用。云母色呈粉片状，有粗细之分，具有一定的覆盖性，调制方法同石色。现在云母色种类很多，有不同色相、不同颗粒之别。中国画颜料不止上述几种，现在又开拓了新的领域，研制出数十种矿物质中间色，冷暖各异，给我们提供了极大的方便。我想，这将会使工笔画出现一个新局面。 化学合成颜料中，上海美术颜料厂出品的锡管中国画颜料色质不错，一般情况可以代用。不过化学合成颜料不易持久，色泽的饱和度、沉稳度等方面与天然颜料无法相比，因而正式创作时应慎用。 3．分染 分染是把平面的线描按其结构、纹理，用色或墨渲染出厂定的层次和体积关系。分染有凹染法和凸染法之分。凸染法是渲染结构突起的部位，如额头、鼻梁、颧骨、下颏及衣服高起的地方和人体凸起的部位。凹染法则染与之相反的结构低下去的部位。凹染法紧贴着线条的一侧进行，凸染法则离开线条，使线条更清晰。凹凸分染法不是截然分开的，为了更充分、更具体地表现物象，两者可结合使用。分染用色为透明色或半透明色和墨，一般不用石色。
浅谈工笔画中的色彩
浅谈工笔画中的色彩 色彩是工笔画中最重要的构成要素之一，色彩作为绘画的本体语言，是构成某种艺术风格和特色的最基本的要素，也是最直接强烈地刺激视觉神经，并容易被普遍接受和理解的视觉因素，更是形成某种特定审美情感的重要手段。在绘画艺术中，传统的或现代的、东方的或西方的绘画，无论其如何发展，色彩始终是重要的构成因素。色彩的运用甚至引领了工笔画的发展方向，工笔画能蓬勃发展到现在，色彩表现是这门艺术保鲜的重要因素之一。 工笔画的色彩有富丽堂皇的重色也有雅淡清质的淡色。在工笔画的创作中不仅要了解中国画的传统色彩还应该了解西方的色彩科学，我们在绘画中不只是去关注色彩感觉表面的追随，而是从外在的的色彩的敏锐去触发内在的色彩感知的不断自觉。创作出具有个性和形式美的作品。 工笔画色彩特点是依赖所使用的颜料。早期工笔画所用的颜料主要是矿物质，传统工笔画的用色发生了很大形式的变化，也逐步形成了渲染丰富、细腻入微、色调单纯等特征的工笔淡彩表现形式。工笔画的色彩更多的是归纳和总结色彩的类别，并不重视自然界色彩的多样性，使色彩的表现有类型化和程式化的特点。近年来绘画颜料的品种也大为扩展，在丰富中国画颜料种类、提高颜色品质等方面发挥了积极的作用。由于这个原因，近年产生的大量画作中，从制作
方法、形式语言到造型观念上都产生了一系列新的变化，突破了传统的程式化套路，作品给人以全新的视觉感受，色域宽阔、质地精细、色相纯美，使当代工笔画的表现方法日趋完善，也使工笔画成为有中国浓郁文化特色且具有时代精神的艺术表现手法，呈现出更加强劲的生命力。 具有丰富的色彩知识和深厚的色彩修养是画者的基本功之一，如何将色彩知识恰到好处的运用到作品中是至关重要的。因而对色彩组合关系的共同性规律，将色彩美感建立在一定的美学构成原则的基础上，使色彩的美感体现在各物象之间组合搭配关系中，表达出自身的心像之色和造出独具个性的色彩旋律。 人们的审美观是视觉、知觉、联想、情感、思维等多种心理功能的综合，而对色彩的感觉是这一切的基础。色彩现象是一种变化万千的自然景象，没有色彩就没有花红柳绿，没有碧海蓝天，更没有绘画艺术。色彩是一幅工笔画的血脉，是作品的灵魂。
中国画色彩的运用及特色
〔摘要〕在中国画中，对色彩的调配是非常重要的，我们之所以欣赏它，就源于它带给我们的视觉冲击，最直白的就是色彩视觉。任何一位画家，对中国画色彩的运用都有属于他自己的特色，这些绚烂的色彩构成了中国画之魂，让中国画的内涵得以更好地展示在世人面前。 〔关键词〕中国画色彩运用特色 在中国人的心里，对色彩有着强烈的感觉，这是与民族习惯、风俗传统乃至时代精神都息息相关的，中华文化绵延千年，从古至今，对色彩的运用一直就有迹可循。中国画在中华文明史上历来就是浓墨重彩的一笔，借画作传承精神乃是画家们苦心孤诣的造就，到了今天，中国画仍然能带给世人强烈的视觉欣赏，传播美的精髓。在中国画中色彩的运用及特色也是大家一直广为关注的话题，正是由于这绚烂色彩的堆积与协调运用，才构成了美丽的中国画。 一、中国画的用色之道 中国画泛指中国绘画，它与西方绘画不同，更为注重的是意境，人们都说，欣赏中国画其实就是在看故事，画家通过那么一幅画展示出来的是很多意思，或高山，或流水，或草木，或飞禽走兽，等等，各种色彩的搭配与协调，构成了泼墨重彩的画作，传达出另一番风景。从战国时期的帛画开始起算，作为国粹之一的中国画已经有了两千多年的历史，可若是要从原始岩画就开始考究，那么中国画已经经过了五千多年的洗礼。这是怎样的文化瑰宝啊！中国画在用色方面很是讲究，它不会简单地只是用某一种纯色，但也不会乱七八糟地使用各种彩虹色，不求斑斓，但求绚烂。而之所以会出现这种情况，其实跟中国的文化传统有关，华夏民族骨子里流动着的是低调却也张扬的血液，这种传承数千年的民族精神在中国画中就有很好的体现。也正是由于中国画这另类的用色之道，借色彩的完美配置表达各种藏于画家心中的感情，注重色彩却不限于色彩，所以它才可以历经这么多年的风霜雨雪，今天才会在世界画廊中发出振聋发聩的声音[1]。 二、中国画的用色特点 中国画能够绵延千年不绝，经历各种各样的战争与灾害还能呈现在今人的面前，这是一个了不起的伟大。不仅我们国人对中国画有着深刻的感情，外国友人对它也是充满了赞赏与崇拜之情。对于中国画中色彩的运用，一直就是大家甚为重视的关注点，毕竟这种搭配不是随便就能够做好的，它有属于自己的特色，有不同于他物的特点。仔细研究中国画，我们其实也能发现中国画的用色特点。首先最明显的就是它鲜明的艺术特点，这与中国画的用色之道有关，先设色，后来才有水墨，而在设色中也是先有重彩，后有淡彩。换言之，画家在绘画时，不是为了画画而画，更为注重的是突出它的艺术特点，打开一幅中国画，迎面扑来的艺术气息就足以说明这个问题。还有，中国画特别讲究平稳沉和，它在用色方面力求各种色彩的和谐搭配，纵观任何一幅中国画，我们都能发现它在色彩方面不会有一些突兀现象，给人的感觉就是浑然天成，不会出现那种刺激性的视觉冲击。 三、中国画与西洋画在色彩运用方面的区别 在世界美术园林中，除了中国画，还有西洋画，这两者迥然不同，在色彩运用方面也存在着极大的差别。首先，他们的颜料不同。西洋画的颜料都是化学品，是后天合成的。而中国画的颜料来源有两种，一是从植物中得来的，比如花青、胭脂等，另一种是从来矿物中得到的，比如朱砂、石黄等。西洋画与中国画的颜料不同，所呈现出来的色彩就不一样，运用方面自然不可同日而语。西洋画注重考虑环境色对物象的影响，我们都知道，西洋画家经常挂在嘴边的就是冷暖色，他们很重视色彩冷暖的对比效果，会刻意处理这种对比所带来的一些细致的变化，也就是善于从色彩细节处入手。可是中国画就与之不同，它不关注所谓的色彩冷暖搭配，而是将重点放在了抒情写意方面，它注重写真，各种色彩的运用，都是为了呈现出作者想要表达的情感。中国画的细致在于它传达出的意思。在绘画中，不是依据固定的客体，而是凭借记忆及主观臆想进行敷色，更多的还是来源于画家脑海中的色彩。概括来说，
李鸣现代工笔人物画欣赏
李鸣，1958年生于山东牟平，1982年毕业于曲阜师范大学 美术系。现为烟台大学建筑系美术学教授, 中国美术家协会会员。 其作品先后在多种作品集及报刊上发表，多次参加国内外大型展览 并获奖。作品曾在美、加、新、韩、日、澳等国家展出并有多幅被 收藏。2007年，作品《秋日遐想》发表于《美术观察》(核心期 刊) 2007年，《初冬的阳光》等五幅作品发表于《当代中国画精 品选》人民美术出版社2006年，山东省文化艺术科学优秀成果奖：《中国画的通俗性与艺术性》获二等奖2005年，水彩专集《皖南古村落水彩画写生之二》中国国际美术出版社2004年，国画专著《李鸣工笔人物画》荣宝斋出版社2004年，水彩专集《皖南古村落水彩画写生》中国国际美术出版社2004年，作品《长日》、《李清照》发表于《美术观察》(核心期刊) 2004年，论文《美术鉴赏教学的现代观念》发表于《职业技术教育》(核心期刊) 2004年，论文《中国画的通俗性与艺术性》发表于《装饰》7期(核心期刊) 2004年，2003年，参加第三届中国画家学术年展。2003年，作品入选中国文联、中国美协《第二届中国美术金彩奖》2002年，U?S?A《美南周刊》专题介绍并发表五幅作品。2001年，作品入选大型画册《中国当代著名画家珍品选—传世名画》。2001年，作品入选《2000?中国画百家作品集》。2000年，《中国报道》第3期作专题介绍并发表四幅作品。2000年，作品入选中国文联、中国美协《金彩奖中国画大展》。2000年，作品入选中国美协《2000年全国中国画作品展》。1998年，作品入选文化部主办的《北京首届国际扇面书画艺术展》。1998年，作品入选中国美术家协会第十三次新人新作展。1998年，作品入选中国文联、中国美协《牡丹杯金彩奖大展》并获优秀奖。1997年，作品入选文化部于中国美术馆主办的“当代中国工笔画大展”获优秀作品奖。1996年，作品《清音》被收入外文出版社，汉、日、英三种语《当代中国书画名家宝鉴》
现代色彩在中国工笔画中的应用研究
- 61 - 第23卷第5期 呼伦贝尔学院学报 No.5 V ol.23 2015年10月 Journal of Hulunbeier College Published in October.2015 现代色彩在中国工笔画中的应用研究 时倩敏 张善庆 （皖西学院艺术学院 安徽 六安 237012） 摘 要：中国工笔画注重色彩的搭配、调和、写实，它充分表达画家们的思想感情。中国工笔画要寻找新的艺术语言，就必须跟上时代的变化。在这个全新的时代，中国画的色彩观要想寻求一个能符合现代人生活的色彩感觉及审美需求方法，就要打破传统的绘画规律，在中国传统绘画和西方科学色彩之间进行探索，来更新色彩观念，拓宽现代中国画色彩观的变化与发展，使这古老的画种在未来焕发出新的光彩。 关键词：现代色彩；中国工笔画；应用 中图分类号：J20-05 文献标识码：A 文章编号：1009-4601（2015）05-0061-03 工笔画是中国传统绘画的一种重要表现形式，在中国已有两千多年的发展历史。工笔画有多种画法，如：白描、淡彩、重彩等。它注重造型的严谨，追求装饰意味。其特点是：用线细腻工整、线条变化层次丰富；设色艳丽沉着、色调明快高雅统一，具独浓郁的中国民族色彩审美意趣。在长期的历史发展中，工笔画已经适应了中国民族的审美习惯，包括中国传统文化的精华，积淀了一直传承下来的经验，表达着各时期的社会环境、人文背景、风俗习惯等，有着艺术创造的鲜明特点和优良传统。当下，中国工笔画更注重色彩的搭配、调和、写实，充分表达着画家们的思想感情。随着社会的进步，工笔画也不断的在发展和顺应着时代的脚步，在色彩表现手法上越来越丰富，以达到和谐、统一和唯美艺术效果。 一、中国工笔画中现代色彩的唯美表现 中国工笔画历经沧桑，经由鼎盛进入低谷，又由最初简单形式转变为多元化形式。现代工笔画较之传统工笔画，在色彩的运用上更加丰富和写实化，更具现代气息。当今，工笔画在继承传统的基础上，因吸收了世界范围的绘画和现代主义绘画观 念和艺术语言，打破了原来的色彩、造型等因素的制约，从而形成了具有现代意识和现代手法的新工笔画 [1]（P26） 。 这个时期出现了一批杰出的工笔画家，如：何家英、崔进、王美芳、赵国经、刘泉义等。其中王美芳、赵国经是中国工笔画唯美表现主义画家。他们的画在视觉上展现出独特的美感，比较适合中华民族的审美习惯，同时又展现了时代的风尚，不论什么题材都有“质文代变”的性质。例如，他们的作品《闲情》，画中表现的是一位女子正在逗鹦鹉，虽然是古代女子却有现代女子的一种精神风貌和生活状态。从女子的衣物穿着来看，色彩艳丽清新，毫无俗气之感，让人觉得很温馨，是一种生活的真实写照。另外一幅作品《抚琴》，画家用色也是清新脱俗，画中两位女子在林中抚琴作乐，她们姿态优美，面容祥和。令观赏者如同身临其境般，听着琴声的悠扬，感受着大自然的美妙。画家通过如此美好画面的描绘，传达了人们追求美好生活的愿望。这种唯美主义色彩理念，正是人们所向往和想要达到的艺术追求。 中国对外开放以来，由于外来文化的熏陶和社 收稿日期：2015-04-21 作者简介：时倩敏（1994-）女，皖西学院艺术学院美术学专业2012级本科生。研究方向：美术学。 张善庆（1969-）男，皖西学院艺术学院教授，硕士。研究方向：艺术学。 项目基金：皖西学院校级质量工程项目：“地域文化与地方应用型本科高校艺术类专业课程教学的应用研究”（编号 2015wxxy24）；皖西学院2015年本科生优秀毕业论文培育计划项目：“现代色彩观在中国工笔画中的应用研究”（编号：pyjh2015135）。
中国画的艺术特点
中国画的艺术特点 中国画的艺术特点 中国画是具有悠久历史和优良传统的中国民族传统绘画。中国绘画源远流长，凝聚着中华民族的性格、心理、气质，以其鲜明的特色和风格在世界画苑中独具体系。 几千年来中国绘画遗产十分丰富，从题材内容分类，一般分为三大体裁：人物画、山水画、花鸟画。从表现形式上分为：工笔、写意。工笔中有白描、淡彩、重彩之分；写意中有大写意、小写意（兼工带写）之分；另有彩墨、水墨（焦墨、淡墨、泼墨、浓墨）之分。其技法主要是勾勒、没骨、设色、水墨渲淡。从表现手法上看具有极大的灵活性，多以勾、皴、擦、点、染、干、湿、浓、淡、黑、白，阴阳向背，虚实疏密，空白处理和构图不受时间、空间的限制，不受焦点透视拘泥的灵活手法，来表现物象和经营画面位置。中国画强调“外师造化，中得心源”，“意在笔先，画尽意在”，要求以形写神，形神兼备。就是以生活为源泉，通过画者的理想和艺术手法的处理，将被描绘的对象，提炼成为达到传神境界的艺术形象。其中的关键是：自然物象的客观之神（即他神）和作画者主观之神（即我神）融化为一体，通过相应的笔墨、造型，创造出完美统一的艺术形象。从晋、唐始，经宋、元、明、清，很多杰出的画家遵循这种创作方法，创作了许多璀璨的优秀作品。 我们研究和了解了中国传统绘画中现实主义和浪漫主义相结合的创作方法，对中国画的艺术特点就有了明确的认识。概其要者，主要有以下诸特点：一是意境，二是笔墨之法，三是章法的灵活处理。 一、中国画第一个特点是意境的追求 中国画的最高境界在于意境的完美和表达。所谓意境是指画中所体现的思想感情
的境界。意是画家对物象在情感上的“妙悟”，所谓境是境界。 意境是客观生活中事物在画家头脑中所反映的结果。就是画家在作画之前，通过对客观物象的深入观察、体验和认识（即感觉）所引起的主观感受，然后把生动而强烈的感受反馈于被描绘的物象，达到“物我两忘”的境界。并且，中国绘画主张“缘物寄情”、“以景寓意”、“以神取形”、“笔不周而意周，笔不工而心恭”。在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观物象精神性格交融和转化，即“神遇”（石涛语）及“迹化”（石涛语）为可视可想的艺术形象。同时，使画家在作画前的主观感受得以充分的表达，而产生动人心魄的意境。 意境是构成一幅中国画的灵魂，其主题的确定，构图的 布局和安排，形象的塑造，笔墨及造型的处理，无不受“立意”的主宰。王维在《山水论》中说：“凡画山水，意在笔先”。张彦远说：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔”。总之，中国传统绘画历来重视立意问题。 二、中国画第二个特点是对笔墨的注意 中国画从立意到形象的塑造，总归于用笔用墨。谢赫在《六法》中将“骨法用笔”列为第二条。张彦远说：“骨气形似，皆本于立意而归乎用笔”。中国画家以写代描，把笔意墨法置于首位。故使笔墨成为表达“意境”、“形神兼备”的重要条件。 （一）关于用笔。我国绘画很重视线的表现，用线来塑造形象。以线为骨，就是指以线为造型的骨架。为之“骨法”表现物象须有具体的线去塑造，其关键在于“用笔”。线在塑造形象中力的变化，功在于运用笔法。古今画家通过熟练的使笔、运笔，产生笔力、笔意、笔趣，形成虚实变化，浓淡相依，顿挫回旋，巧拙适度，富于节律的造型底线。中国传统画论中形容东晋×顾恺之的线如“春蚕吐丝”；形容唐×尉迟乙僧的线如“屈铁盘丝”；形容唐×吴道子的线为“吴带当风”；形容曹仲达的线为“曹衣出水”。所谓笔法即指执笔的方法和指、腕、肘的运用。传统的笔法为人所使，其法有中锋、侧锋、逆锋、顺锋、藏锋、露锋等法。所以掌握笔法（即用笔）的起止形态变化及行笔运转方向变化，使之随画意而使转，达到状形立象、传情达意。