怎样画梅(国画梅技法)培训资料

怎样画梅(国画梅技法)

怎样画梅（国画梅技法）

第一步是出枝。先用笔蘸调淡墨，在盘子边上括干些，再蘸深墨，以中锋画出最前面的枝条。起笔时用中锋，画至枝条下端渐转侧锋，务必注意行笔过程中，枝条留白断开，以便填花。也可先用较淡的墨，以侧锋画出后边的粗枝干，再加前面深枝条。要根据构图需要灵活运用。无论那种方法，枝干的穿插交错、疏密关系和断开留白等都是一样的。

第二步，用淡墨圈出花朵。注意花朵的聚散和正侧偃仰背的表现。花朵与枝干需反复交替进行。画好主要枝干，决定画面大局，画好一部分旁枝后开始画花，花画得差不多时，再在花中穿插枝梢，而后再补些花，或再添些细枝梢，这样交替进行，逐步完善，不可各步骤之间截然分开。

第三步，处理花心、剔花须、点蕊头、点花蒂。用较秃的笔，以中锋浓墨为佳。花朵的正反背侧往往通过点心才能表现出来。

第四步是点苔，收拾整理。干、枝、花等基本完成后，再回过头看看总体效果，不足之处再作充实调整。最后在适当的部位题款加印章。一幅梅花就完成了。

画圈梅，一般不着色。为托出白花，可在花瓣轮廓外围圈染淡墨。也可用淡赭石或淡草绿圈染。圈染时水分要足，力求渗化效果，切忌干涩、刻板。圈染后可再用较大的笔，加水调和成更淡的赭石或草绿，点洒于圈花或枝干间隙，（点洒时要有疏密，不宜过多）使画面层次更充实多变，总体气氛更好。花心处一般留白，或点黄粉。

也有画者，在画好后，往宣纸背面花瓣里填白粉，会使白梅更加饱满突出，增添姿色。

梅花的构图

构图，在中国画的传统理论中称作“经营位置”，也就是画面的布局。这是在理解了花卉的生长规律、结构特征、并懂得了基本造型方法和笔墨要求后，进入摹写或创作时，必然会碰到的问题。同样是一种花卉，为什么有素养的画家入画时，能给人以美的享受，而初学者则难以做到，除笔墨技巧外，画面的总体布局，即构图的合理与否是十分重要的。所以，笔墨、形体和构图是画好一幅画的主要技法要素。

中国花卉或花鸟画的构图，可以从两个方面来认识。一是处理画面的具体手法或方式，如“S”形构图，半环形构图，纵横交叉构图等。二是掌握画面布局中美的法则，如主辅、虚实、疏密、聚散、藏露、开合、呼应等。初学画梅，掌握几种具体的构图形式是必要的，但根本上是要理解和掌握构图规律，做到举一反三。灵活运用，才能千变万化，得心应手，现分别简述之。

主辅：或称“主次”、“宾主”、“主客”等，一幅画有主体，有陪衬。主体是画面的重点或中心。布局时力求主体的位置突出、醒目，其他作为陪衬，位置应隐蔽些，画行虚些。左图前面一枝梅为主，后为宾。一主一辅。一浓一淡，一高一矮、一疏一密，自然形成了鲜明的节奏与对比。切忌主次不分，平均对待。

具体运用时，也有用反衬的手法。即把矮小次要的置于前面，主体置于后面。可视构图需要和表现手法而定。

虚实：一幅画，总体布局上必须有虚实对比，一般说来，“有画处为实，无画处为虚”或者说“有笔墨处为实、无笔墨处为虚”。这都是说明画面上的空白和物象的对比关系。在构图上常有虚实相间、虚实互用、以虚显实、以实破虚等手法。花鸟画一般不画背

景，留出大块空白，即是“虚”，而所画之物即为“实”，或者近者为实而远者为虚，或者主为实宾为虚，都是为了画面的对比效果。“虚”能给人以“迁想妙得”之功，所谓“意到笔不到”、“意犹未尽”也正“以虚显实”的绝妙效果。切忌满纸笔墨，所画物象占据一切空白，画得严严实实，反而使观赏者感到闭塞，失去了遐想之余地。

图45，在构图上除两枝梅花有主辅之分外，在左上方留出大块空白，即是为了求得虚实效果。

疏密：中国画理中有“密不通风，疏可走马”之法则。构图时应密处密，疏处疏，疏密有致才能节奏生动，平铺直叙，没有疏密变化则刻板平淡，观之乏味。画梅花，主要是处理好枝干、花朵、苔点等点、线、面的排列交叉关系。上图，前面主体枝干浓而密，后面辅枝淡而疏。

聚散：是指集中与分散的关系。画梅花，花朵的分布必须有聚集在一起的，有疏落分散的，聚散之间要互相联系，做到聚而不塞，散而不散，才能富有韵律，引人入胜。切忌平均分布、散点布局。

藏露、隐现：根据意境和画面艺术手法的需要，在构图时，往往某些部分要藏，某些部分要露。某些部分要画得显眼些，某些地方则要隐蔽些。一般是主体部分要醒目突出，陪衬部分隐蔽些。但有些构图，主体部分也要有藏露、隐现。如表现古梅老干为主的画面“老干新姿”，构图时尽管老干占据画面主要位

置，但具体着笔时，必须处理好藏露隐现的关系。才能使画面产生大小粗细、浓淡前后等强烈对比和含蓄多变的艺术效果。

开合：是指画面构图的完整统一。门窗有开关，故事有始末，文章有开头结尾，画画同样有起有结。有的画使人感到没画完，这就是没有合好。如画一条龙，画龙身为“开”，点睛则为“合”，画龙不点睛，则是死龙。画梅花也如此，只圈点花瓣而不点花心，犹如画龙不点睛，显得没精神，也就是只开不合。无论小构图、大构图都要处理好开合关系，有的画面有几个开合，都要认真处理好，使其达到完整统一。切忌有头无尾，半途而废。

呼应：也称“顾盼”，是指画面的物象形态，色调互相协调、呼应，相映成趣。构图上应在上下、左右、前后、主辅等各个方面去考虑，使之做到顾盼有情，气脉贯通，情景交融。切忌机械凑合、各自东西互不关联。

图47，主体梅，主干上发，旁发小枝在画面上方转而下垂，和右下侧梅枝上下呼应，形成顾盼之势，使画面构图富有变化和情趣。避免了主辅两枝梅花，枝条全都上发的单调局面。

综上所述，既是一般花鸟画构图中创造形式美的重要法则，也是画梅花时应该掌握的规律。梅花构图和其他花卉大同小异，根据梅花以表现枝干为主，构图上可归纳为“长短、粗细、多少、纵横”八个字。梅花的一切构图形式，万变不离其宗，都发自这八个字。

构图力求形式优美，变化万千，时又求得统一，“变化统一”是构图的总要求。变化与统一是事物矛盾对立的两个方面。一幅画无“变”则板，“变”过则乱。也就是说，画画时在笔墨、形体、色彩等诸方

面太统一，必然呆板、单调、无生机。必须造成表现手法上的各种“矛盾”，才能产生起伏、涤荡和节奏韵律等美的东西。梅花构图，也正是运用矛盾的对立统一法则，创造出各种各样的构图形式。

为使初学者易于掌握，现介绍几种主要的梅花构图方法，以供参考。

长短参差法：即运用梅枝的长势，以长线和短线的不同安排，形成对比。当画两枝梅花时，不论枝条向背如何，左右并列还是前后重叠，均应一长一短、一高一矮、一主一辅、一疏一密、一浓一淡。“长”者为画面主体，“短”者辅佐。“长”者，使画面富有变化。只长无短单调孤立，只短无长则无主心骨。有长有短，则主次分明，是画梅构图基本一法。

粗细相间法：粗和细是又一对矛盾对立的统一体。梅花有老干、新枝，有粗干、细枝，组合到一个画面上，能产生强烈的形体对比效果，特别在创作大幅面构图时，（如中堂、横披）采用粗细相间的多层次构图，能使画面充实饱满，气势雄浑。

纵横交错法：梅花纷繁多姿，有上发、下垂、横倚和回折等，在构图时可将两种发枝式组合到一个画面上，形成纵横交错。其变化很多，可以前横后纵，也可前纵后横。可以用左横枝交错，也可用右横枝交错。至于“S”、“之”等形式的梅图，实质上都属纵横交错式范围之内，只是交叉时角度有大小运用不同而已。

工笔画中的一些特殊技法、基本染色技法

工笔画中的一些特殊技法、基本染色技法 1冲染法。冲染法也称撞染法，积水积色法。积水法是先把墨或者颜色平涂，在六七成干的时候，点入清水。积色法是先把墨或者颜色平涂，在六七成干的时候，点入颜色，一般是点入石色。这两种办法最好先把画纸裱在画板上再进行。 2撒盐：特技的一种。铺好底色后，趁湿在上面撒上食盐，任其自然渗化，形成雪花状的肌理效果。 3涂蜡：特技的一种。在未画或画到中间过程时，在画面上不规则地涂抹上一些石蜡，使画面产生局部不挂色的班驳效果。此法也可表现下雨时的效果。 4皱纸：勾好白描稿后，用喷壶把画稿稍微打湿，水不要太多，然后把画稿慢慢攥在一起轻轻揉搓，再展开扶平，用大白云笔蘸事先准备好的颜色（颜色略重），在画稿的背面皴擦点染，使颜色渗透，画稿正面产生碎瓷般斑驳的效果。 7水洗：是画面的一种处理方法，可使画面更加统一、协调，同时也可以把表面浮色洗掉，使画面更加沉稳。水洗时，先用清水把画稿打湿，用白云笔轻轻洗刷，可整体洗，也可局部洗，用力不要太大，否则会把画稿弄破。也可以在画面颜料的水分全部都干了以后再洗。 三、关于用具 绘制工笔牡丹之前，我们首先要准备好作画工具。下面列出了绘制过程中会用到的各种画具。因为考虑到初学者的因素，所以列出的都是市面上常见的画具，在各地美术用品商店里都可以很方便的购买到。 1、笔：主要分底色笔、染色笔、勾线笔三部分。笔者常用的底色笔有五寸、二寸、寸半底纹笔，底纹笔要求全为羊毫所制，笔锋柔软蓄水能力强，主要用来平涂底色。染色笔方面我一般都是采用大白云，其中填色的大白云要求狼毫成分略少一些（纯羊毫也可），色易填润。染色的大白云则选择稍硬一些的，色易拖开。在勾线笔的选择上，勾勒花头和叶子我一般采用定制的长锋兔尖美工描笔，勾线时既可婉转自如又不失轻盈灵动。勾花用新笔，勾叶可用稍旧一点的笔，因笔中含胶渐多，笔锋较之新笔硬朗不少，很适合表现叶子的质感。绘制牡丹还要准备一根小号的狼毫笔，主要用来勾勒山石、枝干，局部填色之用。一支短锋的狼毫红圭也是不可少的，像花房、花蕊、芽孢这些细微处的设色都需要用小笔绘制才方便。需要注意的是，设色用的大白云要多配几支，白色、冷色、暖色、暗色最好都有相对应的笔。（见附录图1） 2、墨：工笔画的绘制中主要用有光泽的油烟墨。乌黑而无光泽的松烟墨染色易脏，慎用。市场上出售的各类瓶装书画用墨汁因携带和使用都比较方便，用来绘制工笔也挺不错。我常用一得阁墨汁，颗粒比较细腻，色彩上也能满足墨分五彩的要求，推荐初学的朋友使用。 3、颜料：工笔画绘制所采用的颜料主要是传统的国画颜色。其中属水色的有藤黄、花青、曙红、胭脂等，属石色的有赭石、朱磦、石青、石绿、朱砂等，还有近年来新开发的化学合成国画颜料酞青蓝、玫瑰红、翡翠绿、桔黄、焦茶也都可和传统国画颜料结合使用。水彩颜料因色泽鲜艳，在国画绘制中也可使用，但是要注

水墨人物国画的着色方法

水墨人物国画的着色方法 中国画颜料主要是天然颜料，有石色、水色之分。石色，即矿物质粉状颜料，用时需调入胶水。石色稳定性好，覆盖力很强，千年不变色，且沉着厚重，漂亮而不火气，如石青、石绿、朱砂、赭石等等。初学者可先用铅管装的石色，效果虽差些，但还比较方便。水色，是从植物中提取的颜料，稳定性能较差，但易与水调和，并较易与墨协调，如花青、藤黄、胭脂等等。 人物国画的用色要与水墨配合好。水墨画要以水墨为主，颜色为辅，过分用色反而会失去水墨国画的特色。 在用色方面，前辈有不少能手，如任伯年、黄胄等。任伯年作画用色很多，但与笔配合得很好，起到了相得益彰的作用。用色不与笔性配合就像水彩画，水彩讲笔触，中国国画讲笔味，即：书法金石味，这一点任伯年可称楷模。黄胄的人物国画用色大胆，泼墨的沉着与色彩的艳丽形成了鲜明的对照；色衬墨，墨托色，响亮而协调。他不但吸收了西洋油画用色的调子，而且大胆采用了民间色彩的处理办法，仍不失中国水墨画的风韵。上石色时，要用水色打底，没有底色，石色易浮于表面。 花青在水墨画中，也是必不可少的原色之一。铅管装的花青质量不好，颜色不正。，可用盒装的花青膏，随用随泡，不要一下子泡得太多，花青容易腐臭，影响效果。花青与很多颜色都能协调：与赭石可调成茶色，与胭脂可调成紫色，再加进白粉，又可成为藕荷色；花青色与藤黄在—起，又成为绿色。没有花青，几乎很多用色的问题无法解决。 步骤/方法 用石青时，要有花青做底色，这样很沉着又很亮。小面积用时，可与淋漓的水墨形成对比，尤其是在墨渍有些乱时。用石色刻画精致而具体的服饰，会很好看。 用石绿，须用赭石做底，也可把石绿调进赭石，效果非常舒服。在小孩、妇女的脸部经常可以用到，画眼窝、鼻底等凹进去的地方，或在脸的透视状态下转过去的部分，适当调进一些石绿，会增强脸部的冷暖对比。总之，在石绿旁边最好有些赭石做陪衬，才更加漂亮。 上石色时，要等底色八成干时再上。如果太湿，石色易渗到画面背后，干了以后色彩很灰，不精神；如果等底色干透再上石色，则显得枯燥，没有水气，所以，上石色一定要把握好时间，以底色潮湿状为最好时机。 在用朱砂前，先用胭脂做底子，方显精神。但在朱砂旁边，要有大面积的黑与白的呼应，黑、白、红在一起是最有分量的色彩配置。当红色与淡墨色在—起时，则要很慎重，水要经常换，笔要洗净。

水墨画教案

《水墨画动物》教学设计 教材分析： 本课是在学生初步掌握了一些简单、基本的水墨用笔技法后的创造性的综合。通过欣赏、感受、尝试水墨来让学生潜移默化地接触中国特有的传统艺术，并在神奇的墨色变化中找寻快乐。对于培养学生笔墨表现能力，激发学生水墨创作兴趣有着积极的意义。通过尝试用水墨的国画语言对动物进行造型的练习，让孩子全方位、多角度地感知国画的造型手法，打消陌生感，并用简单、概括、富有变化的笔触传神地表现动物，激发他们丰富的想像力与创造力，培养孩子保护动物的意识。 教学目标： 1、认知目标：欣赏感受水墨画动物的独特表现方法，知道水墨画与彩墨画之间的异别。 2、能力目标：学习用水墨表现自己喜爱的动物，在造型中体会墨色的变化，提高观察、表现能力。 3、情感目标：通过欣赏、表现水墨画动物，激发学生热爱自然、保护动物的情感。 教学重点

感受水墨画的魅力，学习水墨画用墨、用笔知识，观察表现喜爱的动物。 教学难点 用水墨画出有一定意境的动物画。 课时安排：一课时 教学准备： 教师准备：水墨工具、范作若干，多媒体课件，音乐《春江花月夜》等。 学生准备：宣纸、毛笔、凋色盘、洗笔的工具，毛毡或报纸等。 教学过程： 一、我想看一看（导入）： 师：先请同学们欣赏一段经典动画《小蝌蚪找妈妈》（播放视频） 能看出这些动画形象是用什么画法表现的吗？与平时所看的动画片有什么区别？老师简介：动画片《小蝌蚪找妈妈》中的动物形象，是根据齐白石大师水墨画作品中的动物形象创作的。 今天我们一起来体验水墨画动物的独特韵味。 （板书课题：水墨画动物）

水墨画概念：水墨画是中国画的一种。指纯用水墨所作之画。相传始于唐代，宋元时期开始盛行。水墨画强调“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化；以及强调“墨分五色”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度来代替。（课件出示） 二、我想试一试（初步尝试、体验笔墨）： 师：水与墨相结合会产生神奇的变化 师分别演示： 不调水的是焦墨，稍加水的是浓墨，再加水就是重墨、淡墨，调水最多是淸墨 这就是墨分五色——即焦、浓、重、淡、清 三、我想学一学（尝试画蟹，体验水墨） 想和老师一起感受一下吗？ 老师讲解螃蟹的构成、绘画步骤、用笔用墨的要点。（出示螃蟹的图片） （师生同体验）师边画边讲解： (1)、先让毛笔喝饱水，用笔尖蘸浓墨，側锋画一笔（墨有变化吗？）、两笔、三笔； (2)、师继续用中锋画出螃蟹身体左右的各四条腿；（现在笔画出来的墨变得越来越怎样了？）

国画的花鸟画基本画法

国画的花鸟画基本画法 花卉的观察学习画花卉，除了要多观赏及临摹古今名画以外，还要对实际的花卉深入的观赏与写生，了解花的枯荣及霜晴雨露中的情态，兹从花朵叶与枝干等各部位简述其结构与生态. ( 一 ) 花朵：花朵经常是画面的主题，一般花朵包括花瓣花蕊花托花萼梗等几部份，花瓣有单瓣与重瓣 ( 复瓣 ) 之分，花形有离瓣合瓣之别，牡丹蔷薇花等是离瓣的重瓣，梨花木棉花等是离瓣的单瓣，牵牛花百合花等是合瓣的单瓣，大部分的花卉都具有单瓣与重瓣的不同品种，譬如桃花芙蓉花水仙木槿梅花等，花蕊有长短多寡的区别，雌雄同株的花，大蕊小蕊都在一起，雌雄异株者仅有小蕊，或仅有大蕊，有的花蕊较明显，有的较隐密，都需仔细的观察，花萼亦因花的种类而异，如梅杏桃等五小瓣聚在一起，李梨垂丝海棠等五枚小瓣生长在一长柄上，玫瑰月季等萼尖长，山茶萼像鱼鳞等。 ( 二 ) 叶：单叶植物从枝或茎长叶时，叶序有对生互生轮生丛生等，复叶植物有的成羽状掌状鸟足状，有的是二重复叶，形式更为复杂，必先了解其生长的规律，才不致在繁杂中发生错误，叶有叶柄与叶脉，形状有尖圆长短等不同的大小比例。 ( 三 ) 茎枝：可分为木本草本藤本蔓本等，木本枝干挺硬，有些相当粗状，草本的茎大都较嫩，有的变成右旋或左旋的蔓延，有的还长有须状的攀缘茎。 花卉的写生 各种花卉在早晨或上午比较清新，生气勃勃，是写生的好时间，写生是为创作收集素材，如果是为了工笔画的需要，就必须作细致的描写，有时我们在画面上需要多朵花聚在一起，写生收集素材的时候，就要有正面的、反面的、侧面的、斜面的；有完整的花朵，也有被枝叶遮住一部分的花朵，既有小花蕾，也要有将绽的大花蕾。叶子也是如此，除了成叶外也要有嫩叶及嫩芽，并注意阴阳向背，大小穿插。枝干也要有主干、支干之分，以及在在画面上的姿态和疏密。以上这些都是我们在针对目的写生收集素材时，首先要注意到的问题。 虽然花鸟画不像山水画常有移动视点的表现法，通常视角比较稳定，但我们观察时可运用移动视点的方法，选取最美角度写生，并注意花、枝、叶的大小比例。画花朵可从花蕊花瓣入手，通常先画最完整、最前面的一瓣，再四外扩展，花瓣太复杂的可进行概括，要注意其造型美。画叶也是如此，除了注意叶序、结构之外，也要注意仰、垂、向背与疏密、前後叶的变化，最後画枝干，大干还要画出皮纹，如梅花的大干要苍老、皮纹要斜皴，小干要挺拔有力，桃干皮要横皴，松干皮要鳞皴，紫薇花干皮较光滑等不同种类的枝干特点。 花卉的写生，宜从折枝花卉开始，折取花叶易於入画的一枝，插於花瓶中详细观察，花蕊被遮盖的也可拨开，研究细部结构。对於简单的折枝熟悉後，可以选取整株花的一角来尝试或全株花的写生，由於枝叶复杂，须选择适当的角度，并做大幅度的删减或调整。总之花卉的写生并不是画植物的插图或说明图，需主观的取舍与美化，并强调意趣的表现。 鸟类的观察 禽鸟在中国画中又称为「翎毛」，可区分为水禽与山禽两大类，依其生活习性，又可分为涉禽、游禽、猛禽、攀禽、鸣禽、雉禽等类，各类的特微与习性如下： （一）涉禽：栖於浅水中捕食鱼虾，它的嘴、颈、脚都很长。例如鹤、鹳、鹭鸶等。 （二）游禽：喜欢在水中游泳，嘴扁平，脚短，趾间有蹼，多捕食鱼虾和小虫。例如海鸥、野鸭、

国画大师张大千人物画欣赏(高清大图)

国画大师张大千人物画欣赏（高清大图）张大千人物画欣赏高清 张大千（1899～1983年），四川内江人，1899年(清光绪二十五年己亥)5月10日（农历四月初一），他出生在四川省内江县城郊安良里象鼻嘴堰塘湾的一个书香门第的家庭。原名张正权，又名爰，字季爰，号大千，别号大千居士，四川省内江市人。传说其母在其降生之前，夜里梦一老翁送一小猿入宅，所以在他二十一岁的时候，改名猨，又名爰、季爰。后出家为僧，法号大千，所以世人也称其为"大千居士"。张大千是二十世纪中国画坛最具传奇色彩的国画大师，无论是绘画、书法、篆刻、诗词都无所不通。早期专心研习古人书画，特别在山水画方面卓有成就。后旅居海外，画风工写结合，重彩、水墨融为一体，尤其是泼墨与泼彩，开创了新的艺术风格。

莫高窟唐人菩萨像 镜心观音造像立轴设色纸本1946年作 菩萨 立轴设色金笺 观音造像立轴设色纸本 1947年作南无观世音菩萨 立轴1944年作 摹莫高窟观音大士像立轴

观音大士立轴设色纸本 1946年作 观音大士立轴设色纸本 1948年作 观音镜框设色纸本 1951年作 观音 立轴1947年作 璎珞大士 镜心设色纸本 工笔重彩善财大士像立轴纸本1946年作

摩登迦女 立轴设色纸本1951年作 安西榆林窟摩登迦女像 镜心1944年作张大千人物画欣赏高清 观音立轴绢本 1943年作观音立轴绢本观 音镜片绢本1944年作 观音造像镜框 1942年作 菩萨像立轴纸本1942年作 南无观世音菩萨立轴

1936年作 佛像立轴纸本 南无观世音菩萨立轴设色纸本 1943年作 南无观世音菩萨立轴设色纸本1943年作 观音 立轴绢本1946年作 临莫高窟唐人菩萨像 中堂绢本南无观世音菩萨立轴1944年作 观音

最基本的国画常识

最基本的国画常识(图文解说) 中国画的概念 中国画：简称“国画”，在本世界美术领域内自成都市独特体系。它用毛笔、墨，和中国画颜料，在特制的宣纸或绢上作画。在题材上有人物画、山水画、花鸟（卉）画动物画等之分。在技法上又可引为工笔画和写意画两种，各有蹊径，互有特色。在人物画方面，从晚周至汉、魏、六朝逐渐成熟。山水、花鸟等至隋唐之际，始独立形成画料。到五代、两宋、流派繁多，为高度发展阶段。元化水墨画盛行。明、清和近代，大体录袭前规。在各个时期中，都出现了不少革新造性的画家。在世界美术领导或中国画具有鲜明的民族形式和独特风格。在描绘物象上，主动运用线条、墨色来表现形体、质感，有高度的表现力，并与诗词、款赋、书法篆刻相结合，达到“形神兼备”气韵生动的效果。另外中国画，还有着独特的装裱形式，起到衬托画体的作用。

宗教画：取材于宗教之教义，故事和传说且服务于宗教宣传的绘画。如道教中表现神仙的画像，佛教中表现佛本生故事的绘画，中国道教题材的绘画早在魏晋时代就有专门关于神仙和传说中故事场面及神仙形象的绘画。佛教绘画兴盛于中古时代的印度，后流传入中国（随佛教流传）后，逐渐被中国古代画家用中国绘画的形式描绘而形成了中国特色佛教绘画。 院体画

院体画:我国唐代已设徐诏、供奉等。五代时，西蜀、南唐设置画院。宋代设翰林图画院，选优秀画家，为皇室宫廷服务。历代画院里所画的山水、花鸟、人物等，大都是要求用笔没色，整细致、富丽堂皇，构图严谨，色彩灿烂，有的有较强的装饰性，称之为院体画。 民间画

民间画：在中国画中指除专业画家、文人画家等之外的专以绘画为生存手段而迎合一般市井习俗而从事绘画的街头艺人所作的种种画作。其作品倾向艳丽甜俗细腻，不同于专业画家、文人画家，所作的画作较为讲究诗意，画境等文化内涵。而为一般文化层次的平民喜爱。民间画又称匠人画，比起院体画缺乏严格的技巧训练；比起文人画，缺乏文学和理论修养。但是，它有些又趋于朴实、热烈某些优点也是文人画与院体画所不及的，也有时为文人画和院体画所吸收。 动物画 动物画：在中国画中以动物形象作为艺术语言，以表达人的希望，幻想和各种感情的一种绘画，描绘的题材很广泛，凡动物均可入画，但主要对象为人们常见的家禽，家畜和动物园中的各种动物。动物画不要求维妙维肖，允许夸张与变形，但要有个性，要能引起观众的共鸣和生活美的联想 扇面画

当代中国著名国画大师范 曾先生写意人物画作品欣赏

当代中国著名国画大师——范曾先生写意人物画作品欣 赏 ... [当代中国著名国画大师——范曾先生写意人物画作品欣赏】范曾，字十翼，别署抱冲斋主，江苏南通人，当代中国著名的国画大师，开人物画一代风气之先。作品熔山水花鸟人物于一炉，集诗、书、画三绝于一身，在绘画语言上有创新，功力不凡。他的古代人物画，识者谓其气韵生动，神彩飞扬，精湛娴熟，笔力遒劲，线条简括，形象生动。范曾六渡扶桑、远游欧美，是拥有世界上最多读者的中国画家。范曾先生擅作写意人物泼墨人物，力追古代梁楷、法常诸人，笔墨浑厚，造型生动。他继承了南宋梁楷以来简笔泼墨的手法，形成了自己独特的风格。其人物作品之传神，固出于其才气之敏悟与博学好思之修养，至于其笔墨之能得其神，则应出于其锲而不舍的勤奋和努力。范曾对中国悠久文化艺术一往情深。他有２４字的自评：“痴于绘画，能书，偶为辞章，颇抒己怀，好读书史，略通古今之变。”他认为，一个优秀的中国画家，必然对中国的哲学、历史、古典诗词、书画皆有深入了解，否则，不可能登堂入室，只能临摹古人，描摹大自然。戊子年范曾先生将于2008年2月2日上午10时在荣宝斋北京琉璃厂总店举办《回归自然回归古典以诗为魂 以书为骨——范曾先生迎春画展》，此次展览隆重推出范曾

先生书法绘画新作80余件。这是范曾先生在荣宝斋连续5年举办的新春画展，旨在向广大的国画爱好者和收藏界展示自己的最新创作成就。包括众多影视明星在内的数百人参加了开幕式。范曾先生亲临现场为持有本次画展精美画册的100位读者签名。范曾先生近年倡导“回归古典、回归自然”的艺术道路，在理论和实践两方面身体力行，做了大量有影响的工作，在艺术界引起很大的反响。同时，他还一如既往以积极的态度履行纳税义务，以此来表达其作为一名人文知识分子的社会责任。据荣宝斋统计，仅仅三年时间，范曾先生在荣宝斋举办新春画展所纳税款已经超过千万，是名副其实的纳税模范。

中国画技法课程题库

中国画技法课程题库 一、写意人物试题库之一 1.教学课题：理解传统写意人物画的基础理论，掌握传统写意人物画的表现技法。 质量要求：方法正确，真切体现原作的笔墨造型精神。 数量要求：２幅作业，四尺三开以上。 评分标准：能正确地把握传统写意人物画的基本方法，比较准确地体现范作的笔墨造型艺术精神。 2.教学课题：如何在写生中正确运用传统写意人物画方法。 质量要求：造型生动，构图完整，具有一定的笔墨表现力。 数量要求：２幅作业，均为四尺整张。 评分标准：能发挥传统写意人物画的艺术特性，有一定的感受能力和表现能力。 3.教学课题：较好把握写意人物画语言的艺术精神，在实践中较好地运用传统写意人物画 技法。 质量要求：笔墨表现较为生动、整体效果好。 数量要求：2幅，尺寸均为四尺整张。 评分标准：能较为生动地表现客观对象，笔墨表现效果较好，体现出对传统理论和技法的正确认识。 4.教学课题：写意人物画写生与创作的基本方法和技巧。 质量要求：造型生动、画面完整，有一定的表现力和创作性。 数量要求：写生１幅／4学时，创作1幅/12学时，尺寸均为四尺整张。 评分标准：人物造型生动，画面完整，笔墨具有表现性和一定的创作性，能体现对课程要求的深入认识和切实把握。 二、写意人物试题库之二 1. 教学课题：写意人物的基本方法、临摹传统经典作品 质量要求：充分体现原画的特征风貌 数量要求：四尺对开或全张１—２幅 评分标准：根据对传统方法内涵的理解，临摹制作完整程度和对技法的把握综合评分。 2. 教学课题：写意人物画全身像写生 质量要求：线条随意而到位，笔墨处理恰当。 数量要求：四尺整一幅 评分标准：按照写生作业的整体效果，包括造型的准确到位、笔墨处理的熟练程度，及学习态度综合评分。 3. 教学课题：在写生的基础上进行写意人物的创作练习 质量要求：有一定的创作构思，画面完整。 数量要求：四尺×2或四尺1－2幅 评分标准：根据创作的画面效果综合评分。 4. 教学课题：写意人物创作练习 质量要求：构图完整，形象生动，笔墨协调。 数量要求：四尺两幅或六尺一幅。 评分标准：根据写意人物画创作作品的构思、构图及人物形象的表现，同时参照学习态度和学习的进展快慢综合评分。 三、写意人物试题库之三

儿童水墨画的基本技法

兒童水墨畫的基本技法： 一、執筆法： 以大拇指、食指、中指緊握筆桿，無名指在下，掌心空虛是給筆留出足夠的活動空間，而能靈活運筆。 二、運筆法：運筆的方法很多，常用的有中鋒、側鋒、逆鋒、順鋒等。 中鋒：毛筆直立與畫面垂直。其線條渾圓濕潤，適於鉤畫輪廓線，表現樹枝、樹幹及房子。 側鋒：筆尖側向一邊，斜度更大為偏鋒，筆觸常給人銳利、薄弱的感覺。 逆鋒：逆推著筆，由右而作、下而上推進，阻力常產生蒼勁、險峻，別有風味的效果。 順鋒：由左而右，由上而下，行筆有如流水般順暢，適合初學者學習，揮灑自由是最為自由 而踏實的筆法。 擦鋒：將筆毛打散開來，易產生飛白的效果。可表達石頭，樹皮等各種物體，粗糙的質感， 表現出筆的力量。 點筆：依對象形狀而有大小方圓等不同之造型。用點時需注意其聚散、疏密與輕重之表現， 以產生生動活潑的效果。 三、用墨：用墨可分為墨色及用墨的方式。 墨色：可分為乾、濕、濃、淡、焦五種墨色。依筆之含水及含墨量之多寡而呈現不同的方式。 1.乾墨：運筆時筆中含水較少，幾近枯筆，用以表現蒼茫、厚重的感覺。 2.濕墨：含水量較多，行筆時胸有成竹，一氣呵成，避免墨色呆滯混濁。 3.濃墨：黑的強度僅次於焦墨，主要用在畫面的陰暗處或強調主題。 4.淡墨：由中灰至淺灰色，富於墨韻之變化，可層層堆疊渲染，可表現立體層次感及氣 氛情感。 5.焦墨：是最黑最有光澤的墨色。可用來畫最突出最高的部份，能產生畫龍點睛的效果。 用墨的方式：常見的用墨方式有潑墨、破墨、積墨、拓墨及渲染等。 1.潑墨法：用此法應事先佈局好，把濃淡乾濕的筆墨潑灑下去，一氣呵成讓墨色自然滲 合，等乾後再加以染或補景。

中国画技法

课程名称：中国画技法：白描、工笔淡彩 课型：理论、技能 周次：3周 授课时间： 课时：6课时 地点：教室 教学目标：使学生了解中国工笔画所需要的工具和材料；通过白描花卉练习，熟悉中国工笔画线条的魅力，掌握勾线的运笔特点。并通过讲授工笔花卉的着染技法，演 示工笔花卉的作画步骤，使学生学习和掌握最基本的分染、罩染、勾填、反衬 等传统技法并学习一些特殊技法，能独立完成一幅作品。 教学重难点分析： 教学重点：了解传统工笔画所使用的工具和材料的特性；运用线条表现出力感和快感，运用笔墨变化表现花卉的质感；掌握分染、罩染、统染等技法的表现。 教学难点：中国画与西方绘画不同，不强调光影，用线表现结构，用色丰富画面，“以形写神”、“以线造型”。表现白描用线的形式美感；线条与花卉形象、质感、 空间感的结合处理。 教学过程： 一、中国画概述： 1、提问：你知道哪些关于中国画的知识？说说看 2、概述： 中国书法和中国绘画被一起称为东方瑰宝，它不同于西方的水彩画和油画，它是 使用中国传统的工具——笔墨纸砚，中国画有着悠久的历史，我们根据画法把它 分为工笔和写意二类，每一类又可以分为山水、人物、花鸟。 工笔画：工笔画是使用中国特制的绢或熟宣，这二种材质不太吸水，再加上使用 中国特制的矿物质原料，就可以画出工笔画。（具体技法见后 面的教学内容） 写意画：写意画是用毛笔画在生宣纸上，它和书法所使用的工具和纸张 是相同的。 （通过一个小实验：不吸水的纸是熟宣，吸水的纸是生宣。绢是由丝制成，宣纸 是用一种特殊的树皮制成，所以它们具有我们普通的纸所不具有的性能。）

二、工笔画的工具和材料： 1、版面材料 工笔画所用的版面材料包括：各类纸、绢等。这是传统工笔画的版面材料。 现代工笔画还使用其他版面材料，如水彩纸、高丽纸、皮纸、麻布、树脂布、棉 布等。 绢的质地光泽细润，很适合画工细严整的工笔墨画，故延用至今。 绢为纯丝制就，呈平纹，有圆丝、扁丝两种，有生绢、熟绢之分。圆丝绢又称“原丝绢”，在古代绘画作品中常见。在这种绢上刷上一层胶矾水后就成为 熟绢。原丝绢因未加捶砸而保持原来丝的形状，故丝与丝之间略有空隙，虽矾过 但仍易漏，故目前使用者少。一般临摹古画时用，但目前也有一些画家利用这种 特性，画出别具特色的工笔画。扁丝绢是捶砸后的绢。扁丝绢有丝本色和仿旧色 两种，亦有未矾过需作者自己刷胶矾水的，矾过的绢质地稍硬挺，熟绢上色后不 会渗开，适合工笔画的细线勾勒、多层渲染等技法，尤其适宜于表现虚幻和朦胧 的效果。绢适合画淡彩法，浓淡相间法亦佳。选用绢作版面材料，应注意发挥绢 的细润有光泽的特点。绢较之纸，价格稍贵，学生可根据自己经济条件选用。 此外，在裱绢时，要注意抻平绢的横竖纹，因绢丝极易歪斜，尤其是画人物画，容易造成人物变形。 熟宣纸：生宣纸经过胶矾水刷制或浸泡就会成为熟宣纸，其性能是不渗水，故适合于画工整细腻的工笔画。它的品种较多，如清水宣、冰雪宣、书画笺、云 母笺、蝉翼宣等。这些纸有薄有厚，胶矾水也有浓有 淡，薄者适宜画淡彩，厚者适宜画重彩，其中蝉翼宣最薄，冰雪宣最厚。云母宣 有微小的云母点，一般用于画山水或花卉，另有洒金笺和各种染 色纸亦属于熟宣纸类。此外，熟宣纸还有泥金纸，目前已少见，系用真金涂制。 清末任伯年的巨幅条屏作品《群仙祝寿图》即用泥金纸绘制而成，其效果金碧辉 煌，华贵而不失雅丽。 麻纸类： 皮纸、高丽纸、各类民间手工制纸都属此类。 ①特点：纸稍厚，纤维长，略渗水。 ②高丽纸有条纹，便于做肌理，加之稍渗水，效果较丰富，故现代工笔画家 常用。高丽纸还能吸附厚重颜料，可画重彩法的工笔画，临摹壁画也很适宜。

中国画—人物试题及答案

《中国画—人物》试题及答案 姓名班别成绩 一、单项选择题：（请选出下面四个答案中唯一的正确答案。每题2 分，共22分） 1、中国古代把绘画称作（ A ） A、，丹青 B、丹砂 C、石青 D、砂青 2、中国画中最早成熟的一个画种是（ B ） A、山水 B、人物 C、花鸟 D、静物 3、中国画中，与人的精神生活有密切关系的的人物画主要有（ B ）方面内容的中国画。 A、文化 B、宗教 C、艺术 D、神话 3、我国甘肃敦煌103窟的盛唐壁画《维摩诘经变》是（ B ）题材的人物画。 A、文化 B、佛教 C、艺术 D、神话 4、《维摩诘经变》是（ C ）的杰作。 A、不求形似求神似 B、以神写形 C、以形写神 D、不求神似求形似 5、梁楷的《泼墨仙人图》运用（ A ）的水墨写意创作方法。 A、不求形似求神似 B、以神写形 C、以形写神 D、不求神似求形似 6、与现实生活情景有关的人物画自（ B ）以后盛行起来。 A、汉代 B、唐代 C、宋代 D、明代 7、描绘城乡社会生活的风俗画在（ C ）得到了空前的发展。 A、汉代 B、唐代 C、宋代 D、明代 8、宋代风俗画中最突出的代表性作品是（ A ）。 A、张择端的《清明上河图》 B、刘松年的《耕织图》 C、燕文贵的《七夕夜市图》 D、苏汉臣的《货郎图》 9、《捣练图》的作者是（ B ） A唐寅B、张萱C梁楷D、徐悲鸿 10、《嫦娥执桂图》的作者是（ A ）。 A唐寅B、张萱C梁楷D、徐悲鸿 11、《愚公移山》的作者是（ D ）。 A唐寅B、张萱C梁楷D、徐悲鸿 二、多项选择题：（下面四个答案中有二个以上正确答案，多选少选 均不得分。每小题3分，共12分）

山水画基础技法

山水画基础技法 默认分类2010-05-12 00:41:14 阅读22 评论0 字号：大中小 山水画基础技法 中国画的运笔技巧 中国绘画的最显著特点，是以墨线为基础。中 国画家不仅用它来表现一切物象的轮廓、明暗、质感， 而且还用它来揭示物象的内在精神和画家的思想感情。 因此中国画的线条具有一定的独立的美学价值。清代大 画家石涛，提出“一画论”的观点，他说：“一画者，众 有之本，万象之根。”中国画家就是运用一管柔毫，通 过种种不同性质的墨线，为大千世界传神写照的。所以， 如何用笔画线，就成了能否画好中国画的首要问题。 南齐谢赫在著名的《六法论》中，把“骨法用笔” 放在第二位。唐代张彦远在《历代名画记》中说：“夫 象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于 立意而归乎用笔。”可见用笔是历来为画家所重视的， 是中国画技法中基础的基础。 绘画执笔大体同于书法，要掌握指实、掌虚、

腕平、五指齐力的要领，但较之书法用笔更为灵活。书法执笔一般要求竖掌，绘画执笔则可横卧，可略高一些，这样与腕、肘、肩、身相互配合，运笔方能既灵活而又得力。 山水画运笔有中锋、侧锋、藏锋、露锋、逆锋、顺锋等方式。中锋运笔，笔管垂直，行笔时锋尖处于墨线中心；用中锋画出的线条挺劲爽利，多用于勾勒物体的轮廓。侧锋运笔，手掌向左偏倒，锋尖侧向左边；由于侧锋是使用笔毫的侧部，故画出的笔线粗壮而毛辣，此法多用于山石的皴擦。藏锋运笔，笔锋要藏而不露，横行“无往不复”，竖行“无垂不缩”，古人称之为“一波三折”；藏锋画出的线条沉着含蓄，力透纸背，常用来画屋宇、舟、桥的轮廓，也用于山石的勾勒，树干的双勾。露锋则使点画的锋芒外露，显得挺秀劲健，画竹叶、柳条便是便是露锋运笔。逆锋运笔，笔管向前右倾倒，行笔时锋尖逆势推进，使笔锋散开，笔触中产生飞白（中国画中一种枯笔露白的线条），这种点、线具有苍劲生辣的笔趣，可运于树干、山石的勾勒、皴擦中。顺锋运笔与逆锋相反，采用拖笔运行，画出的线条轻快流畅、灵秀活泼，勾云、画水常用此法。

《中国画》教学大纲

朔州师范高等专科学 校 中国 画》 美术教育专 业 美术系

一、课程的性质、目的与任务通过课程的学习使学生了解基本的中国画发展史方面的知识及掌握中国画方面（山水、花鸟、人物）的基础技法、造型规律，树立中国画的审美意识和造型观念，在中国人物画，山水画、花鸟画理论修养和实践表现方面，具备比较全面的认识能力和扎实的表现能力。 二、教学的基本要求或建议本课程是美术学专业学生的专业必修课程，也是一门以理论指导的专业技法课程。其教学内容涉及中国山水画，中国工笔花鸟画和写意花鸟画，中国工笔人物画和写意人物画。采取理论讲授，课堂示范、课堂练习辅导的教学方法，做到理论和实践相结合，并适当运用多媒体教学，提高教学方法。 三、内容纲目及标准 第一部分绪论（建议学时数：4 课时）第一学期学习目的和要求：本单元主要从中国画发展史、中国画的分类及其工具特点使学生从理论上了解中国画的基本知识。 重点和难点：了解和掌握中国画发展史、中国画的分类及其工具特点，使学生从理论上了解中国画的基本知识。 （一）中国画的表现方法 1、追求神似 2、注重意境 3、抒情寓意 4、突破时空限制 5、以墨线为造型的主要手段 6、采用程式化的表现手法。 （二）中国画的综合性 1、中国画的题款 2、中国画的印章 （三）笔墨纸砚，文房四宝

1、中国画毛笔 2、宣纸 3、中国画墨 4、砚 第二部分山水画（建议学时数：28）第一学期教学目的：通过中国山水画部分的专业学习，使学生了解山水画的用笔、用墨、用色的表现技法，掌握山水画的造型艺术规律，熟悉中国画的工具材料，掌握中国山水画临摹、写生的基本方法。 教学的重点难点：山水画的用笔、用墨方法 一、山水画的用笔技法 （一）用笔 （二）山石的画法 （三）树木的画法 二、山水画的用墨法 （一）墨与水和笔的关系 （二）传统山水画的用墨法 三、山水画的用色 （一）墨与透明色 （二）墨与不透明色 四、中国山水画构图的形式法则 五、山水画独特的透视处理 第三部分花鸟画（建议学时数：64 课时）第二、第三学期教学目的：通过本章的学习，使学生了解写意花鸟画的基本规律和基本要求，掌握工笔花鸟、花鸟白描、写意花鸟画表现的一般技法。 教学的重点难点：工笔花鸟中骨法用笔与勾勒技法，写意花鸟画的几种常用方法。第一章：花鸟画的白描技法第一节：花鸟画概述。

水墨画入门基础

水墨画入门基础 导读：我根据大家的需要整理了一份关于《水墨画入门基础》的内容，具体内容：水墨画：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。也称国画，中国画。墨水画是中国传统画之一。墨水是国画的起源，以笔墨... 水墨画：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。也称国画，中国画。墨水画是中国传统画之一。墨水是国画的起源，以笔墨运用的枝法基础画成墨水画。线条中锋笔，侧锋笔，顺锋和逆锋，点染，擦，破墨，拨墨的枝法。墨于水的变化分为五色。画成作品，题款，盖章。就是完整的墨水画作品。下面是我收集整理的范文，欢迎借鉴参考。 (一) 1学习水墨画工具很重要，初学者需要准备 笔：小号羊毫提笔，长锋羊毫笔，长锋狼毫书、狼毫书画笔和小号狼毫笔等。 墨：初学用墨汁即可 纸：需要宣纸(初学练习技法可用普通白纸代替) 砚：砚台、瓷盘。 其他：国画用颜料、笔洗、镇尺等 2水墨画的执笔方法如同书法，也就是指实掌虚的方法，即大拇指、食

指、中指夹住笔杆，无名指和小拇指并拢上抵住笔杆。需要悬肘悬腕，初学时最好站着画，一般作画也多为站画。 3用笔方法：中锋运笔，笔杆垂直于纸面，笔尖在墨迹中间运行，适于勾线; 顺锋运笔，运笔时按照常规顺序运行，即为自上而下，自左而右运笔。逆锋运笔，同顺锋运笔相反，即为自下而上，自右而左运笔。 侧锋运笔，书画时笔杆侧向一边，笔尖在墨迹一边运行，适于大笔涂抹。 4墨分5色：焦、浓、重、淡、清。可以根据自己要作画的需要来调出需要的墨色，初学，在墨盘中直接蘸上的墨为焦墨，经墨再蘸上水为浓墨，多加水，墨色稍有变化为重墨，水泡合后出现的墨色为淡墨，将笔上的墨用清水涮净，留下来的墨为清墨。 5水墨画初学可画竹做为练笔。选用大一点的笔，蘸上重墨，以逆锋提笔的方法画竹杆。再在笔节上画出枝。 用锋长一点的笔画画竹叶，竹味的画法有个字法、介字法、人字法等三种常用方法。也可根据自己需要灵活运笔。为了调节竹叶的疏密度，要采取浓墨和淡结合的方法来画。 再画稍干一点后，用重墨点上竹节，可画成几字或八字。 6水墨画初学多颜色画法，可以画简单的花卉，果实为练习。可选用大点的笔以侧锋运笔画叶片，用淡墨画后方的叶，来烘托立体效果。花卉和果实的颜色需要用国画颜料来调。多多练习才能掌握其方法。画稍画一些用重墨画上叶脉。 7水墨画山水的画法分为构图，结构，积墨处理。构图时可先用碳条来

写意重彩人物画技法

写意重彩人物画技法 写意重彩人物画技法写意重彩人物画技法作者杨沛璋简介： 杨沛璋，1951年生于天津，1976年毕业于天津美术学院并留校任教，现为中国美术家协会会员，天津美术学院教授、国画系副主任。 其作品《海的儿子》、《五月》、《净土》、《我们的田野》分别入选第五、六、八、九届全国美展，作品《山谷的回忆》入选1988年博雅世艺术公司举办的全国中国画大赛展，作品《信天游》入选内地与香港、台湾地区联合举办的当代水墨新人展。 1993 年，杨沛璋在北京举办了《乡情古韵》中国画个展。1995年，应法国北加莱大区议会邀请在巴约尔市博物馆举办个展，组画《王佛》被该馆收藏。在1995 年至1999年的四年间，杨沛璋在法国、比利时等地相继举办个人画展八次，展出作品一百八十余幅，受到当地艺术界广泛好评。 杨沛璋于1997年出版了个人画集，并著有《中国人物画技法教材》等。 学习绘画该从何处着手呢？我看首先是培养兴趣。当真的入道学画时，还得有一套较正规的学习，要知道，每个画种除了形式不同外，学习的方法也各有不同。绘画不同于数理化，知道了公式，按着公式去做就可以了。绘画之事除在正确理论的指导下，还须有循序渐

进地掌握、理解的过程。根据每个人的领悟程度不同，进步也会有快有慢。特别是中国画，在实践中需要体悟的东西就更多。为什么会这样呢？因为绘画的特点各有不同，首先是造型观念的不同。如西方绘画在19世纪前是以写实为主，对物象的形体、颜色、质量、空间等都以现实为依据。画面好似一面窗子或玻璃，画面上所画的东西，都可以对照物体来检验。可中国画却不是这样，那画面明明白白地告诉你这就是画，而不是真实的对象。中国画强调对物象的观察、理解与体验，以写意为准，体现在画面上就是通过笔墨情趣而达到的一种意境。西画是通过光，用明暗调子、冷暖色彩来表现物象。中国画则是用线及墨色的种种变化来表达作者的认识。所以西画的基本练习是素描写生，而中国画则是先画树石，练习线的节奏与布置。空白与墨线有同样的价值。物象讲平面剪影的效果，注意物象的外轮廓，以自然节奏见长。衣纹也不仅仅依据人体结构，而是以美的节奏为主，形成程式化。所在在平时基本的练习上应当注重临摹和读画，来加强个人审美意识和技法上的修养、造型能力的培养，注重平时的观察和背默能力的锻炼。（附图为杨沛璋作品《少女》） 以线做为塑形象的主要手段，是中国画的一个重要特点，线描的着眼点，在于形体的轮廓和结构的重要转折点。而体积中的小面、大面，全部省去不画，是虚的。可以说，轮廓和结构处是写实，并以这个写实带出虚写的画，=。在山水画技法中有一句普通的画诀石分三面，树分四枝，三面就是指石头的体积感。这种体积感是在

国画花鸟的基本画法教学

花卉的观察学习画花卉，除了要多观赏及临摹古今名画以外，还要对实际的花卉深入的观赏与写生，了解花的枯荣及霜晴雨露中的情态，兹从花朵叶与枝干等各部位简述其结构与生态. ( 一 ) 花朵：花朵经常是画面的主题，一般花朵包括花瓣花蕊花托花萼梗等几部份，花瓣有单瓣与重瓣 ( 复瓣 ) 之分，花形有离瓣合瓣之别，牡丹蔷薇花等是离瓣的重瓣，梨花木棉花等是离瓣的单瓣，牵牛花百合花等是合瓣的单瓣，大部份的花卉都具有单瓣与重瓣的不同品种，譬如桃花芙蓉花水仙木槿梅花等，花蕊有长短多寡的区别，雌雄同株的花，大蕊小蕊都在一起，雌雄异株者仅有小蕊，或仅有大蕊，有的花蕊较明显，有的较隐密，都需仔细的观察，花萼亦因花的种类而异，如梅杏桃等五小瓣聚在一起，李梨垂丝海棠等五枚小瓣生长在一长柄上，玫瑰月季等萼尖长，山茶萼像鱼鳞等。 ( 二 ) 叶：单叶植物从枝或茎长叶时，叶序有对生互生轮生丛生等，复叶植物有的成羽状掌状鸟足状，有的是二重复叶，形式更为复杂，必先了解其生长的规律，才不致在繁杂中发生错误，叶有叶柄与叶脉，形状有尖圆长短等不同的大小比例。 ( 三 ) 茎枝：可分为木本草本藤本蔓本等，木本枝干挺硬，有些相当粗状，草本的茎大都较嫩，有的变成右旋或左旋的蔓延，有的还长有须状的攀缘茎。 花卉的写生 各种花卉在早晨或上午比较清新，生气勃勃，是写生的好时间，写生是为创作收集素材，如果是为了工笔画的需要，就必须作细致的描写，有时我们在画面上需要多朵花聚在一起，写生收集素材的时候，就要有正面的、反面的、侧面的、斜面的；有完整的花朵，也有被枝叶遮住一部分的花朵，既有小花蕾，也要有将绽的大花蕾。叶子也是如此，除了成叶外也要有嫩叶及嫩芽，并注意阴阳向背，大小穿插。枝干也要有主干、支干之分，以及在在画面上的姿态和疏密。以上这些都是我们在针对目的写生收集素材时，首先要注意到的问题。 虽然花鸟画不像山水画常有移动视点的表现法，通常视角比较稳定，但我们观察时可运用移动视点的方法，选取最美角度写生，并注意花、枝、叶的大小比例。画花朵可从花蕊花瓣入手，通常先画最完整、最前面的一瓣，再四外扩展，花瓣太复杂的可进行概括，要注意其造型美。画叶也是如此，除了注意叶序、结构之外，也要注意仰、垂、向背与疏密、前後叶的变化，最後画枝干，大干还要画出皮纹，如梅花的大干要苍老、皮纹要斜皴，小干要挺拔有力，桃干皮要横皴，松干皮要鳞皴，紫薇花干皮较光滑等不同种类的枝干特点。 花卉的写生，宜从折枝花卉开始，折取花叶易於入画的一枝，插於花瓶中详细观察，花蕊被遮盖的也可拨开，研究细部结构。对於简单的折枝熟悉後，可以选取整株花的一角来尝试或全株花的写生，由於枝叶复杂，须选择适当的角度，并做大幅度的删减或调整。总之花卉的写生并不是画植物的插图或说明图，需主观的取舍与美化，并强调意趣的表现。 鸟类的观察 禽鸟在中国画中又称为「翎毛」，可区分为水禽与山禽两大类，依其生活习性，又可分为涉禽、游禽、猛禽、攀禽、鸣禽、雉禽等类，各类的特微与习性如下：（一）涉禽：栖於浅水中捕食鱼虾，它的嘴、颈、脚都很长。例如鹤、鹳、鹭鸶等。 （二）游禽：喜欢在水中游泳，嘴扁平，脚短，趾间有蹼，多捕食鱼虾和小虫。

写意人物画写生方法步骤

写意人物画写生方法步骤 写生是写意人物画教学的重要环节，是学习研究中国画艺术的重要组成部分，从教学角度讲，写意人物画写生过程可分为如下步骤： 一、观察 观察是写生的开始，是动笔前的准备。观察一般运用动静结合的方式进行。所谓动，即主动与模特交流使其进入自然状态，以便准确地把握人物神情，其次可全方位，多角度的观察以便选择最佳的写生角度与位置所谓静，即是通过深入细致地观察、研究、分析人物的性格特征和体貌特征，以便准确的描绘出人物的精神风貌。观察的同时，也是打腹稿的过程，是将客观的人物经过一番艺术处理，便其变成一种心象，一种艺术元素和一种艺术语言的过程，这便是观察的目的，同时也是观察的任务。 二、起稿 起稿是观察的深入，是心象转化为绘画的初级图像，在写生的初级阶段，起稿是必需的，同时也是必要的，其目的是深化观察，研究造型，为落墨做好充分的准备，起稿的任务：第一是经营位置（构图）合理，艺术地将人物安排在画面之上；第二是以形写神（造型），准确生动地将人物描绘在画面上。

起稿的方法：写意人物画一般采用易于修改的工具（木炭条）起稿，其用笔用线尽可能接近毛笔。这样为落墨用笔提供了方便。 三、勾勒 勾勒是写生落墨的开始，是以中国画特有的艺术语言对写生对象的艺术表达。它们成败关乎全局，其重要性则不言自明。因此，在落墨前要求学习对其作品的完整效果有所设计，选择适当的笔墨程序，以便决定勾勒时选择最佳的用线效果。在勾勒的过程中，笔墨的运用都围绕人物的形神展开，线的精细、浓淡、方圆、干湿、快慢的选择以最能表达人物精神风貌，个性特点为原则。 四、皴、擦 皴擦是勾勒的延伸，是以另一种用笔方式（侧笔）对前一种用笔方式（中锋）的补充。其作用在于丰富画面，表达质感，强化节奏、协调统一。 其方法是：一般采用枯笔侧锋，长短相兼的用笔方式。 五、泼墨 泼墨是写意人物画中常常使用的方法。 其作用是协调关系，增加厚度，拈实为虚，调整节奏。其特点是：笔酣墨畅，大笔概括，随形写意，墨韵传其方法可分为两类：一为表现体积关系，其接近于西洋画之明暗表现方法，二为表现结构关系，注重传统写意对总体关系的表达。其用墨可分为两类：一

中国戏曲人物水墨画

中国戏曲人物水墨画 【中国戏曲人物水墨画：1】 【中国戏曲人物水墨画：2】 【中国戏曲人物水墨画：3】 【中国戏曲人物水墨画：4】 【中国戏曲人物水墨画：5】 看完了以上的中国戏曲人物水墨画之后，下面就来了解一下关于戏曲的知识吧! 中国的戏曲，源远流长，具有鲜明的民族特色，是人们喜闻乐见的一种文艺形式。戏曲是我国的国粹，属于非物质文化遗产，是我国无形的财富。戏曲有着独特的魅力，因为其蕴涵着中华民族几千年的文明，是中华民族灵魂、精神、智慧和文化的结晶。 戏曲演出的成功离不开声音的衬托，其表现是以音乐杰作作为前提条件的，因此离开了音乐，戏曲将不再完美。第一，戏曲中的曲是要用音乐唱出来的，这也是戏曲的重要表现手法。第二，戏曲中的表现手段，即打、念等都蕴含着一定的音乐感，这种音乐感的形成一方面是其本身所拥有的，例如在戏曲道白中的文字就蕴含了强烈的节奏感。另一方面是由音乐伴奏(包括管弦乐和打击乐伴奏)制造的。列如在打扫厅堂悬挂字画的时候，通常都需要音乐与演员的动作像配合。其动作与音乐的衔接与配合是有一定规律的，例如用锣鼓的声音表现出道白的动作与节奏，此时此刻的音乐感会更加的强烈。 戏曲音乐与其他音乐有一个重要的区别，即在戏曲音乐中可以用锣鼓来加强演员的表演节奏。在舞剧与歌剧中也相应的有音乐的伴奏，但是一般不会使用锣鼓，不会像戏曲一样把锣鼓作为主要乐器用以贯穿整个演出。在戏曲演出的过程中，司鼓的作用就是指挥。在戏曲演唱中的伴奏，通常要用鼓版把曲子的重拍体现出来，从而

使曲中节奏更加的明亮。例如在道白与动作中，锣鼓的作用不单单体现在加强了戏曲的节奏，而且通过相应的节奏变化，准确的把剧中人物内心所蕴含的情感展现在观众面前，从而有效的渲染、加强了舞台的气氛。猜你喜欢：