美术鉴赏论文：齐白石的书画特色
美术鉴赏论文：齐白石的书画特色
齐白石的画继承了我国传统书画的技法，又通过对生活的深入观察，加以融会提炼，形成自己特有的艺术风格，对我国传统绘画的发展有着卓越的贡献。齐白石草虫画是齐白石绘画的一个表现。齐白石从年轻到老年，始终伴随着精细工笔与粗笔写意的两种画法，其中精细工笔类的变化不大，但粗笔写意类的富于变化;该现象适应了齐白石个人风格的产生与发展。齐白石草虫画的表现形态，有工笔的、小写意的、大写意的、工写结合的等，其在齐白石绘画中的主体位置，往往是艺术表现的灵魂。
齐白石众多绘画作品中，龙以虾、蟹、鸡雏最为精炒，被公认为“三绝”。据说他一直在案头的水盂里蓄养长臂青虾，每日数次进行细心观察或写生，认真研究虾的体态结构和活动规律，对虾的前进后退、急游缓泳、戏斗跳跃等等了然于心；数十年为一日，不断在表现技法上进行实践探索，终于总结出一套能充分发挥生宣纸的特点，恰如其分地掌握用笔、用墨、用水，既表现出虾体透明质感，又表现了须、臂弹性力度的成熟技法。这是画家对生活的热爱与对艺术的热爱高度融合的结晶，也体现了中国民族绘画最优秀的历史传统。
齐白石的代表作——虾
齐白石的虾，画上有重要的三段变法：第一阶段是如实画来，写实，宗法自然，更像写生；第二阶段最重要，不算“零碎”，虾身主体简化为九笔。所谓“零碎”一共是八样：双眼、短须、长须、大钳、前足、腹足、尾，还有一笔深墨勾出的内腔，这种结构便是齐白石的虾所独有的重要风格；第三阶段是画上的墨色不均一，笔先蘸墨，然后用另一支笔在笔肚上注水，把虾的“透明”画了出来，齐白石的虾一下子就活了。
齐白石的虾由生活中的六段成了画纸上的五段，这包含了一个极重要的艺术原理：一定是五段的虾，在比例上在画面上摆出合理，最好看，最美。终于，五段由六段中飞腾了起来。这个飞腾，太重要了，非常伟大，因为五段是艺术的真实，是一种超越，是一种非常，是比真实还美丽的璀璨，这就是齐白石变法的深刻。齐先生一定试验过，六段不成，四段也不成，非五段不成；于是，五段便成了艺术的必然，也衍生了一个有普遍艺术规律的美学原理。
齐白石在绘画艺术上受陈师曾影响甚大，他同时吸取吴昌硕之长。他专长花
鸟，笔酣墨饱，力健有锋。但画虫则一丝不苟，极为精细。他还推崇徐渭，朱耷，石涛，金农。尤工虾蟹、蝉、蝶、鱼、鸟，水墨淋漓，洋溢着自然界生气勃勃的气息。山水构图奇异不落旧蹊，极富创造精神，篆刻独出手眼，书法卓然不群，蔚为大家。齐白石的画，反对不切实际的空想，他经常注意花、鸟、虫、鱼的特点，揣摹它们的精神。他曾说：“为万虫写照，为百鸟张神，要“自己画出自己的面目”。他的题句非常诙谐巧妙，他画的两只小鸡争夺一条小虫，题曰：“他日相呼”。一幅《棉花图》题曰：“花开天下暖，花落天下寒”。《不倒翁图》题“秋扇摇摇两面白，官袍楚楚通身黑”。
齐白石画的虾下笔有神，栩栩如生。可他在开始学习画虾的时候，只会临摹，画的虾一点也不活，都是很呆调的。后来经过自己养虾、观察、写生，几十年如一日，终于把虾画得活灵活现。成为了世界杰出的艺术家
齐白石的海棠双蟹图
《海棠双蟹》图为齐白石作品。画面布局宽闲随意，物体穿插自如，疏密交织独具匠心。姿态生动，变化多端，奇趣横生。白石老人多用斗笔抹写枝叶花草，笔中墨色水份掌握得当，其笔力经数十年锤炼已臻化境，温厚淳朴，气息绵劲，删繁就简，匠心独运。画中突出地位画海棠叶四片，姿态各异。棠叶之间，穿插雁来红一枝，红绿双色交相辉映。本应置于棠叶间的海棠独辟蹊径，从旁而出，顿生几分摇曳之姿。两只螃蟹一正一反，置于画的下方，与左上方的墨笔蜻蜓遥相呼映。尺寸之间的空间布置，物体腾挪，可谓深具匠心，令人叹赏。
齐白石的蛙声十里出山泉：“《蛙声十里出山泉》是齐白石老人的一幅重要作品。仅这幅画的创作就非同一般。它是一个文学家和一个书画家在艺术领域对高层次艺术理论的共同探讨。一次，老舍先生到齐白石先生家做客，他从案头拿起一本书，随手翻到清代诗人查慎行一首诗，有意从诗中选取一句‘蛙声十里出山泉’，想请齐白石先生用画去表现听觉器官感受到的东西。这确实有一定的难度。它涉及到艺术上一个深层话题，亦是一个难题。齐白石了解后，据说经过几天的认真思考。可见白石老人已经领悟这不是一般的课题，而是让他去触及艺术领域中的更深层课题，这是一个严峻的考验。而对这样的考验，白石老人凭借自己几十年的艺术修养，以及对艺术的真知灼见，经过深思熟虑，终于完成了任务，把‘蛙声’这一可闻而不可视的特定现象，通过酣畅的笔墨表现出来。当老舍先
生打开齐白石的画看完之后，高兴得拍案叫绝。只见老人用简略的笔墨在一远山的映衬下，从山涧的乱石中泻出一道急流，六只蝌蚪在急流中摇曳着小尾巴顺流而下，它们不知道已离开了青蛙妈妈，还活泼地戏水玩耍。人们可以从那稚嫩的蝌蚪联想到画外的蛙妈妈，因为失去蝌蚪，它们还在大声鸣叫。虽然画面上不见一只青蛙，都使人隐隐如闻远处的蛙声正和着奔腾的泉水声，演奏出一首悦耳的乐章，连成蛙声一片的效果。白石老人以诗人的素养、画家的天才、文人的气质创造了如此优美的意境，把诗情画意融为一体，准确地表现了诗中的内涵，达到了中国画‘诗中有画、画中有诗’的高境界。”还有一种说法是：画青蛙，只画几只蝌蚪逆水而游动，旁边是山石。据说这是老舍出题，有好多画家参与，最后公认齐白石的最好。为什么呢？原来，欣赏艺术作品（包括文学作品，特别是诗歌），都离不开鉴赏者的生活经验，人们依据作品所寄托的意象，也就是画面的形象，唤起生活积累，展开联想和想像，从中就会感受到一种艺术美，将画面还原成生活现实。具体来说，由画面上那几只蝌蚪，我们想到，蝌蚪是青蛙的卵变成的，自然就想起青蛙；青蛙在交配前，都有一段谈情说爱的日子，他们不停鸣叫，这就是“听取蛙声一片”。所以说，没有青蛙就没有蝌蚪，换句话说，有蝌蚪必定有青蛙。
在中国艺术史上，齐白石是一位从传统走上革新的大艺术家！齐白石早年的画风极不成熟，也无自己的艺术风格与特点，他是一位大器晚成的艺术家，与同时期的黄宾虹一样，他的艺术也是晚乃善！
所以：谈齐白石的艺术，就是指他晚年独创的红花墨叶画风，可以说开宗立派，影响深远。石涛曾经说过一句艺术名言“笔墨当随时代”，艺术的最大特色就是它的时代气息！早年的齐白石生活在清末民国初年，无论是封建社会还是民国社会，都是等级社会，压迫社会，不平等社会，反应到艺术上，就是艺术只反应上层人物的审美需求，所以与普通民众，老百姓的审美趣味相差甚远，因为艺术家没有必要满足老百姓的艺术需求！
齐白石早年也是如此，但真正让齐白石名垂青史的是他衰年变法之后的画风，也就是他晚年的画风，他晚年画风的最大特色就是满足了普通民众的审美需求，这也是时代的需求，因为时代已经到了提倡自由民主的近当代社会，社会地位的平等与自由，让普通民众也成为了艺术的观众，齐白石就是顺应了这一艺术
潮流的伟大艺术家。首先：他扩大了绘画的题材，这是他最大的艺术贡献，他的写意花鸟取材广泛，可以说瓜，果，菜，蔬，花，鸟，虫，鱼，只要是天上飞的，地上跑的，水里游的，老百姓司空见惯，耳熟能详的他都拿来入画，可以说是史无前例的艺术创举，对于古代那些只以松梅兰竹取材的画家而言，齐白石显然更具生活气息，画风热烈，积极，向上，可以说完全是属于人民的艺术。其次：在绘画颜色当中，齐白石添加了红色！红色运用到中国绘画当中那是石破天惊的创举！因为古人，特别是文人推崇黑色，黑色代表高贵与优雅，是文人绘画的基本要素，运墨而五色具，墨的浓淡疏密就是绘画的颜色要素，文人画可以说就是水墨画！文人是反对用色的，而且特别反对用红色，因为红色是老百姓喜爱的颜色，喜庆，但俗气，不入流。
齐白石巧妙的将黑色与红色结合起来。运用红色代表了普通民众的审美要求，使用红色，代表了对于传统的认识与传承。
梵高作品赏析
梵高作品赏析 艺术是人类社会的最高追求，无数的画家和文人穷其一生致力于创作，他们在自由的艺术世界中寻求精神的借慰，在他们的作品中传达他们对社会的期望和未来的憧憬。艺术家是最纯洁最朴实的，他们能在最简陋的破房子中画上一整天，他们能在最单调的风景前思考许久，但他们拥有最宝贵的精神境界，最高尚的心灵。让我们走进梵高，走进他的绘画世界。 梵高的曲折人生 梵高的生平都充斥着一个词“孤独”，梵高小时并没有展现独特的绘画能力，在27岁时梵高正式成为职业画家，但梵高当时的作品并不被当时的买家所接受，梵高的粗犷的线条和颜色没有得到认同，他的一生只卖出过一幅画，还是他的弟弟提奥瞒着他买的。艺术总是伴随着精神的至高追求，而越是困苦越是孤独，精神冲击越大，艺术家所能淋漓精致表现地也越充分。 梵高的一生始终执着于着对亲情，友情，爱情的追求，梵高有过三次恋爱，他爱上了房东的女儿，求婚被拒；他爱上了自己守寡的表姐，没能被接受；他最后无奈地和作为自己绘画模特的妓女在了一起，后因为不和而分离。对于友情，梵高唯一的好友高更，也在与梵高相处了两个月之后，因为性格不和而离去。对于亲情，似乎是上天对梵高最后的眷顾，他的弟弟提奥是唯一真正对他好的人，由于他的作品不能卖出，日常的生活费用都是他的弟弟寄给他的，但这也不断刺激着梵高，他就像是个包袱一样一直挂在他弟弟家里，他悔恨自己的无能与弱小。梵高的一生都是自己一个人，他渴望别人的认可与接受，但是上天都拒绝了他，促成了他心里上的缺陷。但他有唯一的爱好，唯一支撑着他走下去的不会撒谎的追求——绘画，他把自己的一切都放在了自己的画里，他的愤恨他的悲伤与难过。 1890年7月的一天，37岁的梵高悄然走向奥维尔小镇外的一片麦田，从衣袋里掏出一把左轮手枪，笨拙地对准自己的腹部，扣动了扳机。梵高最后已自杀结束了自己的生涯，他不想再给他的弟弟增加负担，也不想再一个人孤独地走下去，只留下了他的艺术他的灵魂，他充满梦想的创作。 梵高的作品风格 梵高是后印象主义的先驱，他的创作理念深深地影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。接触印象派以后造就了梵高独特的画风，他唯一深爱的东
大学美术鉴赏论文
通过学习十几周的美术鉴赏，有了深刻的感受。美术鉴赏不仅仅是一门艺术课程，更是一门与个人的修养有关的素质教育课程。经过将近半个学期的美术鉴赏的学习，我对美术史有了从无到有的了解，至少是或多或少有了些了解。听了半个学期，我觉得山水画最吸引我，非常佩服画家们的才艺。 山水画是中国人所特有的一个文化概念。中国人的山水画不同于外国人的风景画，它不是再现自然景观，而是通过自然景观的表现，赋予自然以文化的内涵和审美的观照。山水画的缘起，使中国画发生了重大变化，形成了以山水为主，山水、人物、花鸟交替发展的格局。山水画虽起步较晚，但较之人物、花鸟却一直成为中国美学的主脉。下面选择了唐寅的《山路松声图》进行赏析。 唐寅，是我国绘画史上杰出的画家、文学家。吴县（今江苏苏州）人。初字伯虎，更字子畏，号桃花庵主等。晚年信佛，有六如居士等别号。数中国历代画家中，唐寅知名度最高，他的名字妇孺皆知，“唐伯虎点秋香”、“三笑”、在民间广为流传。 在《山路松声图》中，唐寅以清劲的细条长线勾皴(中锋湿笔)，随着山势变化，或用长线直皴，或作曲线孤皴，连皴带染。局部用侧锋勾斫，偶尔在皴笔线之间，留几道空白，好像黑中露出白线，更突出山石的硬蛸质感。整个画面线条轻松流畅，似柔实刚，画得非常率意，使山、石充满活力．与古松优美的姿态相映成趣，洋溢出一种飘逸洒脱情致。同时以淡墨渲染，浓墨点苔，明沽清润的墨色，更增加作品秀润雅逸之趣。 在表现技法上，唐寅以畅达自如的笔墨挥写山石树木，笔法上略近杜堇，较南宋画家更为洒脱灵活，与笔法匀细、设色秀艳的风格判然有别。此画以淡墨晕染，浓墨强调，浓淡枯湿，恰到好处，形成了生动的墨韵，令人感到色泽丰富无穷。用笔顿挫转折，遒劲飞舞，巧妙的点出了松声之意境。淡墨晕染，浓墨强调，浓淡枯湿，恰到好处，形成了生动的墨韵，令人感到色泽丰富无穷。 学习美术鉴赏这门课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。
印象派作品赏析
印象派作品赏析 美术鉴赏论文 hpu chang 姓名： 学号： 学院： 专业班级： 授课老师：
在后印象派中，最重要的艺术家是梵高。梵高的画是印象派写实主义的反动。印象派客观地看这个世界，而梵高则不在乎正确地描写。不过他的涂色法多少是由印象派演变来的，他喜欢印象派画家所表现的色光效果。他使用厚涂大笔触．让颜色看来如要爆炸似的，或如漩涡般打转。 梵谷的作品是激烈的个性反映，不安而神经质，对于表现主义和野兽派都有影响。他在自己的作品中，表现出他自己以及他的生活、内心感受。他的作品，不论是静物《向日葵》、人物自画像《割了耳朵的凡高》、室内画《夜间咖啡馆》，还是风景画《星夜空》，都充满了他对生命的热爱，诉诸了他内心强烈的感情，不仅是他的投影、他的分身，有时候甚至于赤裸裸地说明了他自己。凡高给人们留下的最深刻的印象是什么？是他画的《向日葵》。 塞尚曾提出过一个观点：“艺术不是真实的表现客观事物的形貌色彩，而是真实的表现艺术家对客观事物的主观感受。” 那么赏析这幅画之前，我还是查了下梵高的生平经历。在梵高一生中，悲惨、痛苦、混乱和贫困与他如影随形。他从27岁学习绘画，很长时间并没有获得成功，没有人买他的画，甚至没有人欣赏和赞扬他的
画。梵高的艺术道路短暂而辉煌，他27岁学习绘画，37岁去世。在短短的10年中，他从一个默默无闻的人成为一个伟大的、里程碑式的、世界性的画家。然而，梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅，而且价格非常便宜，仅为当时的四百法郎而已。在梵高死后不久，社会上就开始评定他是一流画家。可惜的是，梵高本人却在还未获得正确评价之前，就自己拉下了人生的帷幕。 转折点发生在梵高去世的前一年，即1888年，在这一年的2月，梵高到了法国南方的阿尔，那是一个阳光明媚的地方。梵高一生最重要的艺术作品，都是在生命的最后一年，在阿尔炙烈的阳光下完成的，《向日葵》就是这期间的作品。 向日葵就像太阳，那浓烈的黄色调是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，但同时也似乎寓意着一种苦难，一种深重的苦难。 难怪他可以用短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼，每朵花像燃烧的火焰一般，细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面，整幅画尤如燃遍画布的火焰。 那是有些神经质和悲情色彩的梵高对生命的狂
史上全面齐白石画欣赏(之山水一)
史上最全齐白石画欣赏（之山水一） 2015-02-05 国历书画 国历书画 点上面蓝色小字加关注，宜分享，且看且收藏。 山水手卷设色布本 1897年作乘云注雨立轴设色纸本1922年作 题识：乘云注雨。祥止仁弟从游借山，已越二载暑寒，明日学成还蜀，予以此数十年不画之作，依依赠行，小兄齐璜制于京华。钤印：木人、白石相赠、门人半知己、一息尚存书要读 此《乘云注雨》图为齐白石鲜有的题材。白石舍弃了传统的形象，以简朴的稚拙感把龙刻画出来，线条流畅，笔墨淋漓尽致。画中的上款‘祥止’为齐白石门生，四川书画篆刻家罗祥止。临沈周山水立轴己未（1919年）作雪溪高士图立轴1939年作龙山七子图立轴设色纸本 1874年作款识：龙山七子图。七子者，真吾罗斌，醒吾罗羲，言川王训，子诠谭
道，西木湖栗，茯根陈节暨馀也。甲午季春过访时园，醒吾老兄出纸一幅，属余绘图以纪其事。余亦局中人，不得置之度外。遂于酒後驱使出山灵以为点缀焉。滨生弟璜并识。钤印：齐伯子、名璜别号濒生、求真 《龙山七子图》是研究白石早期山水及诗友交游的重要画作。1894年，齐白石与同乡借湘潭五龙山大杰寺为址成立龙山诗社，被推为首任社长，龙山七子为：齐白石、王仲言、罗真吾、罗醒吾、陈茯根、谭子荃、胡立三。齐白石学诗的老师较多，有诗人胡沁园（27岁拜师）、王湘绮（37岁时拜师）、诗人文学家樊曾祥（40岁时认识），受他们的影响较多。也曾向陈少蕃学《孟子》、《唐诗三百首》与唐宋八家古文。1924年出版有《白石诗草八卷》、《老萍诗草》，逝后又出版《白石诗集》等。他的诗都是白话诗，抒发感想。《龙山七子图》是齐白石诗、画结合最为典范的代表作品。齐白石21岁时得《芥子园画传》，在松油灯下勾影描摹，初悟画理画法，齐白石的山水画集中他的早期创作中，传世作品极为罕见。最初他是根据勾摹的《芥子园画谱》认识传统山水的，后来，受到“清四王”及八大山人的影响，山水多作简笔，用墨水份不多，山石皴擦少，有深远的意境，但显得比较稚拙。齐白石进入八十岁後，年事愈高，基本上不再作山水画。此件为筹建龙山诗社之际的作品，且为画龙山七友题材仅有的一件作品。松林待饮镜心设色纸本（1500万元，2012年
对梵高作品的鉴赏
对梵高的作品赏析 周昇1240109135 我是一个热爱美术的人，但是我从没有深入的理解过印象派的作品， 自从上了美术鉴赏这门课之后。我开始关注美术作品和印象派作品，尤其是梵高的作品我尤为的钟爱，我从他的作品看到生活的美。 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派代表性画家。1853年3月30日生于津德尔特，早期因为表达内心的悲痛，曾割断了自己的耳朵。1890年七月29在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。 早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《拾土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。台湾译名梵谷。 《拾土豆者》在现存的梵高的油画中，这幅是最早期（埃顿时期）的作品。在这以前，虽然也画过数幅习作，但都没有保存下来，因此这就成为他的作品目录中登记的第一张。1881年秋，他从使用调色板的方法开始学习水彩画的画法，时常从埃顿前往海牙，求教于当时的名画家莫夫。信上曾叙述说，在莫夫处画了两张静物油画与两张水彩画。信尾又附言：“两张油画的主题是毛皮制成的小孩帽子，旁边放些土豆及甘蓝。”这一幅画是其中的第二张，他在下一封信上说：“这不能算是杰作。但总比以前所画的完整些，至少我相信有更逼真的感觉。
《塞纳河滨》 在他短暂而绚丽的生命历程里，文森特·梵高是世界上最孤独的人之一。从小就活在妈妈对死去的哥哥的怀念中，或许这就注定了他的性格比别人抑郁和多愁。 文森特·威廉·梵高的一生的艺术之路 早期作品包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。当梵高画它们时已经是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881-1883年间。此前，梵高在博里那日矿区受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里，梵高苦练素描技巧。就在这个时期他的第一幅在他的生命中的著名作品诞生了，《吃土豆的人》。 1885年11月底，梵高决定去安特卫普，在那里的3个月里，他努力的学习绘画并沉醉于其中。在此期间，他了解鲁本斯的绘画，接触到了日本浮世绘，这些都对他此后的绘画历程有很大影响。梵高此时期的作品延续了纽南时期的现实主义风格和深沉的笔触，但他也渐渐使画布变得明亮了些，色彩也丰富了些 1886年2月底，梵高来到“艺术之都”－巴黎。这里浓厚的艺术氛围使凡高兴奋，尤其是印象派绘画使他震惊不小。2年后，梵高渐渐厌烦了巴黎的城市生活。他并不满足于印象派的表现手法和思想理念，而他独特的个性告诉我们，梵高的绘画不属于任何流派。于是梵高带着希望来到法国南部，充满阳光的小城阿尔，迎来了他最辉煌的创作时期。 1888年2月，梵高在朋友推荐下来到法国南部小城－阿尔，并很快爱上了这儿。梵高在阿尔创作了大量的作品，但仍无法卖出以养活自己。《向日葵》《收获景象》《夜间咖啡管- 室外》《夜间咖啡座-室内》等是这一时期的代表作。
美术鉴赏论文
美术鉴赏论文 ———《清明上河图》 摘要：《清明上河图》乃中国十大传世名画之一，它是北宋风俗画作品，该画卷是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，全图可分为三个段落，展开图，首先看到的是汴京郊外的景物。中段主要描绘的是上土桥及大汴河两岸的繁忙景象。后段则描绘了汴京市区的街景。人物大不足3厘米，小者如豆粒，仔细品察，个个形神毕备，毫纤俱现，极富情趣。该画内容丰富，结构严谨，繁而不乱，长而不冗段落分明，在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。写了北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面，描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象。 关键词： 清明上河图》是一幅具有历史价值的风俗长卷。作者张择端通过对清明节日北宁都城汴梁和以虹桥为中心的汴河两岸各阶层人物活动情景的描绘，集中反映了这一历史时期社会生活的一些侧面。《清明上河图》这一不朽杰作，无论从绘画艺术价值或从历史价值而言，皆堪称国之瑰宝。《清明上河图》长525厘米，宽25.5厘米，其中计有人物684个，牲畜96头，房舍122座，轿子8顶，舟船25只，树木124棵。《清明上河图》画卷，北宋风俗画作品。传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最着名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事。该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物
纳入统一而富于变化的画面中，画中人物500多，衣着不同，神情各异，其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。全图分为三个段落。首段，汴京郊野的春光：在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。中段，繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有王家纸马店，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。后段，热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷
作品赏析
第一课 学习人民艺术家——齐白石有感 学习第一课人民艺术家-齐白石后，我学会了很多，齐白石爷爷出生在一个贫苦的家庭。他小时候砍柴，放牛……只读过一年书，但他最后却成为了艺术大师，比起他，我们难道还有不好好学习的理由吗?他那是还要放牛、砍柴。而我们呢?吃来张口，衣来伸手，大多数人都是家里的小皇帝、小公主。齐白石爷爷为什么能成为艺术大师呢?就是因为他刻苦学习，他历经86年去学、去画，才把虾等花鸟鱼虫山水画画的出神入化。86年啊!多漫长呀!86年他一直观察生活，画出生活，而我们哪?我们中的大多数同学都会因为一点小困难解决不了而放弃。我们真应该向齐白石爷爷学习，学习他的精神。以后我一定要向齐白石爷爷一样，刻苦学习，不怕困难，坚持不懈，不向困难低头。 学习人民艺术家——齐白石有感 齐白石（1864.1.1—1957.9.16)原名纯芝，号渭青、兰亭，后改名璜，号濒生，别号白石、白石老人。 齐白石1863年生于湖南湘潭，出生贫苦家农家，幼而好学，读过半年私塾，12岁始学木匠，善雕花。27岁时才正式拜当地文人拜少蕃、胡沁园为师，学习诗文、书画、篆刻。40岁后，五次出远门游历，助长了技艺。60岁在陈师曾的支持下，进行“衰年变法”，闭门专攻写意花鸟，借鉴诸家之长，再结合自己的气质修养，形成自己独特的绘画风格，画风、境界有了质的飞跃。齐白石十分热爱身边的花鸟虫鱼，所以把它们都当作有感情的生命来画。它笔下的这些花鸟鱼虫是他长期观察和写生的结果，因此生动、亲切而又质朴。在众多的花鸟鱼虫作品中，白石老人所画的虾、蟹堪称一绝。白石老人一生作品丰富，不但擅长花鸟，还有大量的山水和人物作品。他不仅是一位画家，还是一位书法家、篆刻家和诗人。书法：气象雄浑、自然纯朴、稚拙而富有情趣。诗文：清新质朴，感情真挚篆刻：布局奇特、雄奇奔放、气势纵横宏大、用刀如笔、下刀肯定、一气呵成。在1953年被国家文化部授予“人民艺术家”的称号。 学习第一课人民艺术家—齐白石后，我学会了很多，齐白石爷爷出生在一个贫苦的家庭。他小时候砍柴，放牛……只读过一年书，但他最后却成为了艺术大师，比起他，我们难道还有不好好学习的理由吗?他那是还要放牛、砍柴。而我们呢？吃来张口，衣来伸手，大多数人都是家里的小皇帝、小公主。齐白石爷爷为什么能成为艺术大师呢？就是因为他刻苦学习，他历经86年去学、去画，才把虾等花鸟鱼虫山水画画的出神入化。86年啊！多漫长呀！86年他一直观察生活，画出生活，而我们哪？我们中的大多数同学都会因为一点小困难解决不了而放弃。我们真应该向齐白石爷爷学习，学习他的精神。以后我一定要向齐白石爷爷一样，刻苦学习，不怕困难，坚持不懈，不向困难低头。 画家齐白石的作品《蛙声十里出山泉》观后感当我欣赏完《蛙声十里出山泉》这幅画以后，我感到这幅画线条简练、质朴，笔墨纵横雄健，色彩鲜明热烈，创造出清新明丽、开朗豪放的意境。他的画充满课幻想和质朴的感情，带有浓郁的乡土气息，使人一见就很喜欢。 画面上虽然没有青蛙的身影，但是却可以引发人们无限的遐想，可以看出齐白石老人的想象力特别丰富。 看完这幅画我知道了，要想画出好的作品，就要有丰富的想象力，要想培养
梵高美术鉴赏论文
梵高——一个纯粹的自我 班级：金融1404 姓名：蒋雯学号:2120141051无论是初中还是高中，美术课上总会有一个画家的名字频频出现，他就是梵高。一开始看他的画作，我感受到的是常人无法理解的癫狂，色彩明艳，表情夸张，尤其是那金灿灿的向日葵，似乎就像一个个闪耀的小太阳，硬是要把光亮深深刺进你的胸膛。但慢慢的我发现即便看过许多名家作品，梵高依然是心头最爱。不，应该是：越是对比，越是觉得梵高可贵，越是爱。 不可否认的，梵高是一个天才，是一个有一颗“金子般的心”的人，他的画将情感和美感融入，偏偏特别动情，偏偏特别美。一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就，要看他对后人的启发。 梵高在1880年决定开始正式画画，那时候他27岁，他搬去乡下跟他的父母住。作为一个没有工作的单身狗，被爸妈嫌弃是必然的。那时候的梵高，虽然在画画，但是日子过的很压抑，这可以从当时给弟弟提奥的信里看出，他自嘲自己过的连条狗都不如。当时的作品普遍比较灰暗，颜色比较单一。 但是在这样的情况下，他画出了《吃土豆的人》。准确地说，这幅画是1885年画的，但在那之前，画家已经开始构思练习了。吃土豆的人为什么是名作？蒋勋说，梵高当年画矿工画农民，是一种救赎，他想救赎自己，而他拿起画笔的时候是在画他无法救赎的人。而我最感动的是，梵高在自己被人嫌弃无法救赎的时候，居然还有怜悯之心去同情他人。吃土豆的人里，柔和的灯光，昏暗的房间，“我想传达的观点是，借着一个油灯的光线，吃马铃薯的人用他们同一双在土地上工作的手从盘子里抓起马铃薯——他们诚实地自食其力”。 梵高在1886年去巴黎，可以说，这家伙终于踏上了艺术这条不归路。当时是个什么情况呢？莫奈，马奈，毕沙罗，罗丹等等艺术家在巴黎正以“先锋艺术”的形象大展头脚。梵高就像一个小粉丝一样，怀着一颗惴惴不安的心，住进巴黎
大学选修课美术鉴赏文关于梵高
美术鉴赏论文 学院 年纪 姓名 如果要插入图片，请自己对号插入图片（网上找图片）
摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。 关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏 一、对绘画的鉴赏 绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。 荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。 梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。 梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。 他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。 提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这似乎暗示
美术鉴赏论文
我最喜爱的画家——毕加索 在艺术的长河中，闪耀着一颗又一颗耀眼的明星，这些耀眼的明星们带给我们的有感动，有愤恨，有思考，有进步。我们从艺术中汲取养分，从艺术中得到灵感。画家无疑是艺术家群体之中重要的一族，他们用线条和色彩绘出了一个奇妙的世界，在这个世界中，我们可以找到自由翱翔的思想，也可以找到现实的影子，既可以找到对美好生活的憧憬，也可以找到阴暗生活的反映。在这个庞大的群体中，有一个独特的人，他个性、大胆、勇于创新，我们简直很难用一个或几个词汇去描述他，因为他太复杂。 第一次知道毕加索，不知道是什么时候了。但是真正开始认识他，则是在中学的美术课上。《格尔尼卡》是我接触到的第一幅毕氏画作。他用一种如此大胆如此不可思议的手法描述的现实，让我感到震撼。在画中蕴含着丰富的象征性，这种表现方式让我觉得和我见过的一些名画家的画作有极大的不同。 毕加索，1881年出生于西班牙，是立体派创始人，世界最具影响力的现代派画家，西方现代派绘画的主要代表，20世纪最伟大的艺术天才，人们称他为“人类艺术史上罕见的天才”。他的画画法和风格多变，在世界艺术史上占据不朽的地位，在他九十三年的漫长生涯中艺术几乎贯穿始终，他的作品不仅数量惊人,而且风格极其丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。 也许是因为早年家境不佳，致使毕加索形成了敏感的性格，他早
期的作品风格也充满了忧郁的气息。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，创作了许多以宗教为主题的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。而毕加索十四岁那年与父母移民巴塞罗那后的所见所闻以及迁至巴黎既落魄又贫穷，居住在洗衣坊的生活经历更深深加重了他那个时期作品中的忧郁气息。 1906年毕加索结识了马蒂斯等多位好友，并且此时他的经济状况也已渐渐好转，生活比以前愉快。也正是在此时，爱情也在不知不觉中悄然来到，软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，因此他这一时期的画作用色由忧郁愤懑的蓝色变为轻快甜蜜的粉红，其中大多色彩丰富，充满了淡淡的喜悦与生气, 绘画对象亦由蓝色时期的乞丐、瘦弱小孩和悲戚妇女转向街头艺人、杂耍艺人及风华正茂的女孩，透露出毕加索对人生百态的兴趣、关注及信心。之后毕加索又从德兰的非洲面具中得到启发，由此进入了他艺术生涯的非洲时期。这个时期，他笔下的人物体健硕而深沉，揭示了毕加索的立体主义时期的来临。在这一时期，毕加索与他的朋友布拉克一起创作出第一批拼贴画。1914年，战争使立体主义画家分道扬镳，各奔前程。毕加索重拾自由与个人在色彩上的品味，还有那旺盛的精力。无论从风格与绘画的对象上，他的“立体印象派”创作变得更加自由。纵观他的所有作品，他并未把自己局限于立体主义，而是继续从各方面探索。例如，1915至1916年的作品是自然主义的；1917年的却是现实主义。 第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西
美术鉴赏论文关于梵高
美术鉴赏论文 摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。 关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏 一、对绘画的鉴赏 绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。 荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。 梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。 梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。 他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。 提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老
美术鉴赏论文作业——清明上河图[1]
美术鉴赏——《清明上河图》 宋代在我国古代历史上是一个给人以比较软弱之感，但它的经济文化却是一片繁荣。经济的繁荣促进了文化相比于前朝有了更大的发展，而这一时期的画坛出现了一代佳作，那就是《清明上河图》。张择端的《清明上河图》是典型的风俗画，因而饱含风俗画反映城乡生活、思想、感情与审美时尚的特点，把视野从描绘贵族仙佛的领域扩大到城乡生活的广阔天地中，并在深入观察了解对象的基础上进行生动具体的刻画，把宋代风俗画的发展推向了一个新的高度。 《清明上河图》全卷以全景式构图，以严谨精细的笔法，展现了清明时节北宋都城汴河沿岸的风光。画卷分为三段：首段为市郊风景，田野、树木、村落等点出了清明的特定时节，中断是以虹桥为中心的汴河及其两岸船车，手工业和商贸活动，后段位市区街景，接到纵横交错，人流汹涌，车水马龙，一派繁荣景象. 首段，汴京郊野的春光在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树和扁舟。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。中段，繁忙的汴河码头,汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从
画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有“王家纸马店”，是卖扫墓祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。后段，热闹的市区街道,以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘坐轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无
齐白石的作品赏析
齐白石的作品赏析 2010-12-29 21:26 提问者：qi諞|浏览次数：3794次 快点啊、、、我们的作业、明天就交了！！！ 2011-1-4 10:59 最佳答案 齐白石是各方面造诣都很高的现代绘画大师。 他的人品，绘画，诗句，书法，篆刻，无不出类萃。他的艺术创作极其丰富。他的风格对现代乃至当代中国画创作产生了极为巨大的影响。 齐白石(1863~1957)，现代杰出画家，书法家，篆刻家。原名齐璜、纯芝，字渭青，号白石、濒生、阿芝、借山吟馆主者、寄萍老人等。湖南湘潭人。12岁学粗木工，后做雕花木匠，兼习画。亦习诗文，书法、篆刻，初为画工，为乡里人画衣冠像。齐先生在画虾上有重要的三段变法：第一阶段是如实画来，写实，宗法自然，更像写生；第二阶段最重要，不算“零碎”，虾身主体简化为九笔。所谓“零碎”一共是八样：双眼、短须、长须、大钳、前足、腹足、尾，还有一笔深墨勾出的内腔，这种结构便是齐白石的虾所独有的重要风格；第三阶段是画上的墨色不均一，笔先蘸墨，然后用另一支笔在笔肚上注水，把虾的“透明”画了出来，虾一下子就活了。齐白石的虾由生活中的六段成了画纸上的五段，这包含了一个极重要的艺术原理：一定是五段的虾，在比例上在画面上摆出合理，最好看，最美。终于，五段由六段中飞腾了起来。这个飞腾，太重要了，非常伟大，因为五段是艺术的真实，是一种超越，是一种非常，是比真实还美丽的璀璨，这就是齐白石变法的深刻。齐先生一定试验过，六段不成，四段也不成，非五段不成；于是，五段便成了艺术的必然，也衍生了一个有普遍艺术规律的美学原理。齐白石在绘画艺术上受陈师曾影响甚大，他同时吸取吴昌硕之长。他专长花鸟，笔酣墨饱，力健有锋。但画虫则一丝不苟，极为精细。他还推崇徐渭，朱耷，石涛，金农。尤工虾蟹、蝉、蝶、鱼、鸟，水墨淋漓，洋溢着自然界生气勃勃的气息。山水构图奇异不落旧蹊，极富创造精神，篆刻独出手眼，书法卓然不群，蔚为大家。齐白石的画，反对不切实际的空想，他经常注意花、鸟、虫、鱼的特点，揣摹它们的精神。他曾说：“为万虫写照，为百鸟张神，要“自己画出自己的面目”。他的题句非常诙谐巧妙，他画的两只小鸡争夺一条小虫，题曰：“他日相呼”。一幅《棉花图》题曰：“花开天下暖，花落天下寒”。《不倒翁图》题“秋扇摇摇两面白，官袍楚楚通身黑”。齐白石画的虾下笔有神，栩栩如生。可他在开始学习画虾的时候，只会临摹，画的虾一点也不活，都是很呆调的。后来经过自己养虾、观察、写生，几十年如一日，终于把虾画得活灵活现。成为了世界杰出的艺术家。齐白石60岁后定居北京，以卖画、刻印为职业。生平推崇徐渭、朱耷、石涛、吴昌硕等前辈诸家，重视创新，不断变化，创造了独特不群的风貌。所画作品，都洋溢着对生活的热爱。其篆刻朴茂有力，书法刚劲沉着，诗文、画论也有独到之处。任中国文学艺术界联合会主席团委员，美术家协会主席。1953年中央文化部授予“人民艺术家”称号。齐白石主张艺术“妙在似与不似之间”；衰年变法，绘画师法徐渭、朱耷、石涛、吴昌硕等，形成独特的大写意国画风格，开红花墨
中国美术鉴赏结课论文
中国美术鉴赏结课论文人之所以不同于其他生物，其很大一部分原因就是人能思考，思考能带给我们科技，而更重要的，思考也带给了我们艺术，艺术赋予了我们生活魅力，抒发了我们心中的情感，传递了我们心中的思想。而艺术有很多种，看到的图画，听到的音乐，读到的文字，等等，而眼看，实际上是了解万物最基本，最直接的方法。作为一名大学生，不得不说我对艺术的了解实在是太贫乏了，所以选课之初，趁着这个机会，选了这门中国美术鉴赏，希望我对艺术能有体会了解。 中国美术的确很特别，其表现主要在于线条，在于布局，在于意境，这恐怕是其他所偶国家所不能比的，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这也是我们中国古代绘画的精髓所在！ 从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！
例如，甘肃出土的魏晋墓室彩绘砖上，《出行图》《屠牛图》都具有一定的意义，都能表达出了墓室画家的一种精神志向。在《屠牛图》图中，牛眼和人的衣服都是红色的，这浓墨重彩的一笔把整幅图点染得意趣盎然、活泼生动。除此之外，这幅图更是表现出了民生疾苦。因为在古代是不允许随便杀牛的，而图中的人杀的恰恰又是一只瘦骨幼牛，可见当时生存环境的艰苦，充分表现出了笔者对当时社会的不满，表达一种心中的怨恨之情。而在《出行图》中，更是显而易见的，笔者讽刺了官僚主义，他呼吁劳动人民觉醒。 又如在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，吐蕃势力强势，唐太宗会见松赞干布的场景被阎立本用画笔记录了下来，在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺。 还如，在阎立本的《古帝王图》中，将晋武帝司马炎的性格特点表现得淋漓尽致，肥硕的身躯，凶险耿直的眼神，充满杀气的目光，张牙舞爪的造型，都让我们跟恶人的形象联系在一起。众所周知，在历史上，晋武帝司马炎是一个出名的伪君子，尤其是晚年的司马炎，颓废无比，不理朝政，沉于女色，使朝政紊乱，庸臣当道，种下“八王之乱”祸根。而阎立本的这一幅画，精妙绝伦地刻画出晋武帝司马炎的形象，起到了讽刺的效果。 其实，个人认为，我觉得中国美术是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括
赏析梵高星空
梵高《星空》赏析 整个画面呈现出一种海一样的蔚兰色，色调柔和宁静。但所画的星空和星空之下的人间却让人激情澎拜。也许是夏夜也许是秋夜，总之夜空的星星不再沉寂，却在涌流奔腾旋转。而人间呢，却显得出奇的静。村庄非常小，匍匐着，几乎要在视野里消失，而教堂的尖顶却非常高，直指天庭。画面一侧的树扭动着，扶摇直上，直插星空。凡高把整个天宇画成动态的，显得激情洋溢，热血沸腾。1889年，梵高的疯病又一次发作。在与高更的一次激烈争吵之后，他割下自己一只耳朵，并用手帕包着送给一个妓女。此后，他被送入了圣雷米的疯人院。他在那儿共呆了一年零八天。其间，他仍然勤奋作画，完成了一百五十多幅油画和一百多幅素描。他此时的绘画，已完全地趋于表现主义。在他的画上，那些象海浪及火焰一样翻腾起伏的图像，充满忧郁的精神和悲剧性幻觉。油画《星夜》便是他该时期的代表作。 梵高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图像中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突,从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。《星空》中呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，二是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木像一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。 此画有一种儿童画的特征，这幅画的基调以蓝、黑为主。凸显出画内的压抑、冷调，夜幕笼罩下的小村庄虽然一副静谧的模样，但天空中呈现的漩涡状气流让人有一种沉默即将爆发前的那种压抑与可怕的寂静。画面的星空。画家运用大量的明黄色来凸显星星，就好似那梦想近在眼前，却又遥不可及。再次，这幅画的天空呈旋涡状，貌似有很多气流，再加上图画颜色的基调，就给人一种扭曲痛苦、冷漠的感觉，就好像得伤寒病病人的脸。此画虽然表达了画家长期压抑扭曲的心理，但是明黄色的大片繁星也正是衬托出画家心里的那一点希冀与梦想，明明灭灭，现实与梦想的冲突在这幅画中能够得到很好的表现。既有希望，又有绝望。还是那句话，远方星空中明亮美丽的繁星，看似很近，最终却遥不可及。 有人说：梵高的宇宙，可以在《星夜》中永恒。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是像火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就像艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上
2019齐白石《蛙声十里出山泉》赏析
（一）作品创作背景： 《蛙声十里出山泉》创作于1951年，是齐白石老人91岁时为我国着名文学家老舍画的一张水墨画。纵129厘米，横34厘米。老舍与齐白石是一对好朋友。有一次，老舍先生到齐白石先生家做客。他从案头拿起一本书，随手翻到清代诗人查慎行的一首诗，有意从诗中选取了一句“蛙声十里出山泉”，然后想请齐白石先生根据这句诗作幅画，用画去表现诗中听觉器官感受到的东西。齐白石先生欣然接受，但这确实有一定的难度，它涉及到艺术上一个深层话题。（据说齐白石先生经过了几天的认真思考）。最终，齐白石老人凭借自己几十年的艺术修养，以及对艺术的真知灼见，经过深思熟虑，终于完成了任务，创作出了这幅着名的《蛙声十里出山泉》。齐白石把‘蛙声’这一可闻而不可视的特定现象，通过酣畅的笔墨表现出来。 （二）作品内容介绍：简略的笔墨在一远山的映衬下，从山涧的乱石中泻出一道急流，未画青蛙，只画几只蝌蚪在逆水游动，旁边是山石。六只蝌蚪在急流中摇曳着小尾巴顺流而下，它们不知道已离开了青蛙妈妈，还活泼地戏水玩耍。人们可以从那稚嫩的蝌蚪联想到画外的蛙妈妈，因为失去蝌蚪，它们也在大声鸣叫。虽然画面上不见一只青蛙，都使人隐隐如闻远处的蛙声正和着奔腾的泉水声，演奏出一首悦耳的乐章，连成蛙声一片的效果。白石老人以诗人的素养、画家的天才、文人的气质创造了如此优美的意境，把诗情画意融为一体，准确地表现了诗中的内涵，达到了中国画‘诗中有画、画中有诗’的高境界。”这正切合了“蛙声十里出山泉”这句诗的意境。 （三）作品特点： 1、以形写神 齐白石先生在创作这幅画时，并非仅仅将对象的外形在画面上进行惟妙惟肖的再现，而是紧紧的抓住对象的性格，把它反映出来。画面中山川、河流、蝌蚪无不生动鲜活。而齐白石先生着重的是通过画面本身的生动，让观者体会到无法听到的水声及蛙声。显然齐白石先生是经过了深入的、准确的分析，所以对于所画的对象就能够非常熟悉，充分地体会和掌握对象的特殊本质及其特征，作画的时候，把自己的思想感情，融入到表现的对象中去，迁想妙得，提笔一挥，才能够把对象的