云田画论 北派山水鼻祖——荆浩的山水精神

云田画论北派山水鼻祖——荆浩的山水精神

北派山水鼻祖——荆浩的山水精神夏绍毅荆浩《匡庐图》【摘要】：荆浩是我国唐末至五代时期著名的山水画家和理论家，不仅创造了笔墨并重的北派山水画，被后世尊为北方山水画派之祖。荆浩十分重视在山水画创作中对“真”的思考和运用。在《笔法记》中提出了“六要”、“图真”、“四品”、“二病”等理论要点，是古代山水画理论中的经典之作，比更早时期南齐谢赫的“六法论”有所发展，具有更高的理论价值。荆浩通过对太行山博大雄浑气质特点的领悟,创作出许多类似《匡庐图》这样的大山大水，从而开辟出全景式构图和写真式技法，实现了与《笔法记》所推崇的“真”在理论及创作实践上的统一。荆浩开创的写实绘画风格对北方山水画派的形成和发展，起到重要的引领作用。本文试从荆浩的所处的历史背景以及个人的传奇人生出发，结合其《笔法记》的理论著作，进一步走进他的山水世界，感受他特立独行的山水精神。关键词：荆浩；北派山水；笔法记；山水精神；一、荆浩所处的历史背景——大唐盛世崩盘。荆浩生于唐朝末年，大约卒于五代后唐（923－936）年间，五代十国是中国历史上最混乱的时期之一。中国王朝史上有两次盛世崩盘，一次是强汉，一次是大唐。强汉之后，中国分化为三国两晋十六国，东晋至隋朝这一段，又叫南北朝，中间虽有

短暂的西晋统一，但整整三个半世纪小朝廷纷呈，战乱频繁。但却给予了民族精神的自生自长机遇，这个时候老庄思想成为士人寄托的精神家园。从南北朝到唐朝，中国出现了一种有趣的现象，诗人们汇聚于权力谱系的核心，思想家们则不在朝廷，不居皇城，而是自我放逐于山林，致力于将佛教思想本土化，与老庄融合，建构了一套独立于权力话语体系之外的纯粹的人生哲学。高山流水下，茂林修竹旁，呈现了一道特有的隐士风景。这是中国文化成长过程中最具独立精神的一道风景，一个幽默机辩的出世哲学，打造出一个“老庄”美学样式，在体制化外，重构士人精神。王朝的江山可以倒，但士人安身立命的精神江山不能倒，他们开始了自觉行动。第二次崩盘正是盛唐之后的五代十国，在对王朝举行了淡淡的默哀之后，绘画艺术便以个体行为的方式，接踵文学和思想的山水路径，再一次开始了进山运动，并且以独立自由的身份，在山水画里建构士人的山水精神。这一行为，是从北方山水画始创者荆浩开始的。二、荆浩的传奇人生——退隐不仕，躬耕自给。荆浩早年“业儒，博通经史，善属文”，学识渊博。少年时的荆浩常来济源的阳台宫游玩，阳台宫是唐开元道教宗师司马承桢于济源王屋山创建。济源的风物景观多有名人足迹，白居易有诗云：“济源山水好，老尹知之久。……孔山刀剑立，沁水龙蛇走；危磴上悬泉，澄碧转枋口。”唐乾符元年（874）前后，荆浩由家乡来到开封，得到

同乡裴休的关照，曾为唐末小官。裴休任宰相五年，唐大中十年（856）罢官，在开封遇到高僧圆绍，二人志同道合，圆绍就命他居住在开封夷门仓垣水南寺。后圆绍名声日显，又扩建成横跨夷门山的巨院，由唐僖宗亲自题赐院额曰“双林院”。荆浩曾为双林院这一重要禅院绘制壁画，足见他当时的画名。“尝于京师双林院画宝陀落伽山观自在菩萨一壁”（《五代名画补遗》），但此画未能传留，根据他后来在水墨山水画上的创造精神，可以断定，那是一幅人物与山水结合的水墨画。受司马承桢影响，在晚年所著《笔法记》中，荆浩将其与王维、张璪并列，赞曰：“白云尊师气象幽妙，俱得其元，动用逸常，深不可测。”荆浩还曾创作表现王屋山主峰的《天台图》，这些都与他早期生活经历有关。荆浩《松壑会琴图》轴荆浩除了山水画得到世人的认可外还兼擅人物，《宣和画谱》也记载他曾画有人物繁多的《山阴宴兰亭图》三幅、《楚襄王遇神女图》四幅。清代李佐贤《书画鉴影》著录了荆浩的《钟离访道图》：“山林墨笔，人物着色，兼工带写。”并记述画中钟离作举手问讯状，将士伫立状，对岸真人傍虎而行及童子回顾指示状等，描绘得十分生动。在五代后梁时期，因政局多变，荆浩退隐不仕，开始了“隐于太行山之洪谷”的自耕自足生涯，并且自号洪谷子。洪谷位于开封之北二百里左右的林县，林县唐时名林虑县，太行山脉于县西绵亘一百八十里，总称林虑山，由北向南依次叫

黄华、天平、玉泉、洪谷、栖霞等山。山势雄伟壮丽，幽深奇瑰，历代多有隐逸者。北宋山水大家郭熙在《林泉高致》中指出：“太行枕华夏，而面目者林虑。”认为林虑乃太行山脉最美之处。荆浩在这样幽美的环境中，躬耕自给，常画松树山水。他与外界交往甚少，但同邺都青莲寺却有较多联系，至少两次为该寺作画。邺都在今河北省临漳县北，位于林县之东，三国时为曹魏都城。当时邺都青莲寺沙门（住持和尚）大愚，曾乞画于荆浩，寄诗以达其意。诗曰：“六幅故牢建，知君恣笔踪。不求千涧水，止要两株松。树下留盘石，天边纵远峰。近岩幽湿处，惟藉墨烟浓。”可知他请荆浩画的是一幅松石图，以屹立于悬崖上的双松为主体，近处是水墨渲染的云烟，远处则群峰起伏。不久荆浩果然画成赠大愚，并写了一首答诗：“恣意纵横扫，峰峦次第成。笔尖寒树瘦，墨淡野云轻。岩石喷泉窄，山根到水平。禅房时一展，兼称苦空情。”显然对自己这幅水墨淋漓的作品相当满意，同时也反映出他退隐后的心境——“苦空情”。苦空为佛家语，认为世俗间一切皆苦皆空，这正是他厌恶乱世的情怀。从两人相互赠答诗中，可以看出他们不同寻常的关系。大愚说：“六幅故牢建，知君恣笔踪。”显然讲的是另一件事。“六幅”可解释为六张画，也可释为一张篇幅很大的画。按汉制，布帛广二尺二寸为幅，六幅就有一丈三尺二寸宽，也许是一件屏幛画。“故牢建”是说依然坚固地收藏着，保存完好。建，

通“键”，锁藏。正因大愚以往曾得到过荆浩之画，所以才能说“知君”如何如何，且可以推断那六幅画作已是几年前的事了。三、剖析《笔法记》蕴含的山水精神。1、“图真”论蕴含的山水精神。“图真”是荆浩《笔法记》中的核心观点，所谓“真”，就是物象的本质特征。他说：“画者，画也，度物象而取其真。”这就是说，事物的美是客观存在，画家只有通过“度”，即深入体察、品味，才能得到其真。如果不理解这一要求，那只能得“似”——“得其形，遗其气”。而“真”则是“气质俱盛”。“真”和“似”作为两个对立的概念提出，可以看出，“似”相当于徒具形骸而无神气，“真”相当于形神兼备，气韵生动。具体到山水画，他认为“山水之象，气势相生”。画家不仅要表现出峰、峦、岭等不同地貌特征，而且要把山水作为广大空间中互有联系的统一整体来描绘，即所谓：“其上峰峦虽异，其下岗岭相连，掩映林果，依稀远近。”荆浩把前人在人物画领域的理论成果“传神”、“气韵生动”引申到了山水画领域，发展为“图真”学说。荆浩隐居后，由儒而入道的思想转化是必然的。他对“真”的理解也不可避免地打上老庄的烙印。《庄子·渔父篇》说：“真者，精诚之至也。”又说：“真者，所以受于天也，自然不可易也，故圣人法天贵真，不拘于俗。”因而“真”与真诚、纯真、天真、精神、本质等有着内在联系。荆浩由此引发出“气质俱盛”，并第一次把“真”与“似”明确区别开

来。荆浩《西山归棹图轴》弗利尔美术馆，伪，清人画从“图真”的要求出发，他借老叟之口，反复用“真”来衡量创作得失。比如在“六要”中谈到“景”，解释为“制度时因，搜妙创真”；在“四品”中谈到“奇”，解释为“荡迹不测，与真景或乖异”；在评论前代画家时，评张璪树石“真思卓然”，王维“巧写象成，亦动真思”，项容“放逸不失真元气象”；最后又说“愿子勤之，可忘笔墨而有真景”。这当中提到的真景、真思、真元、创真，显然包含了外师造化、中得心源两个方面的要素。真景——大自然的形与神，气与质；真思、真元——画家内心的真情实感，主观精神。有了主客观的结合，才谈得上创真——创造出形神兼备、气质俱盛、情景交融的艺术境界。荆浩《雪景山水图》（美）堪萨斯市纳尔逊艾京斯艺术博物馆藏2、“六要”论蕴含的山水精神。荆浩提出“六要”是气、韵、思、景、笔、墨，显然是谢赫“六法”论的继承和发展。“六法”产生于人物画兴旺的时代，“六要”则因山水画的兴起应运而生。两者作一简单比较，“气韵”被分解为“气”和“韵”；“思”大体相当于“经营位置”；“景”大体相当于“应物象形”和“随类赋彩”；“笔”是“骨法用笔”的发展。值得注意的是增加了“墨”，这是唐末五代水墨山水画日益兴起而导致的新的理论概括，也是《笔法记》中最体现时代性的见解。荆浩第一个提出“松之气韵”，“山水之象，气势相生”。而且在评论山水画家时，

把有无气韵作为首要标准，比如说张璪“气韵俱盛”，说王维“气韵高清”。荆浩运用“气韵”概念有两种含义。一种是指画面笔墨如何表现气韵，另一种是指整个画面形象的气韵。“六要”中对气、韵分别阐述正是前一含义。“气者，心随笔运，取象不惑”，意即画家以自己的心灵来统帅用笔，达到认识与表现的主客观统一，得心应手而不迷惑犹豫。笔之所到，即心之所运，也即气之所生。这很有些类似于张彦远赞美吴道子时所说“守其神，专其一，合造化之工，假吴生之笔。向所谓意存笔先，画尽意在也”，又所谓“不滞于手，不凝于心”。总之，气势贯通，一气呵成。至于“韵”，荆浩解释为“隐迹立形，备仪不俗”。直译为隐去笔墨痕迹而能显现物态，格调不同凡俗。意思是说，笔墨为塑造形象而存在，笔墨美不游离于形象之外，才会产生韵味。荆浩认为，画家只有在专一忘我的创作心态下，以笔取气，以墨取韵，方是最佳选择。这一观点对后世有着深远影响。所谓笔刚主气，墨柔主韵，笔墨气韵等说法，其实皆源于荆浩。荆浩（传）山水中堂对画面山水树石气韵的要求，荆浩指出首要的是“明物象之源”，比如树木的生长由“性”所决定，松树的气韵应是“如君子之德风”；而柏树则是“动而多屈，繁而不华，捧节有章，文转随日”。山水的气韵主要是取“气势相生，掩映林泉，依稀远近”。综合来看，他所说的画面山水树石气韵一要符合自然本性，二要体现审美属性，且和

画家的审美理想、道德观念相联系。其中最值得注意的是他对自然山水从整体气势上把握，从各种空间境象的关联上把握，表现出对大自然中和谐、变化乃至朦胧美的向往。“思”和“景”也是由山水画的特殊审美要求而产生的。两者都讲山水画创作构思过程的要点，它包含三个方面：第一，要对大自然中纷杂的现象进行筛选，分清主次，取舍概括，即所谓“删拔大要”；第二，要聚精会神地依附于具体形象来发挥想象、联想，即所谓“凝想形物”；第三，要根据自然景物不同时间、地点的变换，搜寻其妙处，创造出“真”的艺术形象，即所谓“制度时因，搜妙创真”。董其昌《仿荆浩山水》高清（1621年）“笔”和“墨”是中国画造型的特殊艺术语言，荆浩将两者做了严格界定，并且第一个提出将“墨”作为独立范畴来加以讨论。他强调用笔既要遵循传统法则，又要加以变化，使之富于运动感，这就是他所说的“虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动”。进而他又提出“笔势论”——筋、肉、骨、气四势。筋，指笔断意连，意到笔不到；肉，指用笔圆浑丰满；骨，指用笔遒劲有力；气，指用笔气韵贯通。这些见解，与唐人论书法笔势一脉相承而又有区别，这与水墨山水画中运笔的变化、皴法的产生等新情况是分不开的。荆浩把“墨”放到与“笔”同样重要的位置，标志着水墨山水画已达到相当水平，新的审美观念已经诞生。他自豪地宣称：“随类赋彩，自古有能；如水晕墨章，

兴我唐代。”他具体解释墨是“高低晕淡，品物浅深，文采自然，似非因笔”。即要求用墨的浓淡变化来表现物象的阴阳起伏与不同色调，去掉巧饰，提倡自然，取得用笔所无法收到的艺术效果。正是从有笔有墨的角度出发，他对前人已有定评的名家敢于翻案。被尊为“画圣”的吴道子，他批评为“笔胜于象，亦恨无墨”；被尊为“国朝山水第一”的李思训，他批评为“虽巧而华，大亏墨彩”；被前人不大看重的张璪，他却盛赞其为：“气韵俱盛，笔墨积微；真思卓然，不贵五彩；旷古及今，未之有也。”对于王维，他则赞为“笔墨宛丽，气韵高清”，开了后世推崇王维的先河。由此可见，荆浩是一位具有独立思考意识的山水大家，不会人云亦云，他这种独立特行的山水精神一直影响到后世的许多大家，如关仝、董巨、元四家、吴门四家以及近代的黄宾虹等人。3、“四品”、“二病”论所蕴含的山水精神。前人品评绘画作品的成败优劣，虽分等级而无具体解释。荆浩则不然，他对划分“神、妙、奇、巧”四品，都作了界定。神品，大体为作画若不经意，毫不做作，而能得心应手，自然天成。这有些类似于唐人所说的“逸”品。妙品，意指作画前精心构思，悟想万物性情，达到符合其仪容特性，而且富于笔墨之妙。这又似乎涵括了唐人“神、妙”两品。对于奇、巧二品，荆浩持批评态度。前者只重用笔变化而忽视对象的本质特征，违背物理；后者只从小技巧着眼，矫揉做作，华而不实，这

是他最反感的。荆浩《雪景山水图》四品之说，意犹未尽，他进而论述山水画失败的两种病因——无形病和有形病。有形病指形象的比例不当等形似方面的毛病，无形病则是画面整体性的神似气韵方面的毛病。他认为最可怕的是无形病，不可删修，类同死物。画病之说自荆浩首先提出，后代多有仿效者，如宋人郭若虚有“三病”说、韩拙有“俗病”说，元人饶自然有“绘宗十二忌”，明人李开先有“四病”说，清人邹一桂有“忌六气”、沈宗骞有“五俗”说、盛大士有“七忌”说等等，可见其影响深远。通过对《笔法记》的简单剖析，可以看出，荆浩不仅是一位卓越的水墨山水画家，而且是一位杰出的山水画理论家。《笔法记》所蕴含的山水精神既是他创作经验和审美理论的体现，也是我国水墨山水画早期阶段的理论体现和总结，在中国绘画美学史上具有极为重要的价值。荆浩《渔乐图》卷美国大都会艺术博物馆藏四、结语。六朝以来，山水画都是青绿设色，勾线填彩。从盛唐、中唐开始出现水墨山水画，属于开创者行列的有张璪、王维、王洽等人，然整个社会尚未形成风气。到五代，水墨山水画日益成熟，经荆浩进一步发展，上升为理论性的“有笔有墨”，并对水分运用也更加讲究。用笔与水墨相结合，更有助于表现大自然变化万千的气象，在绘画审美观上是一种拓展，在技法上也显然有助于消除那种刻板的笔迹。荆浩开创的大山大水的绘画风格对北方山水画派的形成和

发展，起到重要的引领作用。

《笔法记》

《笔法记》 《笔法记》，是山水画理论上的一篇重要文献。五代荆 浩撰述。 荆浩是五代后梁时期的著名画家和画论家。他不仅在绘画创作上卓有成就，而且在绘画理论及美学方面也颇有建树。他写的《笔法记》虽然字数不多，但在中国美学史上却是一篇极有价值的理论文献，值得我们从理论上进行深入研究。 围绕着艺术创作问题，荆浩建立了一个以"真"（气）为 核心的绘画美学体系（"六要"）。对艺术本源形而上的关切（例如关于气），始终贯穿于荆浩美学思想的内在逻辑之中，并 构成了他的整个体系的基础。绘画艺术的本质和目的就在于，创造出符合自然之真之妙的审美意象（"景"）。所以，"真"是"景"的生命本体所在。而审美意象的创造是通过主体之"思"（艺术想象活动）来完成的。 荆浩理论的另一个特色是，把绘画的笔墨形式特别强调出来，把它作为中国绘画艺术整体中的一个有机组成部分加以论述，注意挖掘它的深层形而上意味，揭示了笔墨形式在绘画审美意象创造中的奥秘和意义。

荆浩的绘画美学思想是唐代以及前代艺术和美学思想的结晶，它为形成中国古代绘画艺术的基本理论框架做出了独创性的贡献。 荆浩美学思想的核心内容，集中体现在他关于绘画定义的一个著名命题中，即"画者，画也。度物象而取其真"。要想"取其真"，达到绘画艺术的目的，必须"度物象"。因此，"度物象"就成了审美活动的起点。 荆浩心目中的"物象"不是指物的外在形貌，而是指充分显示其得以存在的本源和本性的象。正如他所说："写云林山水，须明物象之源。夫木之生，为受其性。"按照荆浩的理解，这个物象之源之性就是气。所以，他才认为："山水之象，气势相生。"荆浩的美学显然受到中国古代哲学和美学中有关气的思想的影响，《笔法记》的全篇都体现了这一点。他的绘画"六要"（一曰气，二曰韵，三曰思，四曰景，五曰笔，六曰墨）之首就是"气"。荆浩还进一步揭示了物象的有与无、虚与实相统一的特征。 与前人相比，荆浩的美学的一个独特之处，就在于，敏锐地把审美活动中首先要碰到的物象问题提了出来，并作了

论中国山水画的特点

论中国山水画的特点 【摘要】：中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境。传统的中国山水画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求"以形写神"，追求一种"妙在似与不似之间"的感觉。中国画与西洋画的不同，还表现在其艺术手法、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是"失调"的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。 【关键词】：中国山水画，形神交融，工笔，构图，用笔，用墨， 中国山水画是传统画种之一。以自然风景为主要描绘对象。题材有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。元代以后山水画在画史上占据相当的地位。习惯上，依画法不同分为：勾勒设色，金碧辉煌，富装饰风，称青绿山水或金碧山水；纯粹水墨者为水墨山水或墨笔山水；水墨为主、略施淡赭淡青称浅绛山水或淡着色山水；以水墨勾皴淡色打底且施青绿者为小青绿山水；几无水墨纯以彩色描绘者为没骨山水。 中国山水画历史久远，独立的山水画始发于魏晋南北朝之间，文献表明该期山水画理论已趋成熟。至隋唐，展子虔《游春图》展露了隋代或初唐青绿山水之面貌，已见其写实能力之飞跃。盛唐吴道子之山水画简练且写实，李思训之山水画富丽而典雅；张及中晚唐画家创水墨山水；敦煌壁画中出现没骨山水；五代北宋则出现荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等一批名家，在真实地表现大自然和审美认识上跨入新的阶段。该期荆浩的《笔法记》、郭熙父子的《林泉高致》则较系统地总结了山水画理论。至元代，黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，使山水画走向抒发主观情感、创造多种风格的新途，并使山水画中诗书画的结合趋于完美。明末董其昌简化古人所创山水形象，参照书法法则，使山水画风又一变化。清代山水画一派沿袭董源、巨然和黄公望，变化古法、笔墨；另一派则强调抒发个性，面向自然，将笔墨发挥尽致以传情达意。五代两宋以后山水画的发展变化，产生了数量甚众的名家、流派，理论著述亦趋于完备，从而奠定了近现代山水名家产生的基础。 中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不但表现丰富多彩的自然景物，且往往由有限的取景来表现对整个宇宙自然的由表及里的认识，或于山水之中寄托对于国土家园的感情，因而集中体现了中国人的自然观和社会审美意识，也可以说从侧面间接地反映了社会生活。在形象描绘上，山水画的特点为重宏观、重整体的把握，而非拘泥于细枝末节。对于物象的组织构造，

山水田园诗(简介练习)

(一)过香积寺 王维 不知香积寺，数里入云峰。古木无人径，深山何处钟。 泉声咽危石，日色冷青松。薄暮空潭曲，安禅制毒龙。 注：安禅，佛家语，指闭目静坐，不生杂念；毒龙：指世俗欲念。 1、古人评诗时常用“诗眼”的说法，所谓“诗眼”往往是指一句诗中最精练传神的一个字，你认为这首诗第三联两句诗的“诗眼”分别是哪一个字？为什么？请结合全诗简要赏析。 （二）宿建德江 孟浩然 移舟泊烟渚,日暮客愁新。野旷天低树，江清月近人。 1、诗中点题兼写环境的诗句什么？有什么作用？ 2、体会“日暮客愁新”中“新”的内涵 （三）终南望余雪 祖咏 终南阴岭秀，积雪浮云端。林表明霁色，城中增暮寒。 1、积雪是不可能“浮”在云端的，诗人这样写是不是违反了常理呢？ 2、“城中增暮寒”暗含着诗人怎样的思想感情？ （四）酬张少府王维 晚年惟好静，万事不关心。自顾无长策，空知返旧林。 松风吹解带，山月照弹琴。君问穷通理，渔歌入浦深。

1、这首诗的主要内容是什么？表现了作者怎样的情怀？ 2、尾联以“渔歌入浦深”回答张少府的询问，它的深远含义是什么？ （五）山居即事王维 寂寞掩柴扉，苍茫对落晖。鹤巢松树遍，人访荜门稀。 绿竹含新粉，红莲落故衣。渡头烟火起，处处采菱归。 1、诗的后四句写出了怎样的景与情。 （六）春雪 新年都未有芳华，二月初惊见草芽。白雪却嫌春色晚，故穿庭树作飞花。 1、请分析这首诗的表现手法。 （七）春夜别友人陈子昂 银烛吐青烟，金樽对绮筵。离堂思琴瑟，别路绕山川。 明月隐高树，长河没晓天。悠悠洛阳道，此会在何年。 注释：[1]绮筵，华美的筵席。[2]琴瑟：比喻友情[3]长河：指银河 1、请赏析“明月隐高树，长河没晓天”这一联。 （八）滁州西涧韦应物 独怜幽草涧边生，上有黄鹂深树鸣。春潮带雨晚来急，夜渡无人舟自横。 （1）诗的第一句表明了作者对涧边草的什么情感？最能体现这一情感的是哪个字？ 1（2）后两句历来为人们称道，这两句描绘了哪些意象？这些意象又创设出一种怎样的意境？表达出作者什么样的感情。 （3）这首诗用了什么手法？表现出诗人怎样的情怀？

中国古代山水画鉴赏论文

中国古代山水画鉴赏 摘要:何谓中国山水画？顾名思义，中国山水画即是从大自然中观察、体会、得到某种印记或感悟后，再经过提炼、概括、吸取自然景观的精髓，利用传统笔墨的技巧，从而创造出某种特定意境的画面。按理说来，中国山水画作为中国国画的重要组成部分，深刻体现了中华民族的艺术形式与本民族的民族精神，理应受到至高的重视与珍视。然而，随着中国中国对外开放的深入，西方文化一涌而入，各种标新立异的西方印象画派以其自由，快速，狂放的技法被中国年轻人喜闻乐道，而传统的中国山水画则渐渐被忽视。在中西文化深度交融碰撞的今天，提高中国青少年对中国传统文化的审美迫在眉睫。 关键词：山水画，审美观，文化 一、中国山水画技法简介 山水画技法为中国山水画文化的重要组成部分，不同的绘画技法表达了画家不同的性格，绘画时的心情及创作背景等。下面将简要地介绍几种山水画的技法。 （一）用墨方面 1、泼墨法，顾名思义，是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。而要使用这类技法，毛笔要大一些。用饱含

水的笔头，蘸上浓淡得宜的墨汁，大胆落笔，点拓出所画物体的轮廓。 2、积墨法，即层层加墨。这种墨法一般由淡开始，待第一次墨迹稍干，再画第二次第三次，可以反复皴擦点染许多次，甚至上了颜色后还可再皴、再勾、画足为止，使物象具有苍辣厚重的立体感与质感。 3、破墨法，指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。而中国著名画家齐白石在画虾的头和胸的时候就经常使用该种技法以表现虾的 透明感。 （二）用笔方面 1、要自然有力，切忌呆滞。 2、要变化而有联系，要将粗、细、浓、淡、长、短、横、直、干、湿、轻、重根据物象参差需用，既有变化，还要互相联系。 3、要苍老而滋润，苍老就显出含蓄的笔力，用笔光滑就显得雅嫩，过于苍老亦易枯燥，故须在苍老中滋润，也就是干湿并用。 4、要松灵而凝炼，松灵比自然更进一步，要活泼轻松有生趣，切忌油滑、轻浮，轻松之中要有重厚，凝练是一笔画去到尽端有回锋。 5、要刚柔相济，即在轻柔中有骨力。所谓“线棉裹铁”才能稳厚，

浅析中国山水画的“意境”之美

浅析中国山水画的“意境”之美 摘要中国山水画的意境是由三个基本构成因素所体现出来的，即：真实、具体的空间境象；意象统一，情景交融的空间境象；高度的艺术手法所强化的使观者继续再创造诱发媒介。山水画不仅历史悠久，而且艺术成就很高，在中华民族传统绘画中占有极为重要的位置。那么，究竟什么是意境呢？意境一词，最早见于诗论，在画论中出现则相对较晚。山水画的意境说，似乎可以视宋人郭熙的《林泉高致》为其发端。其后，意境便被作为衡量中国山水画艺术的品评标准。至明代笪有光的《画筌》中第一次使用了意境一词，而且在前人的基础上，有了进一的发挥，之后明清两代画论中，对意境范畴中的一些问题进一步有所阐述，其中不少精辟见解构成了我国山水画论中的意境理论。那么意境就可以定义为：作者在绘画创作中通过时空景象的描绘，在情与景高度融合后所体现出来的艺术境界。总之，中国山水画的意境，就是情与景的结合，写景即写情，在这种有机结合中，山水画表现出一种十分鲜明的、可以给人以启示和想象的自然景象，同时又包含着深厚、耐人寻味的意蕴。正是这样的意蕴和境象的有机结合，构成了中国山水画独具特色的境界。它不仅能使欣赏者通过联想产生共鸣。 关键词: 山水画构成因素意境传统 一、山水画意境的理论构建 “外师造化，中得心源”，大自然的美好景致与人的想象相结合，是意境形成的根源。春山如笑，夏山积翠，秋山如妆，冬山似睡；泰山雄伟，华岳险峻，峨眉神秀，衡岳苍翠⋯⋯大自然人格化的特征，给予画者深刻的启示。清人黄钺就总结了前人经验，概括出意境的二十四种品位特征：气韵、神妙、高古、苍润、沉雄、超脱、纵横、淋漓、简洁、明净、空灵、韵秀⋯⋯较为全面地阐明了以气韵生动为主的自始至终气脉相连，生生不息的意境特征。 唐代诗人王昌龄在他所著的《诗格》中称“诗有三境：一曰物境；二曰情境；三曰意境”三境说，最早提出了意境的概念。尔后，晚唐诗人、评论家司空图则著以《二十四诗品》，以四言韵语论述诗歌风格，为后世所重。到清末民初，王国维进一步总结了我国古典诗论成就并结合西欧资产阶级美学成果，建立了比较系统的意境说，他在《人间词话》中说：“文学之事，其内足以虑己，而外足以感人者，意与境二者而已。上焉者意与境深，其次或以境胜，或以意胜，苟缺其一，不足以言文学创作。”在山水画高度发展的同时，画论也相应地触及到山水画的特殊艺术境界问题。五代荆浩在《笔法记》中，提出了“真景”说，主张“度物象而取其真”，并阐明“真者气质俱盛”。在此以前，山水画论多沿用人物画论“气韵”、“形神”等概念。唐代王维极早地把这一诗学的审美要求借用到绘画上，并从理论到实践上指导自己的创作，形成早期传统山水画意境的构成格调。唐朝张彦远的《历代名画记》，在其“论山水树石”一节中，虽也有“凝意”、“得意”、“深

笔法记 荆浩

笔法记 荆浩 太行山有洪谷，其间数亩之田，吾常耕而食之。有日，登神钲山，四望迥迹，入大岩扉，苔径露水，怪石祥烟，疾进其处，皆古松也。中独为大者，皮老苍藓翔鳞乘空，蟠虬之势，欲附云汉。成林者，爽气重荣；不能者，抱节自屈。或迥根出土，或偃截巨流，挂岸盘溪.披苔裂石。因惊其异，遍而赏之。明日，携笔复就写之，凡树万本，方如其真。明年春，来于石鼓岩间遇一叟，因问，具以其来所由而答之。 叟曰，子知笔法乎?曰，仪形野人也，岂之笔法耶？叟曰，子岂知我所怀邪？闻而渐骇。 叟曰，少年好学，终可成也。夫画有六要：一曰气；二曰韵；三曰思；四曰景；五曰笔；六曰墨。 曰，画者，华也，但贵似得真，岂此挠矣。 叟曰，不然，画者，画也。度物象而取其真。物之华，取其华。物之实，取其实，不可执华为实。若不知术，苟似可也，图真不可及也。 曰，何以为似？何以为真？ 叟曰，似者，得其形遗其气，真者，气质俱盛。凡气传于华，遗于象，象之死也。

谢曰，故知书画者，名贤之所学也。耕生知其非本，玩笔取与，终无所成，惭惠受要，定画不能。 叟曰，嗜欲者，生之贼也。名贤纵乐琴书，图画代去杂欲。子既亲善，但期始终所学，勿为进退。图画之要，与子备言；气者，心随笔运，取象不惑；韵者，隐迹立形，备仪不俗；思者，删拨大要，凝想形物；景者，制度时因，搜妙创真；笔者，虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动；墨者，高低晕淡，品物浅深，文采自然，似非因笔。 复曰，神，妙，奇，巧，神者，亡有所为，任运成象；妙者，思经天地，万类性情，文理合仪，品物流笔；奇者，荡迹不测，与真景或乖异，致其理偏，得此者，亦为有笔无思；巧者，雕缀小媚，假合大经，强写文章，增邈气象，此谓实不足而华有馀。 凡笔有四势：谓筋，肉，骨，气。笔绝而断谓之筋，起伏成实谓之肉，生死刚直谓之骨，迹画不败谓之气。故知墨大质者失其体；色微者败其气，筋死者无肉，迹断者无筋；苟媚者无骨。 夫病有二：一曰无形，二曰有形。有形病者，花木不时，屋小人大，或树高于山，桥不登于岸，可度形之类也。是如此之病，不可改图。无形之病，气韵俱泯，物象全乖，笔墨虽行，类同死物，以斯格拙，不可删修。 子既好写云林山水，须明物象之源。夫木之生，为受其性。松之生也，枉而不曲遇，如密如疎，匪青匪翠，从微

论中国山水画的特点

论中国山水画的特点 张利维 摘要： 中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境。传统的中国山水画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求"以形写神"，追求一种"妙在似与不似之间"的感觉。中国画与西洋画的不同，还表现在其艺术手法、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是"失调"的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。 关键词： 中国山水画，形神交融，工笔，构图，用笔，用墨， 中国山水画是传统画种之一。以自然风景为主要描绘对象。题材

有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。元代以后山水画在画史上占据相当的地位。习惯上，依画法不同分为：勾勒设色，金碧辉煌，富装饰风，称青绿山水或金碧山水；纯粹水墨者为水墨山水或墨笔山水；水墨为主、略施淡赭淡青称浅绛山水或淡着色山水；以水墨勾皴淡色打底且施青绿者为小青绿山水；几无水墨纯以彩色描绘者为没骨山水。 中国山水画历史久远，独立的山水画始发于魏晋南北朝之间，文献表明该期山水画理论已趋成熟。至隋唐，展子虔《游春图》展露了隋代或初唐青绿山水之面貌，已见其写实能力之飞跃。盛唐吴道子之山水画简练且写实，李思训之山水画富丽而典雅；张及中晚唐画家创水墨山水；敦煌壁画中出现没骨山水；五代北宋则出现荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等一批名家，在真实地表现大自然和审美认识上跨入新的阶段。该期荆浩的《笔法记》、郭熙父子的《林泉高致》则较系统地总结了山水画理论。至元代，黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，使山水画走向抒发主观情感、创造多种风格的新途，并使山水画中诗书画的结合趋于完美。明末董其昌简化古人所创山水形象，参照书法法则，使山水画风又一变化。清代山水画一派沿袭董源、巨然和黄公望，变化古法、笔墨；另一派则强调抒发个性，面向自然，将笔墨发挥尽致以传情达意。五代两宋以后山水画的发展变化，产生了数量甚众的名家、流派，理论著述亦趋于完备，从而奠定了近现代山水名家产生的基础。 中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不

1山水田园诗

山水田园诗鉴赏 【复习要点】 1、了解山水田园诗的主要特点。 2、掌握山水田园诗的阅读方法和解题思路。 【知识梳理】 一、概念： 所谓的山水诗，是以山水等自然景观为主要描写对象的诗歌；所谓田园诗是指歌咏田园生活的诗歌，大多以农村的景物和农民、牧人、渔父等的劳动为题材。中国山水田园诗渊源流长，诗人们以自然山水或农村自然景物、田园生活为吟咏对象，把细腻的笔触投向静谧的山林，悠闲的田野，创造出一种田园牧歌式的生活，借以表达对现实的不满，对宁静平和生活的向往。 山水田园诗属于写景诗的范畴，这类诗歌的主要特点就是“一切景语皆情语”，亦即作者笔下的山水自然景物都融入了作者的主观情愫，或者借景抒情，或者情景交融。 陶渊明是田园诗的开山，南朝的谢灵运是山水诗的鼻祖。唐代形成了山水田园诗派，主要有王维、孟浩然、李白、杜甫、储光羲、常建等。到了盛唐时代，我国山水田园诗进入了繁荣时期。盛唐山水田园诗派的主要成就有三：一是将山水与田园二者结合得更紧密了。二是形神兼备，物我契合。三是具有更深厚的思想内涵，寄托了高尚情操和身世之感。 盛唐山水田园诗总体特点：风格清新、韵致高远、神韵天成。有两类风格：一是“清”，以王孟为代表。孟浩然清淡。王维追求“神似”，追求空灵的意境，寄寓佛理禅趣；追求画意，将绘画的技法运用到诗歌创作中。此类诗常见的意象有溪水、山石、松林、野老、柴门、墟里、桑麻、南亩、五柳、明月、渔歌等。二是“雄”，以李杜为代表。李白雄奇豪迈，杜甫早年英气豪迈。表现在描写对象上则通常是一些高大、流动、充满阳刚美的自然山水。艺术手法：大胆的夸张、丰富奇特的想象、神话传说的运用。 二、思想内容 1.表达对大自然的喜爱及因美景而产生的愉悦心情。 ①王维《汉江临泛》：楚塞三湘接，荆门九派通。江流天地外，山色有无中。郡邑浮前浦，波澜动远空。襄阳好风日，留醉与山翁。（山翁即山简，晋人，曾任征南将军，镇守襄阳） ②李白《望庐山瀑布》：日照香炉生紫烟，遥看瀑布挂前川。飞流直下三千尺，疑是银河落九天。 2.表达对官场仕途的厌倦，对现实的不满甚至愤怒、怀才不遇的苦闷。 ①陶渊明《归园田居》：少无适俗韵，性本爱丘山。误落尘网中，一去三十年。羁鸟恋旧林，池鱼思故渊。开荒南野际，守拙归园田。方宅十余亩，草屋八九间。榆柳荫后檐，桃李罗前堂。暧暧远人村，依依墟里烟。狗吠深巷中，鸡鸣桑树颠。户庭无杂尘，虚室有余闲。久在樊笼里，复得返自然。 ②王维《山居秋暝》：空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流。竹喧归浣女，莲动下渔舟。随意春芳歇，王孙自可留。 １

中国山水画发展历程

中国山水画发展历程 中国山水画较之西方风景画，起码早了1000余年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。早在7000多年以前，先古的觉醒便以图案方式纪录下来。 新石器的河姆渡文化，已用线刻表达着观念性文化的内涵，定居的农耕文明起源，不仅让人认知了工具美，亦让人于器之上认知了形上美。艺术不但是一种征服自然的想象，还是一种征服自然想象的象征。先古与自然一开始便用艺术的方式对活，逻辑的发现与艺术的鉴赏推演着人们的双眼，让一个天人合一的中国图式由混沌而至清晰。 自仰韶文化起，人与自然的关系便具有了象征性。在几何装饰的手法中，对称、运动等构成概念己明显地运用于时空的表现之中。 现存最早的山水画：中国画从创作题材来看，出现最早的是人物画，最初描绘的山川风光是作为人物画补景出现的，后来发展成为独立的画科——山水画。我们现在能见到最早的山水画是隋代展子虔的《游春图》。 到了秦汉时期，描绘劳动生活的场面，由乡土而至皇权，殿堂宫室的壁画成为时代的主流。这种以宫室喻家室的认信取向，使中国美术摆脱了原始形态。 统治阶级士大夫文化开始占主导地位。士者文化实现了与乡土文化的分离。对于山水画而言，这一分离是深刻的。若我们认真研究一下曲阜石刻的《庭院图》，就会被其视错觉创意震撼。这是两种视觉冲突的艺术：在满足正面的平视前题下，建筑物的平移重叠与倾斜重叠构成了矛盾的主要方面，两种不同透视法则所致生的力的碰撞，使画面具有了超现实的立体感。有趣的是，先贤的艺术家一开始便使用了纵横平移重叠、视线具有深度却不消失的重叠透视法则，而且在复合视域中能将正面与倾斜两种透视法则艺术的冲突起来。应该说这一法则较之当今的西方立体派早了近两千年。正如本书一再所讲的，祖先的聪慧绝非三言两语可以道白，只要我们认真地凭藉科学的双眼走入先贤的思想，我们一定会发现经学方式能告知我们的更多更多。

五代山水画

五代美术 一、五代花鸟画“黄家富贵”“徐熙野逸” 1、黄筌，西蜀最著名的宫庭画家。师刁光胤，又吸取山水画家李昇、人物龙水画家孙位之长，“全该六法，远过三师”。《写生珍禽图》。擅长花竹翎毛，也能画人物佛道、山水，是一位技艺全能的画家，对宋代宫庭花鸟画风有重大影响。黄氏承继唐代花鸟画风，所画多为宫庭中的奇禽名花，其画极细的线条勾勒，施以柔丽的色彩，线色相融，几乎不见勾勒的墨迹，情态生动逼真，具有精谨艳丽的富贵气象（题材与手法）。 2、徐熙，院外花鸟画大师。《雪竹图》。他的画与诸黄注重用色的风格不同，注重“落墨”，徐铉评其落墨为格。不拘泥于精勾细描，信笔抒写，注重表现，自谓“落笔之际未尝以赋色晕淡细碎为功”《梦溪笔谈》：“国初……诸黄画花妙在傅色……徐熙以墨笔画之，殊草草，略施丹粉而已，神气迥出，别有生动之意。”题材“寒芦荒草，水鸟野凫，自得天趣。” 二、五代山水画的杰出人物有四人——荆关董巨，则为荆浩，关仝，董源，巨然。 五代山水画的成熟与发展，五代时期一些画家深入体验自然，形成了南北具有鲜明地域特色的两大流派，北方以荆浩与关仝为代表，南方以董源及巨然为代表。 1.荆浩，他长期接触北方雄伟的自然山水，有较深的认识与感受。他所画的山水多是北方的大山大水，构图都取全景式，气势宏阔。他在《笔法记》中最早对从唐代发展起来的水墨山水创作进行理论上的总结与拓展，为以后山水画的发展奠定了理论基础。代表作《匡庐图》。 2.关仝，荆浩的弟子,刻意力学，卒得其法，有出蓝之誉。他的山水画具有“石体坚凝，杂木丰茂，台阁古雅，人物幽闲”的特色。传世有《关山行旅图》，其山水景物浑融，特别善于表现北方山水峻伟荒寒的景色，被称为“关家山水” 3.董源，像王维一样兼长设色和水墨两种风格的山水，尤以后者著称，表达的景致平淡闲远，非常符合文人雅士的思想情趣。画面抒情自然。他创造了用披麻皴与密密麻麻的点子皴，来表现江南山水的独特手法。成功地表现出江南山水的远近层次与湿润的特质，成为江南山水画派的开山祖。代表作：《潇湘图卷》、《夏山图卷》、《夏景山口待渡》。 4.巨然，僧人，师从董源。发明了一种近乎后来法国映像派的风格画法，即‘矾头’的皴法，表现林麓间山光岚气的浮动感。他把董源的披麻皴发展为长披麻，更加简洁明快。他的山水笔墨秀润，善为烟岚气象，深得董氏“平淡”之旨，后世给予他很高的评价。传世有、《秋山问道》、《层岩丛树》等。 三、五代的工艺——南唐：李廷珪墨、澄心堂纸、龙尾砚“三绝” 宋代 一、山水画家（北宋）： 1.李成，以画寒林平远著称，作画善用淡墨，“惜墨如金”，以表现丰富的层次和虚旷的空间，以活脱的笔致画出寒林的情态，画山石好像卷动的云，后人称这种表现技法为“卷云皴”，总体风格是文秀的，后人将其与范宽比为“一文一武”，其画山水在北宋被誉为“古今第一”。”从传为他的作品《窠石读碑图》、《寒林平野图》中可见其风格特色。 2.范宽，1.深入自然山川，观察体验不同自然气候下山水的形态变化，终于创造了与李成迥然不同的壮美景色，“自为一家，不犯前辈”。2.擅画雪景，他所画崇山峻岭，往往以顶天立地的章法突出雄伟壮观的气势，被誉为“得山之骨”，“与山传神”。 3.他画山石落笔雄健老硬，以短而有力的笔触(被后人称为雨点皴)代表作《溪山行旅图》，（以峻伟屹立的

浅谈荆浩笔法记的理论成就

浅谈荆浩笔法记的理论成就 徐洁 [摘要] 荆浩是我国五代时期伟大的山水画家和绘画理论家。他的著作《笔法记》内容丰富深厚，堪称中国水墨山水画的理论基石。其中“图真论”的提出,第一次把“外师造化”与“中得心源”统一为“度物象而取其真”;发展了中国画的“气韵论”赋予传统“气韵”新内涵;“思景论”为绘画创作提供了新的思维观;“笔墨论”确立了中国独特的造型语言。 [关键词] 荆浩《笔法记》图真气韵思景笔墨 荆浩为唐末、五代著名山水画家,他的理论更多的是自己绘画实践的体会和经验总结,很少抽象性、空洞性。 他的《笔法记》是中国山水画走向成熟时期的重要理论著作,它总结了山水画创作经验并提出了具有相当高度的理论认识,对后世山水画发展及理论研究产生了重大影响。《笔法记》提出山水画“图真”“六要”“四势”“二病”等美学观点，强调笔、墨在山水画创作与山水画评论中的作用，将山水画美学理论推进到一个新的阶段，并对郭熙、韩拙等人的山水画思想产生较大影响。 一图真论 《笔法记》虽然只有一千五百余字，但包含着丰富而深刻的绘画美学思想，其中的中心议题就是“图真”，“图真”的本质就是“传神”。写山水之形的目的在于传山水之神,而不能仅仅停留在“形似”上。他说:“似者,得其形,遗其气”。“真者,气韵俱盛。”这一见解显然是受到历来人物画形神论的启发。从顾恺之的“形神论”、谢赫的“六法论”到张彦远的“论画六法”，虽然把形神问题论述得已经很充分,但都是从人物画出发的。荆浩却是把形神论运用于山水画的第一人。这不仅反映了他善于借鉴优良传统，更重要的是，他在山水画创作实践中体悟到这种形神关系的重要性。 他要求“度物象而取其真”，即表现出山水之神的形才是“真”。他独创性地提出山水之景乃“真景”，必须表现“山水之象”。他还要求画家应做到“物之华,取其

中国山水画赏析要略

“山水画”简称“山水”。以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但尚未从人物画中完全分离。隋唐时始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。传统上按画法风格分为青绿山水、金碧山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。 中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能向山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、我的图像、人的性情。 中国山水画赏析要略 中国山水画是中国传统绘画最重要的一种形式，为第一大画科，是最能体现中国文化与艺术精神的一种艺术形式。山水画产生时间较人物画晚，比花鸟画早，孕育萌芽于早期人物画的背景中，在魏晋南北朝时期逐渐独立出来，形成一个独立的画科，隋唐时期发展成熟，五代两宋时期达到艺术的高峰，元明清各代均有发展与建树，名家辈出，遂形成蔚为壮观的中国传统艺术形式，至今不衰。 中国山水画的欣赏是一个复杂的综合的过程，是一个人的文化艺术素养与生活阅历的集中体现。下面从欣赏山水画的几个要点来分别阐述。 1.山水画的文化背景（哲学内涵） 山水画就是中国的风景画，但又不是简单的描摹自然的风光，而是画家的精神的诉求与流露，是画家人生态度的表达，是画家人生追求的体现。山水画的产生与中国的道家思想是密不可分的，道家思想追求的是自然无为、天人合一的精神境界，能“官天地，府万物”“能胜物而不伤”。道家思想追求素朴自然，简淡肃静的艺术精神，所以山水画多以水墨表现为主，以色为辅。魏晋南北朝时期是玄学兴盛的时期，玄学的代表思想就是道家的思想，这一时期政治动荡，民不聊生，许多文人名士为了躲避政治上的倾轧选择归隐，像陶渊明、嵇康、阮籍等，他们隐居山林，吟诗作赋，山水诗于是大盛，山水画也应运而生。这都与道家思想在人们生活中的影响密不可分。儒家思想对绘画的影响多体现在早期的人物画上，明劝戒，著沉浮，建立社会礼教，所以儒家思想是以入世为主的，而山水画多体现出世，禅宗思想对绘画的影响也比较深，但不如儒家、道家来得分明，影响更多的是后来的花鸟画。当然这样绝对的划分是不严谨的，没有这样的必然，只能说是大致如此。儒、道、释思想后来逐渐融合，共同作用于中国社会的方方面面。山水画的发展也受到其他思想的影响，但总的看来主要的还是道家思想。 2.山水画的意境 山水画的意境就是山水画所创造的境界，主张以意为主，强调表现，意造境生，营造“山性即我性，山情即我情”的境界，山水画创造的意境不光是优美的景色、山川的风光，更多的是画家理想境界的追求，是超脱于烦琐与庸俗社会的心灵居所，山水画的境界给人的是可观、可行、可游、可居的神游场所，不论是北宗山水还是南宗山水，所表现的意境与功能无不如此，或是仙境一般的缥缈神奇，或是悠闲农夫渔樵的隐居之所。文人山水画多表现的是逸居山林的情趣、素朴自然的水墨风光；宫廷画家的界画多表现楼宇宫殿是人间的繁华，也是超脱于人间的世外桃源。不同的人都可以找到自己的心灵居所。这也是画家与观者的心灵沟通。 3.山水画的章法 章法就是画面的布局，即构图法，顾恺之称作置陈布势，谢赫称作经营位置。中国画讲究立意定景，远则取其势，近则取其质，并巧妙地运用画面的空白，使无画处皆成妙境。中国画有着“细细看，面面观，看地透，窥其穿”的要求，即能从山前看到山后，从山下看到山上，从房内看到房外，这种要求是为了满足“饱览卧游”的需要，使咫尺千里的美景尽在眼前。山水画的构图法，在长时间的实践中形成了“三远法”，即郭熙所谓的平远，自近山而望远山而谓之，如郭

山水田园诗复习

2014届高三诗歌复习讲义——山水田园诗 知识链接—— 山水田园诗是以自然界的山水景物、田园生活为主要表现内容的诗歌。陶渊明是田园诗的开山，谢灵运是山水诗的鼻祖。唐代形成了山水田园诗派，主要有王维、孟浩然、常建等。 1、山水田园诗的内容： 题材主要有自然风光、农村景物、田园生活、隐居生活。山水田园诗属于写景诗，但并不只为写山光水色，这类诗歌的“一切景语皆情语”，亦即作者笔下的山水自然景物都融入了作者的主观情愫。要注意作者对所描写的景物的态度：是将山水本身作为审美对象加以观照，还是假借山水别有寄托。感情寄托的问题，应认真分析诗句，切忌随意拔高作品的思想内涵。准确把握山水田园诗中意象的特征有助于进一步深入了解作者的寓意。它的主题常常有：热爱自然，钟情山水；厌弃官场，向往隐逸；淡泊宁静，志趣高远；生活闲适，悠然自得；官场失意，寄情山水…… 2、山水田园诗中常见的意象： 自然景物：青山、流水、明月、清风、清泉、松竹、菊花、炊烟、桑麻、白云等。 常用人物：五柳、接舆、伯夷叔齐、寺僧道人、林叟樵夫 小结：田园风光——清新优美、宁静和谐、远离尘俗、冷寂荒僻 3、山水田园诗的类型: 按照诗人抒发的主体感情，山水田园诗大致可分为以下几类： （1）表达对山水自然、田园生活的歌颂与热爱。 以王维《汉江临泛》为例： 楚塞三湘接，荆门九派通。江流天地外，山色有无中。 都邑浮前浦，波澜动远空。襄阳好风日，留醉与山翁。 整首诗流露出对襄阳风物的热爱之情，充满了积极乐观的情绪。 （2）表达对官场仕途的厌倦，对现实的不满，进而表达对自由的追求和对隐逸生活的渴望。（已经寄情山水，对归隐生活、田园生活的喜爱，抒发闲适恬淡的心情。） 以王维《辋川闲居赠裴秀才迪》为例： 寒山转苍翠，秋水日潺湲。倚仗柴门外，临风听暮蝉。 渡头余落日，墟里上孤烟。复值接舆醉，狂歌五柳前。 首联和颈联写景，描绘辋川附近山水田园的深秋暮色；颔联和尾联写人，刻画诗人和裴迪两个隐士的形象。抒写诗人的闲居之乐和对隐居生活的喜爱。 （3）通过对超凡脱俗的环境的刻画，表现主人公一种高洁的志趣。 以皎然《寻陆鸿渐不遇》为例： 移家虽带郭，野径入桑麻。近种篱边菊，秋来未著花。 扣门无犬吠，欲去问西家。报道山中去，归来每日斜。 通过首联颔联对幽僻、高雅的隐居之地的描写，间接表现其高洁不俗。通过颈联尾联西邻对其行踪的叙述，侧面烘托其潇洒疏放。刻画了一个寄情山水、不以尘事为念的高人逸士形象。

中国水墨画介绍

中国水墨画介绍 水墨画：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。也称国画，中国画。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。 简介 水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷，后者有时也称为彩墨画。中国水墨画的特点是：近处写实，远处抽象，色彩微妙，意境丰富。 黑白调子的水墨画早期都是以山水画的形式来表现的，虽然仅有黑与白，但因为纸色的关系，其实是略为偏黄的。彩色的水墨画在近代有泼墨山水的应用，也有水墨动画的应用。 与水墨画有关的还有水墨版画。与一般版画不同的是，水墨版画虽然也是木刻版画，但使用宣纸作为纸材，在不同的地方重复水墨印刷，层层渲染的效果，使得每一张作品都明显不同，也具有水墨画的美感。 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明朝及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。 “墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提后人宗之。 长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。水墨画是中国画的一个分支结构，是组成中国画体系的元素之一。从物理的角度，水墨画就是用毛笔蘸着墨和水的合成物，描绘在宣纸上的一种绘画形式。 艺术特征 水墨画是中国汉族特色较强的一种绘画艺术形式，借助具有本民族特色的绘画工具和材料（毛笔、宣纸和墨），表现具有意象和意境的绘画。其特征主要有两个方面，一是从工具材料上来说，水墨画具有水乳交融，酣畅淋漓的艺术效果。具体地说就是将水、墨和宣纸的

国画山水画题诗题款

山水画与题画诗陈燮君 诗中有画，画中有诗，为历代文人所倡导。苏轼写道：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”王维写景佳句如“声喧乱石中，色静深松里。漾漾泛菱荇，澄澄映葭苇。”“寒山转苍翠，秋水日潺湲，倚仗柴门外，临风听暮蝉。”“万壑树参天，千山响林鹃。山中一夜雨，树抄百重泉。”诗中有画，意境清远，见诗如见画，吟诗如品画。古人云“每下笔皆默合诗人句法。或铺张图绘间，景物虽少而意常多，使览者可以因之而遐想”，意即诗画本一律，画家描绘景物与诗人相通，所造意境有画外之意，让赏画者有想象空间，出入画内外，神游诗境间。 诗助画意锦上添花 在中国山水画及其题跋中，好诗佳作比比皆是，诗助画意，强化通感，升华主题，锦上添花。陆俨少先生有过深刻论述：“我国自唐代以降，及其末季，士大夫兼擅丹青，打破自比工匠观念，日渐取代民间艺人，登上领导坛坫。驯至五代两宋，沿习不替，操觚之士，无不兼擅诗文。苏子瞻、黄山谷辈领袖群伦，相扇成风。一图之成，兼以诗赋文章，叙述缘起，抒发情感，文字既佳，而又书字遒美。清辞丽句，虿尾银钩，相得益彰。向之仅书名姓于树根石罅间者，一变而占据突出地位，成为一图之有机结合。明清代兴，蔚为风气，图成而题句缺如，号称穷款，终成遗憾。于是向学之士，留意诗书，翱翔于翰墨之林，图文并茂，始称联璧。”走进中国历代山水画宝库，可以发现众多的山水画题画诗之瑰宝。 元代钱选题《孤山图卷》诗曰：“一童一鹤两相随，闲步梅边赋小诗。疏影暗香真绝句，至今谁负继新词。”孤山疏影、梅边暗香之景由诗生辉。钱选题《秋江待渡图卷》诗曰：“山色空濛翠欲流，长江浸澈一天秋。茅茨落日寒烟外，久立行人待渡舟。”“翠欲流”点化“一天秋”的意境，“寒烟外”衬托“待渡舟”的久立之心情。元代吴镇题《秋江渔隐图轴》诗曰：“江上秋光薄，枫林霜叶稀。斜阳随树转，去雁背人飞。云影连江浒，渔家并翠微。沙涯如有约，相伴钓船归。”秋光、霜叶、斜阳映去雁，云影、翠微、沙涯迎归船，好一幅秋江渔隐图！元代朱德润题《松溪放艇图》诗曰：“丑石半蹲山下虎，长松倒卧水中龙。试君眼力知多少，数到云峰第几重。”松溪放艇伴长龙，试君眼力数云峰，真是诗画一体，韵意一炉。 元代倪瓒题《虞山林壑图轴》诗曰：“陈蕃悬榻处，徐孺过门时。甘冽言游井，荒凉虞仲祠。看云聊异翰，把酒更题诗。此日交观意，依依去后思。”画虞山林壑，引依依后思，有效拓展了赏画者的想象空间。倪瓒题《江岸望山图》诗曰：“江上春风积雨晴，隔江春树夕阳明。疏松近水笙声迥，青障浮岚黛色横。秦望山头悲往迹，云门寺里看题名。蹇余亦欲寻奇胜，再过钱塘半日程。”真是春风春雨化浮岚，江岸望山美如画。 元代王蒙题《花溪渔隐图轴》诗曰：“御儿西畔霅溪头，两岸桃花绿水流。东老共酣千日酒，西施同泛五湖舟。少年豪侠知谁在，白发烟波得自由。万古荣华如一梦，笑将青眼对沙鸥。”两岸桃花，东老共酣，西施泛舟，笑看沙鸥，诗句把一幅花溪渔隐图点化得花团锦簇。 明代唐寅题《春山伴侣图》诗曰：“春山伴侣两三人，担酒寻花不厌频。好是泉头池上石，软莎堪坐静无尘。”春日担酒寻花，静坐泉头池石，诗句点出了韵味十足的画意。 明代沈周题《秋泛图》诗曰：“秋水浮空天影长，归来江上自鸣榔。白鸥飞过搀红叶，不觉微风陡荐凉。”秋水浮空，白鸥掠过，诗句把秋泛图写得凉意浓浓。 明代文徵明题《雪景山水》诗曰：“雪树埋踪鸟绝飞，空江蓑笠弄寒丝。良工妙得吟中趣，故写愚溪独钓诗。”首句“雪树埋踪鸟绝飞”就把雪景山水图写得寒气逼人。诗助画意，无需赘言。

颜景龙《中国山水画的意境美》阅读练习及答案

中国山水画的意境美 颜景龙 ①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔、墨、气、韵的同时，更注重意境美的营造。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画作时，时常被其内含的艺术魅力所吸引，被画外之意、弦外之情所打动、所陶冶、所感染，这就是意境美的作用。 ②中国山水画的空灵之美，是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静、为虚、为无，空灵之灵为灵气、为实、为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中，茫茫寒江，一叶孤舟，渔翁独坐，钓丝漂浮，微波之外，皆是空白，营造出一种空灵、深远、简淡的意境。空灵之美一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中的有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内容。 ③中国山水画的外象之美不仅表现在画作本身，也包括画作以外的无限性，即“画外有画”。正如美学大师宗白华所说：“中国绘画所表现的精神是深沉静默地与这无限的自然、无限的太空浑然融化，体合为一。”山水画是一种哲理的最高境界，它追求的不是繁芜的世界，而是自然与人文的完美统一，是一种摆脱世俗的精神。从元朝的倪瓒，明清时期的石涛、董其昌等人的山水画中，我们所看到的不只是绘画的语言符号，更重要的是画家内在的精神追求。 ④中国山水画的诗意之美，也是中国绘画历来所提倡的。不论《春山烟雨》还是《春浦帆归》，只看画题，就会觉得诗意盎然。诗意之美丰富了中国山水画的美学意境。真正山水画中的诗境，体现在画的构思、章法、形象、色彩的诗化，诗情与画意交融。宋代郭熙在《林泉高致》中说：“诗是无形画，画是有形诗。”诗、画的一致，是中国山水画家追求的最高理想，也是中国山水画的最高境界。唐人王维以诗人的学养彰显画家的气质，在文学和绘画领域揭示了诗与画的关系，从而提出了山水画意境表现中的一个准则——画中有诗。比如他的作品《江山雪霁图卷》，画面上虽然没有像许多画家一样题上或多或少的诗词字句，却富有诗的意境。 ⑤中国山水画中所具有的那种空灵美、外象美、诗意美的意境既是画家创造的终点，又是观者再创造的起点，是画家与观者之间沟通的桥梁。当代中国山水画创作者，只有放开眼界，敞开胸怀，徜徉于大自然之中领受山川、风云、水石、林木际会之妙，铸就独特的艺术灵魂，方能构筑胸中意象，孕育笔墨语言，创作出有意境的作品，真正做到“代山川而言”。（有删改） 14．请简要概述全文的论述层次。 15．第②段画线句使用了什么论证方法？有何作用？

中国山水画毕业论文

《浅谈我对中国山水画的学习和创作的感受》 【摘要】：学习中国山水画是一个循序渐进的过程，需要进行不断的临摹、写生、创作山水画，了解山水画的内在精神和独特的思维表达方式，了解道家、儒家和佛教对中国传统山水画的影响。临摹中国传统山水画是学习山水画的基础，学习古人的笔墨、构图、气韵等。掌握了一定的技法和理论知识后要走进真山真水感受大自然并进行写生，注重写生的作用，通过自己的感受来表达与别人不同的艺术语言，这也为以后创作积累了素材。素材积累到一定程度会为创作提供源源不绝的动力，在创作作品时会有很大指导。 【关键词】：精神；临摹；写生；创作； 【正文】： 一、中国山水画的内在精神 中国山水画，它是中华民族独特的文化符号，是中华民族所都有的，它的这一特性是与中华民族的内在精神和思想密不可分，受道家、儒家、佛教等的思想影响着，在不同程度促进山水画的发展，说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露等，是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳（印章）更能增加山水画的内在精神和神韵，在对客体世界有一个侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受，概括勾画出山水形象，在加以丰富，表现自我。在外师造化，中得心源，物我两忘，天人合一的境界里，许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，这是作者深厚的笔墨功力和作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养有关。如“搜尽奇峰打草稿”，提倡到生活中去，到实践中去。欣赏和创作中国山水画，我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知知识会接的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一。 中国山水画在创作中体现了中国人特有的审美情趣，即简练，恬静，含蓄和韵律等其实山水画从一开始就与其它的道家，佛家，儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得重视的，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的，佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格，儒、佛、道的自然观影响于山水画的共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。我们在作画时，不能忽视儒、佛、道思想的影响，传统中国画家在长期艺术实践中都自觉和不