小提琴著名十曲

小提琴著名十曲

01 萨拉萨蒂：卡门幻想曲

02 萨拉萨蒂：流浪者之歌

03 德沃夏克: 降G大调幽默曲

04 贝多芬：F大调浪漫曲

05 德西彪：亚麻色头发的少女

06 柴可夫斯基：C大调弦乐小夜曲

07 克莱斯勒：美丽的罗丝玛琳

08 维瓦尔第：四季之春

09 维瓦尔第：四季之夏

10 埃尔加：爱的致意

0中国古筝十大名曲

第一首《渔舟唱晚》是传统的古筝独奏名曲。

第二首《出水莲》为广东潮州客家筝曲。

第三首《高山流水》为我国十大古曲之一，浙江筝派的代表作。

第四首《林冲夜奔》

第五首《侗族舞曲》表现了侗寨风情，抒发了侗家儿女热爱美好生活的欢乐情绪。

第六首《汉宫秋月》也是我国十大古曲之一。

第七首《寒鸦戏水》是“客家筝曲”中名作。

第八首《东海渔歌》是张燕创作于七十年代的作品。

第九首《香山射鼓》作于1980年，1983年在第六届亚洲音乐论坛上被评为优秀音乐作品. 第十首《战台风》是在六十年代中期，王昌元有感于上海码头工人与台风顽强搏斗的精神而创作的。

世界著名钢琴曲

夜曲

小夜曲

摇篮曲

吉普赛回旋曲春之歌

前奏曲

旋律

“一分钟”圆舞曲音乐瞬间

土耳其进行曲加伏特

梦幻

浪漫曲

知己前奏曲0P·28N0·6

前奏曲OP·28N0·7

献给爱丽丝

第五夜曲

跳舞的洋娃娃

谄媚的人

幽默曲

阿尼特拉的舞蹈

无言歌

第五匈牙利舞曲

对月

天鹅

古小步舞曲

波兰舞曲

领巾舞

小夜曲

前奏曲

爱的致敬

蓝色圆舞曲

纯朴的允诺

花之歌

喷泉

思乡

舞蹈后的爱之梦

金婚式

俄罗斯玛祖卡

小圆舞曲

秘密《拨弹的间奏曲》

当代世界十大小提琴家

当代世界十大小提琴家 在音乐的发展中，小提琴艺术已有３００多年的历史，涌现出不计其数的小提琴作曲家、演奏家和教育家。不同的小提琴艺术网络以及各种教学体系，使小提琴艺术百花争妍，并成为音乐王国中的佼佼者。进入２０世纪以来，小提琴艺术更有了突飞猛进的发展，尤以小提琴演奏家引人注意，因此要选定１０位小提琴家实为一件难事，好在表演艺术的演与听，本来就见仁见智。笔者在此介绍的当代世界十大小提琴家，其笔序是以出生年月为依据。 １、弗里茨·克莱斯勒 （ＦｒｉｔｃＫｒｅｉｓｌｅｒ，１８７５—１９６２） 弗里茨·克莱斯勒是２０世纪初叶最有影响的小提琴家。他生于维也纳的一个医生家庭，父亲是一个音乐迷，这对克莱斯勒产生重要影响。７岁时克莱斯进入维也纳音乐学院，１０岁毕业后又入巴黎音乐学院从师于法比小提琴学派的著名教授马萨尔，当他以毕业比赛第一名的优异成绩毕业时，年仅１２岁。因此，克莱斯勒的演奏兼有维也纳人的温暖人情味和法兰西式的贵族风度，这使得他的演奏风格新颖而独特，同时代的小提琴家几乎都受到过他的影响，如海菲兹、埃奈斯库、蒂博、大卫·奥伊斯特拉赫等等。克莱斯勒的演奏最重要的标志性风格，是对颤指（揉弦）的运用，他赋予颤指技巧以戏剧性的风格，无论是悠扬的歌唱性旋律还是快速音型的技术性段落，在此，颤指都已成为最有力的表情手段和增添色彩的手法，而这一点，正是他的前人们所十分谨慎从事的事情。 ２、乔治·埃奈斯库 （ＧｅｏｒｇｅｓＥｎｅｓｃｕ，１８８１—１９５５） 乔治·埃奈斯库是一位通才式的罗马尼亚小提琴家。他生于摩尔多瓦地区维尔纳弗县的利文镇。作为作曲家，其代表作管弦乐《罗马尼亚狂想曲》奠定了他作为罗马尼亚民族乐派代表人物的地位。对于他的钢琴演奏，连著名钢琴家阿图尔·鲁宾什坦都这样说：“他是一位就连我也要感到眼红的非常了不起的钢琴家。”而作为指挥家，他在世界各地受到了完全的尊重。埃奈斯库小提琴演奏的最重要特征在于，他将法比小提琴学派的演奏手法于他在童年时代就很喜爱的罗纪尼亚民间音乐中的吉普赛音乐（拉乌塔里，Ｌａｏｕｔａｒｉ）的表演传统有机结合在一起，形成了一种十分独特的演奏风格。由于他的包括作曲在内的多方面的音乐才能，使他的演奏给人们的印象不只是在拉琴，同时也是在即兴创作，他的每一次演奏都是新鲜的，都像是演奏新作。埃奈斯库在小提琴演奏的运弓方面有他独到之处，他喜爱弓幅宽阔的连音奏法，这使他的演奏充满了激情和旺盛的生命力

小提琴入门教程：演奏的基本技巧

小提琴入门教程：演奏的基本技巧 小提琴家所追求的目标是能豪不费力地演奏出好听的声音，有成 就的小提家认为能演奏纯净、优美的声音是取得成就的标志之一。小 提琴演奏中的飞跳弓、滑音等一些高难度技巧确实为演奏者所向往， 但是小提琴演奏的基本技巧确是最重要的。下面谈谈小提琴演奏基本 技巧的几个环节，只有认真理解这几个环节的重要性和真正含义，这 将使一个演奏者从中受益。 一、提琴的方法 提琴是小提琴演奏中的一个环节，虽然看起来并不是重要环节， 往往正是演奏中很多毛病的来源。准确的姿势是把小提琴放在锁骨上，用左下鄂将它夹住，尾板对准喉咙中间，琴身与人的肩膀构成45度角，但是在演奏中，有些人对持琴不太重视，往往用下鄂夹琴，这样会使 演奏者感到不舒适，会产生僵硬的感觉。还有琴头过于偏低，琴头过 低就会给左手增加重量，弓子也容易滑向指板。关于演奏时琴头的高 度问题，高一点比低一点好。高的琴头能够把提琴的重量倒向脖子和 户膀，演奏高把位时还比较容易。就持琴来说，切记不要使用蛮劲和 任何强制性的力量来破坏自然环境、连续的平衡关系和平衡系统。对 于一些脖子长的人来讲，使用肩垫是解决问题的办法，但一定要注意 肩垫的形状，形状要准确，在演奏中不是所有的人都采用肩垫，对于 脖子短的人来说不用肩垫效果更好。 二、运弓的技巧 对一首乐曲是否演奏得优美动听以及能否恰当地表现乐曲内容， 是和运弓的好坏分不开的。运弓在小提琴演奏中起关键性作用，所以 要特别重视运弓的练习和掌握一些相关技巧。 运弓时，整个上肢都在运动，主要环节是下臂的伸曲运动，同时 上臂、腕与指要协调配合。有些初学者在运弓时，特别是在拉到下半 弓时，大臂夹着，这是一种毛病，拉G弦时，大臂应抬得于肩同高，

弦乐在流行音乐中的作用_New

弦乐在流行音乐中的作用

谈弦乐在流行音乐中的作用 现代流行音乐中的弦乐，一般指的是类似交响乐团中的弦乐组，而且指的是弓弦乐组，即包括了小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴。弓弦乐乐器表达含蓄，声音悠扬缠绵，适合关于情感歌曲的主题，所以流行乐中运用得比管乐器要多得多。提琴自出现以来，广泛流传于世界各国，像钢琴一样，受到世界各洲人们的喜爱。特别是小提琴，由于它艺术表现力丰富、音色优美，具有歌唱般的魅力，所以小提琴最受人们的欢迎。不过流行音乐，可不同于古典音乐，流行音乐的主角是歌手，而不是第一小提琴手或是钢琴家，而且流行音乐的伴奏乐器也不是提琴。弦乐在流行音乐中的运用不同于古典音乐，不可能让小提琴手来一大段的华彩独奏，也不能让提琴替代钢琴和吉他等乐器。所以，弦乐在流行音乐中是配角，起着烘托主旋律、渲染歌曲氛围、丰富色彩和充实歌曲音响效果的作用。 流行音乐很早就在配器中运用弦乐了，不过早期的流行乐中，大多数用电子合成器来演奏弦乐部分，这与乐器的发展是不开的，要追溯到上世纪80年代。那时候的合成器迅速发展，Y amaha和Roland公司不断推陈出新地创造出新的音源，使得那个年代的音乐都带有一点电子味道。虽然那种缺少泛音、逼真性差，而且声音过于干净的音乐，在现在的我们听来觉得很缺乏感情和新意。但是在那个年代，流行音

乐确实以这种声音风靡了好长的一段时间。因为使用电子合成器来模拟弦乐的声音，所以弦乐不可避免的编配得很简单，只演奏歌曲的和弦，或者演奏转位和弦，弦乐的声音也不那么逼真，基本上被融合成了一种叫“弦乐组”的电子音色。而且，因为演奏的内容很简单，所以弦乐被压缩到了一个声部，只要一架电子合成器来演奏就可以了，弦乐的各种特点都不能在音乐中得到发挥。弦乐在一首歌曲的结构中也没有其他作用，一般只是从歌曲的开头到结尾，不间断地持续。这时候的弦乐，在流行音乐中的作用有限，基本只是为了丰富歌曲的音响效果，作为一个用来铺垫的持续音声部，让歌曲的感觉更饱满一点而已。另外，早期的流行音乐对于歌曲也不加选择地，一律都使用了合成器演奏弦乐，来丰富歌曲，这是那个时期音乐的特点。当然，这种实用的编曲手法，到现今的流行音乐当中，也都还在使用。 随着新的世纪的到来，流行音乐也进一步的发展了，而且发展迅速，流行音乐变得越来越复杂，变得非常多元化。但是，在流行音乐的编配中，还是继续地选择了弦乐，而且开始运用多种技巧来表现弦乐的作用，借以来丰富流行乐的语言。流行音乐中，担任主要和声声部的有两种乐器，即钢琴和吉他。不论歌曲选择那种伴奏乐器，都一定会辅以弦乐点缀，特别是以钢琴伴奏的歌曲中。而且，在现在的流行音乐中，虽然使用电脑MIDI编曲很多，但是音乐人在编配乐器的时候，还是会按照每一件乐器来建立一个音轨。所以MIDI的制作，与使用原声乐器在录音室录音的效果，是差不多的。虽然MIDI音乐的音色不能和真实乐器相比，毕竟它属于电子音色，但是在高产的流行音乐

1952年,美国著名小提琴家梅纽因到日本演出阅读答案

1952年，美国著名小提琴家梅纽因到日本演出阅读答案阅读下列一段文字，完成练习。 1952年，美国著名小提琴家梅纽因到日本演出，听说有一位擦鞋童来听他的音乐会，想方设法凑钱买了一张最便宜的票。谢幕后，梅纽因穿越了贵宾席上社会名流的盛情簇拥，径直来到低档席，找到了那位擦鞋童，轻轻问他需要什么帮助，孩子羞怯地说：“我什么都不需要，只想听听您的琴声。” 梅纽因的泪水夺眶而出，一把搂住衣衫褴褛的孩子，把心爱的小提琴送给了他。 30年之后，当梅纽因再度访日演出时，又想起了当年的情景，想方设法找到了在一家贫民救济院工作的小知音。梅纽因得知，30年来尽管他的生活清贫、坎坷，却多次决然地拒绝了想以高价购琴的人。 1．把下列词语和意思连起来。 想方设法著名的人士 羞怯想尽各种办法 社会名流了解自己特长的人 知音羞涩胆怯 2．给这则故事加一个标题：_________________ 3．当梅纽因问擦鞋童需要什么帮助时，擦鞋童说：“___________________________________。” 这表现了擦鞋童对梅纽因音乐的______________。 4．30年后的擦鞋童生活清贫、坎坷，他为什么不把小提琴高价出卖？ _____________________________________________________________________ _ _____________________________________________________________________ _ _____________________________________________________________________ _ 参考答案： 2．珍贵的小提琴 3．我什么都不需要，只想听听您的琴声热爱 4．因为这把小提琴是梅纽因送给他的，是对他热爱音乐的鼓励，是无法用金钱来衡量的。 （意思对即可）

小提琴演奏技巧与方法

小提琴演奏技巧与方法 小提琴演奏技巧与方法 呼吸： 呼吸在任何活动和任何音乐艺术中是首要的，小提琴也不例外。良好的呼吸要求具有均匀吸气和呼气的能力，即吸气和呼气的时间 是同样的。每次呼吸的周期应尽可能地长。在小提琴演奏中，需要 不断地呼吸，而且绝不要屏住呼吸。 初步练习是盘腿坐在地上，双手(掌心向上)放在膝盖上，脊椎伸直，脖子和双肩放松，挺胸拔背来开始呼吸。用表的秒针来帮助计 算每次吸气和呼气的时间。在不间断呼吸的情况下，努力去延长每 次呼吸的长度。 进一步练习是把右手放在鼻子的'上面，用拇指的指尖堵住右鼻孔，用无名指的指尖或指甲堵住左鼻孔放开一点左鼻孔，只让非常 稀薄的空气进入即可。 1、用左鼻孔吸气。 2、当用食指堵住左鼻孔时。稍微地放开一点拇指，用右鼻孔彻 底呼气。 3、用右鼻孔吸气。 4、用左鼻孔呼气。 姿势和伸展练习： 持琴是小提琴演奏中的最困难点之一，它很容易抑制自如的动作，导致一种不自然的姿势。不断地调整动作的能力正是小提琴演奏的 奥秘。良好的姿势基础是从脚趾经过脊椎到头顶的一种垂直伸展姿势。

小提琴演奏者的身体重量落在双脚的大拇趾上的要比落在脚后跟上的稍微多一些，这种前倾的平衡姿势具有更大的活动余地和更多 的轻松感，并有利于演奏的稳定性。 (1)在保持脚趾放松的同时，双脚应稍微向外侧移动一点儿，来 抬高双脚的拱面。 (2)当双脚由于踝骨的内在压力，使它们恢复到自然姿势时，应 保持这种抬高双脚拱面的姿势。 (3)双膝应向后。 (4)当臀部绷紧向前挺身的时候，保持双腿的分开。 (5)收腹并塌腰。 (6)向前方和斜上方挺胸。 (7)向后抬头，伸直脖子。 (8)双肩保持平行与完全放松和下垂，与腰椎对称;双臂、双手和手指自然下垂，其它身体部位的伸展感觉就好像试图接触天花板、 脚跟、大脚趾和其它脚趾正在试图蹬开地面.这些调整无论多么仔细，应该在一次吸气中做完，如果没有训练过呼吸，做这些调整占时间 过长的话，可用几次吸气来做完。 准备活动的基础姿势： a：姿势一：双腿弯曲在躯干的下面，臀部落在双脚后跟上，小 臂和双肘挨着双膝，额头放在地面上。这种姿势，身体像准备弹起 的动作。双肩向前下部伸展，背部拱起，头朝下，脖梗伸直，重心 前移，小臂和小腿不要从地面上抬起。 b：姿势二：后背挺直，双臂下垂在两侧，起身成为一个垂直的 下跪的动作。头部和肩部向后伸展，塌腰，双手握住双脚的后跟时 挺胸向前。 连续的系列伸展练习：

小提琴演奏家帕格尼尼简介

小提琴演奏家帕格尼尼简介 小提琴家帕格尼尼主要作品有《女巫之舞》、《军队奏鸣曲》等，还有吉他曲二百余首，他既是意大利小提琴演奏家同时也是作曲家，人送外号小提琴上的魔鬼。 小提琴家帕格尼尼的父亲从3他岁时就教他学习小提琴的演奏技巧，帕格尼尼每天用 大约12个小时练习演奏，在8岁时创作了第一首小提琴演奏曲，1979年后他的琴声遍布 世界各地，传言他只用四个手指就可以拉出一般人不能拉出的四个八度，他身材瘦长，拉 琴时情绪激昂就像被魔鬼附身，演奏非常精妙。自1800年后帕格尼尼演出获得极大成功，与此同时他也备受疾病的折磨，不管是1828年维也纳演出，还是1831年的巴黎演出都引 起了极大轰动，但从1828年后帕格尼尼的演出越来越少。 他的演奏将小提琴的技巧发展到了登峰造极的境界，为小提琴演奏发展做出了不能磨 灭的贡献，小提琴家帕格尼尼共创作了二十多首小提琴随想曲，其中就有《钟》、《狩猎》等世界名曲，他不遗余力对小提琴的演奏技巧进行创新升华，是最著名的小提琴演奏家之一，帕格尼尼才华横溢但一度赌博成性，最后不得不将自己的小提琴卖掉来维持生活。但 他还是幸运的，荻达通过心灵及音乐上的帮助使他重新拾回自信，并举办了小提琴演奏音 乐会。1840年被誉为“音乐之王”的帕格尼尼离开了人世，享年五十八岁。 帕格尼尼是世界上最著名的小提琴家之一，他不遗余力的对小提琴的演奏技巧进行诸 多创新。法国有位小提琴家曾表示帕格尼尼不只是第一个发展，虽然帕格尼尼使用的一些 演奏技巧在当时早已出现，但已经停滞不前不再创新。当时的杰出小提琴家主要关注的是 音调及弓法，这两个最基础却也最关键的问题。 帕格尼尼的演奏技巧刚好打开了这种僵持的局面，通过他的创新，小提琴作品的创作 性被很大程度的提高了，他的作曲中运用高难度和极其丰富的指法和弓法来取悦听众，帕 格尼尼的演奏技巧并不被认为是最完美的，但他将小提琴的色彩提高到从未有过的高度上，帕格尼尼还是位出色的吉他演奏家，并创作了超过200部吉他演奏作品。 帕格尼尼的演奏技巧之精妙让人无不叹服，他可以在一个把位上用四根弦弹奏出三个 八度，这个特殊的技巧即使在今天来看也是难以想象的，他的灵活性也许是因为马凡氏综 合征，而他的特殊指法，像音演奏技巧，左手拨弦和焕指八度在当时认为是完全不可能完 成的事，直到半个世纪后才由其他小提琴家完成可以与之媲美的小提琴跳跃式发展，而在 现在这种技巧是小提琴家们的常规训练，现代人喜欢用帕格尼尼来形容艺术达到登峰造极 的人也是因为尼科罗·帕格尼尼的成就太过突出。 1782年生于意大利的帕格尼尼，属晚期古典乐派，是闻名世界的著名小提琴演奏家，主要作品有《无穷动》等。帕格尼尼的评价里说小提琴家中任何一个人都没有达到像帕格 尼尼那样辉煌的声望，在和他同一时代的人眼里，他是个奇人和天才的结合体。帕格尼尼

小提琴演奏的方法与技巧

小提琴演奏的方法与技巧 小提琴演奏的方法与技巧 一、规律的抬指可将指法变繁为简 不能想像小提琴家在演奏“tr”时不保留下方音的手指,而是像弹钢琴演奏“tr”时的动作,两个手指轮流交替起落会是什么样子。我想肯定没有人去做这种无意义的尝试。保留指是小提琴指法的特色,是演奏中必不可少的最基本的指法之一。 保留指既可称之为“落指后的延续”,又属于抬指范畴中的“晚抬”。对于演奏者来说,何时保留、何时不保留、保留到哪里再抬起,均是由演奏者本人按照自己头脑中的逻辑来认定的。在合理省力效 果好的原则指导下,把关键乐句眼花缭乱的复杂手指动作理顺。逻辑清晰、起落有序,以最简捷的动作,最少的起落次数,完成最复杂的技巧。 变繁为简――是每一位演奏者必须去做的工作,也是开动脑筋练琴的基本功之一。 谈到小提琴演奏的复杂性、逻辑性,马上容易使人联想到那些誉满全球的神化人物――大侦探福尔摩斯、著名的科学家爱因斯坦等 一批具有发达头脑的人物,他们均被描写成对小提琴演奏情有独钟、甚至达到酷爱的程度的人,足可证明,小提琴演奏本身就是一门极为 复杂、充满逻辑又独具艺术魅力的科学。 二、培养良好的抬指习惯 一般说来,左手手指是用哪个落哪个,有的还需提前落,但绝不是落指后不用时马上就抬起来。有的仍需保留在弦上待用,以减少起落的次数。

究竟保留指多些好,还是少些好呢?如果从手指的逻辑性、省力、音准等方面把握考虑,多比少好。但如从手指的灵便、敏捷和揉弦自 如的程度来看,少用有利。关键在运用得适时、适处、适度。也就是 要掌握好运用的分寸。千万不要未加思索用过就抬,一旦成了习惯, 这种下意识的不良动作将在演奏中根深蒂固,很难彻底改正。 同样,当逻辑合理的抬指规律形成后,也会产生正确的条件反射, 变成良好的下意识的保留习惯。当眼睛扫过乐谱时,会像头脑算度极 精的围棋高手,洞察全盘,望穿百步,周密思考而无一疏漏。瞬间就能 反映出谱面所未显示的抬指的内在规律,迅速形成合理而科学的手指 动作的最佳逻辑组合。也就是说,脑筋开动得多了,越用越灵活,越用 思维越严密,越用反应越快,脑熟也同样生巧。 三、可以会而不用,不能用时不会 符合逻辑的手指起落是左手基本功之一。 观察演奏者的指法逻辑,特别是抬指规律,其思考的逻辑性及用脑练琴的`程度便可一目了然。 如果我们把练习分为三个阶段的话,那么,读谱试奏可称之为一度用脑阶段。旨在了解作品风格、布局及全貌。然后要进入选择最符 合音乐要求的弓、指法,这为二度用脑阶段。在这个阶段中所要寻求 出的指法内在规律,已是谱面上所未显示的了。在三度用脑阶段,主 要是深入挖掘音乐内涵,不断增强理解,独立并有所创新的处理乐曲 直到完美再现作品。 在第一阶段,新鲜感会使人兴奋。第三阶段,即将成功地再现作品令人喜悦。 唯有第二阶段所面对并必须做好的是那些近于繁琐又艰苦、耐心细致的工作――即头脑对指法逻辑的全面推算、比较、判断和应用。这恰恰是极易被忽视的。每个落下的手指,抬早了会增加起落次数和 复杂程度,打乱手指逻辑,会感到忙乱;抬晚了会给后面再落的手指增 加额外的负担和不必要的难度,会感到笨重。只有抬得不早不晚,使 手指落得有道理,抬得有规律,有条不紊,精确有序,才能在今后面对 听众的演奏中从容不迫、正常发挥。

世界著名小提琴演奏家介绍

世界著名小提琴演奏家介绍 马雷夏尔(MauriceMarechal，1892～重964)法国最优秀的大提琴家。演奏潇洒，音色纤细透明。 马伊纳尔迪(EnricoMainanll，1897～1976)意大利大提琴家。演奏以优美纤细的音色和典雅的风格为特征。擅长演奏巴赫的作品。 瓦列芙斯卡(ChristineWalevska，直944～)美国大提琴家。演奏技巧完美，具有丰富的内涵。 卡萨多(GasparCassado，1897～1966)西班牙大提琴家。演奏舒展大方，充满高亢的情绪和诗一般的韵味。 卡萨尔斯(PadloGasals，187973)西班牙大提琴家。一生主要从事演奏活动。 让德隆(MauriceGendron，1920～)法国大提琴家。演奏潇洒辉煌，自然流畅。 皮雅蒂戈尔斯基(GregorPiatigorsky，1903～1976)美国大提琴家。演奏细腻精致，具有较强的抒情性。 西尼格罗(AntonioJanigro，1918～)意大利大提琴家、指挥家。演奏明快流利，格调高雅而富于抒情性，以演奏巴罗克时代作品为主。 托特里埃(PaulTortelier，1914～)法国大提琴家、指挥家。以独奏与室内乐重奏著称，演奏曲目甚广，擅长于演奏巴赫无伴奏大提琴组曲和贝多芬大提琴奏鸣曲。演奏技巧卓越，富有气魄和感染力。 杜普蕾(JacquelineDuPre，1945～)英国女大提琴家。演奏不拘细节，洒脱奔放。

沙夫兰(DaniilShafran，1923～)前苏联大提琴家。演奏洗练、优美、富有抒情性，被称为“大提琴诗人”。 纳瓦尔(AndreNavarre，1911～)法国大提琴家。擅长演奏古典作品，演奏轻快流畅，富于歌唱性。 帕尔姆(SiegfriedPalm，1927～)德国大提琴家。演奏柔和优美，富有韵味，丰富了大提琴的表现力。 罗斯(LeonardRose，1918～)美国女大提琴家。演奏技巧扎实，音色优美。 佩雷尼(PerenyiMidios，1948～)匈牙利大提琴家。演奏技巧稳定，音色优美，反对炫耀技巧，注重表现作品的内涵。 泽尔海姆(Friedrich—JurgenSellheim，1948～)德国大提琴家。与其兄组成的二重奏闻名国内外。演奏技巧完美，音色纯净。 哈勒尔(LynnHarrel，1943～)美国大提琴家，演奏表情细腻，高音区音准准确。 萨德罗(MilosSadlo，1912～)捷克大提琴家。演奏质朴稳健，有内在的热情和韵味。 斯塔凯尔(StarkerJanos，1924～)匈牙利大提琴家。演奏技巧完美，稳健沉着而富有个性，善于掌握作品特点。 奥涅格?亨利(HenriHonegger，1904～)瑞士大提琴家。演奏摒弃追求现代技巧的时尚，注重情感的塑造和刻画。 富尼埃(PierreFournier，190986)法国大提琴家。演奏曲目广泛，尤以演奏巴赫无伴奏大提琴组曲著称。演奏以明朗而细腻为特色，反对炫耀

中外著名音乐家(一)

中外著名音乐家（一） 1.钢琴演奏家－－孔祥东 孔祥东，当今国际乐坛最优秀、最活跃的中国钢琴家。已有40多个国家和地区的观众亲身感受过他那激情洋溢的演奏，被西方媒体盛赞为“一个世纪只能出一到两个，真正能激动人心的天才钢琴家”和“一代天之骄子”。 在孔祥东的生命历程中，凭借不懈的努力和对钢琴艺术的执着追求，赢得了无数的鲜花和荣誉。1986年莫斯科柴可夫斯基国际钢琴大赛与1987年的西班牙桑坦德尔国际大赛中，他两度成为最年轻的获奖者，从而引起世界乐坛的注目；1988年他成为了美国吉纳?巴考尔国际比赛金奖得主；1992年他一举获得第五届悉尼国际钢琴比赛的第一名大奖以及四项特别奖。 孔祥东曾为BMG/RCA唱片公司、澳大利亚的Walsingham Classics、美国的Arcadia、香港的Wave Motion，以及中国唱片公司灌录个人专辑，在全球广受好评；他是第一位在著名的好莱坞露天剧场演奏的中国钢琴家；1997年，他参与策划了在洛杉矶举办的大型中国歌舞音乐烟花晚会“为中

国喝彩！”(Bravo China)，大获成功！如今，这个晚会已成为一个知名电视文艺品牌；1999年，他成为第一个在西藏拉萨举行大型音乐会的艺术家，与三次获得奥斯卡金像奖的作曲家乔治奥?莫若德一起创作的《西藏梦》的大型钢琴组曲的首演获得了巨大的成功；2000年，受邀参加澳门回归一周年庆祝音乐会，激情演奏《黄河》协奏曲，轰动濠江及海内外，被***主席热情称赞为“最为激动人心的演奏”；2002年，他成为第一位在台北演奏原版钢琴协奏曲《黄河》的钢琴家，引起了海峡两岸热烈的反响；2003年被评为“十大上海制造”人物之一；2004年他受奥地利联邦总理府邀请，成为第一位在维也纳金色大厅举行钢琴独奏音乐会的中国音乐家……孔祥东的名字已成为国际乐坛极之响亮，令中国人为之骄傲的名字！ 作为著名钢琴家，孔祥东从没有忘记肩负着推广中国钢琴艺术普及的重任。1997年，他在上海浦东新区创办了“孔祥东音乐艺术中心”，致力于普及钢琴教育，促进中西方文化交流。如今，“孔祥东音乐艺术中心”已经在上海、北京、深圳、西安、合肥、澳门、南昌等城市建立了20所分校;2004年8月,集孔祥东音乐艺术中心、孔祥东音乐幼儿园、孔祥东音乐艺术学校、孔祥东音乐艺术学院等所有艺术教育资源

小提琴演奏技巧之技巧篇

小提琴演奏技巧之技巧篇 一个完美的演奏者首先应该具备正确、扎实而又牢固的基本功，它是演奏发展的关键。而音准、发音、节奏则是所有音乐的根本。在小提琴的演奏基础中有关持琴握弓、演奏姿势、左右手技巧、弓指法的运用和揉音的方式都是掌握这项乐器的具体技术。那么，在小提琴演奏中关于音准、发音、节奏这三项基本功的表现又是怎样的呢? 音准是弦乐器专业最基本的要求，同时也是小提琴最难掌握的技术我认为良好的音准主要是建立在由耳朵指导的触指感觉上的。实际上就是要求演奏者在脑子里首先要有一种固定的音高概念，也就是预先听觉。具有这种预先听觉的演奏者绝大多数是需要通过视唱练耳的训练而形成的。同时，演奏者天生的音准素质也是很重要的，因为很难指望一个五音不全、毫无音高概念的人会有音乐发展。当我们的耳朵具备了控制音准的能力，然后，我们通过各种练习，将视觉、听觉、触觉加以结合，并通过长期严格的磨炼，最终达到把握音准。可以说养成这种随时辨别音准的好习惯是十分重要的，也是必需的。具备了这种对音准的敏锐性，将大大提高演奏者的演奏水准。当我们的音高概念形成并已逐步掌握一些基本技术时，以下两点对小提琴音准的把握非常关键。 手的框架 左手的框架是手指的基本位置，也就是在任何琴弦、任何把位的 1 、4 指的八度音程。在这个八度框架之内，2 指和3 指各有两个位置，一个是弯曲的，一个是伸长的。举个例子，在D 弦和A 弦中形成E — E 的1 、4 指八度，二指的F 和C 是弯曲的，在演奏# F 和# C 时是伸长的;三指的G 和D 是弯曲的，在演奏# G 和 # D 时是伸长的。这种八度框架的概念应该牢固的树立在演奏者的头脑中，在手指所到的任何把位，无论它是弯曲的位置还是伸长的位置都应当将框架的感觉记住。值得一提的是，这种八度框架的位置形状保持到第六七 把位后，在更高把位时由于弦短了，音准的距离位置也逐渐变得密集了，手的框架才有所改变。此时，也就是在第八把位时，手框架的距离是第一把位时的一半。 左手的换把 左手的换把是小提琴技术的重要环节。在掌握小提琴技术的初级阶段，我们必须首先将第一把位的概念建立牢固，然后才能开始进入新的固定把位的学习。赫利美利/ J .H R I M A L Y 音阶练习在第一至第五部分有较

他买了全世界最顶级的小提琴

他买了全世界最顶级的小提琴 顶级薛伟vs 耶稣﹒瓜奈利Top violin 薛伟\ 耶稣﹒瓜奈利\ 格鲁米欧\小提琴 世界最顶级小提琴来到中国,首次被我国名家购得01 耶稣﹒瓜奈利介绍意大利制琴的“大名头”，是与世界制作小提琴史上最著名的“斯特拉迪瓦利”齐名的大家。据说,斯特拉迪瓦利的琴现存世600把左右，瓜奈利的琴存世量在150把左右，经确认的有47把，瓜奈利制作的小提琴因帕格尼尼演奏过《无穷动》而名气大增,这些琴现在每把都是“天价”。耶稣﹒瓜奈利是世界最顶级的小提琴制作家,全世界演奏家的终身目标就是能拥有一支耶稣﹒瓜奈利的琴。●薛伟出生于河南开封。是世界著名小提琴演奏家，曾赢取柴可夫斯基小提琴大赛银奖，卡尔·弗莱什国际小提琴大赛金奖并囊括了其他所有奖项，创下有史以来中国人在世界音乐大赛中最高最多奖项。提到耶稣·瓜奈利的名字，很多演奏家都非常熟悉。最近，耶稣·瓜奈利制作的世界最顶级小提琴，被我国著名小提琴家薛伟买入，让这支名琴首次来到了中国。由于耶稣·瓜奈利去世较早，留存在世的琴非常稀少，因此额外珍贵。“这是一件非常难得的事，说明了中国能有这样的能力，也有这样的中国人愿意下决心买它。事实上，历史上中国也曾有这样的琴出现过，但后来因战争而被送走，但如今才真正意义算是来

到中国。”郑荃教授讲到。作为当代中国最负盛名和影响力的国际小提琴大师，薛伟曾获国际柴可夫斯基小提琴大赛银奖以及卡尔·弗莱什国际小提琴大赛金奖等诸多奖项，并出版了大量CD。年仅25岁时就被英国皇家音乐学院聘为教授。在25日的名琴分享会上，薛伟向环球展示了这把曾经属于著名小提琴大师格鲁米欧的耶稣·瓜奈利小提琴。他表示，能够买到这把琴实属巧合，但也历尽了千辛万苦。当时，日本基金会也提出要购买此琴，为了不让琴被买走，薛伟经过一番努力和耐心等待，终于成功了。薛伟没有透露琴的具体价格，但据了解，此前德籍华人购买的耶稣·瓜奈利之琴约为1.6亿人民币左右。那么，这样的一支琴对演奏家的意义是什么呢?薛伟说，一支好琴能够放大所有可能，能让演奏家的想像力生出一双翅膀。“ 比如，一个油画家手里只有三种颜色，尽管他有丰富的想象力，也不能调配出太多的变化。但有了瓜奈利的琴，你就能够驰骋赤橙黄绿青蓝紫。”薛伟这样比喻到。同时薛伟表示，虽说好琴重要，演奏家的创造力才是根本，否则再好的琴也不能让你心里的种子成长。”近年来，除了研究音乐和哲学，薛伟还做了很多公共外交的工作，这让他受益匪浅。“我希望能为国家和社会做一些事情,弘扬更多的正能量。”薛伟说，拿到琴的一刻，世界似乎又一次敞开了。02一支好琴能让演奏家的想像力生出一双翅膀。薛伟，籍贯江苏无锡，生在河南开封。8岁学琴，14岁考入上海音乐学院

学习小提琴的23条心得与建议(面向初学者)doc

学习小提琴的23条心得与建议（面向初学者） 一、各位打算让自己孩子学习小提琴的家长，定尽早让小孩学习；最早可以从三岁学起，因为小孩可塑性强，易养成良好的习惯。在学习之初，枯燥无味，孩子大多厌学，家长切忌打骂以免孩子对其产生恐惧和厌恶，应注意培养孩子的兴趣。 二、正式学习之前，应先学习正规的音乐理论（低龄儿童可稍后再学）。 三、从学习之初养成好的习惯，如正确姿势，可对着镜子练习及时纠正错误。 四、初学者可找一个比较可靠的小提琴手作陪练，有利于提高学习效率。 五、每天坚持练习基本功 1 右手运弓，以长弓（四拍音）为主ADGE依次。其他弓法，如跑马弓，断弓，顿弓等等。也可在曲目中一并练习。 2 左手专项练习，即各把位的手指练习，以一把位为主。辅以自然泛音及人工泛音。 六、多练习音阶，练习曲。应试考试教程中的音阶及练习曲是远远不够的，因此，可以自备；书店中关于小提琴音阶的书籍不少，可视自身情况选择，其中各个调的大小调音阶（包括自然小调，和声小调，旋律小调 七、在练习考级曲目之余,可自备一些较短的曲目.如一些比较大众化而又不落俗套的的中外名曲,甚至可以练习流行歌曲.有助于提高自学能力和排挤练习考级曲目的枯燥无味. 八、多多练琴,抽出一切可以利用的时间来练习.并且练得要有效率.善于总结出适合自己的练习方法. 拿到新的曲子,先将曲子分解开,即.先练习音准,然后加入节奏.弓法以及表情记号.不要急于求成,用一个良好的心态来练习,遇到容易错的地方,用笔标出,起到提醒的作用.有条件的可以买到所练习曲目的录音带,一边听一边读谱,就像预习课文一样.练习的时候一定要打拍子,可辅以节拍器.但是最好要亲自打拍子,有助于更好的掌握乐曲的节奏. 九、六级以上的学员,模唱、视唱、练耳的专项练习是必不可少的。市场上有许多此类书籍。中央音乐学院出版的《音乐理论试题》的这部分专题比较科学和直观。视唱练习有助于耳朵的辨音准能力，又可以提高自己的读谱的能力。一个很好的耳力是很重要的，起码可以听出自己的音准不准。 十、调音定弦。先确定一准音A的高低，一般情况下，可以用四孔校音器或者音叉（a音）。音叉的音高是比较准确的，但是音叉定音难度较大。因为音叉反映的是一个音的高低，其余三根弦的音准调试要以A弦为基准，以纯五度和弦的协调程度来确定。而四孔调音器则简单一些，它有G D A E 四根弦的音准，可以逐一的去对准。但是。由于市场上的这一类产品大多数以吹奏发声为准，其本身的音准没有保证，所以，建议用音叉来调音。此外。市场上还有一种电子试音器，本人认为，这种产品的可信度不如物理发声的调音器。 无论用那一种机器调音，首先要确定一根弦的的准确音高，即，与调音器的声音是同度音高。这就需要一个过关的耳力，才真正辨得准。由于小提琴的弦轴活动的幅度较大，手动调音的力度很难把握，建议四根线都配有微调器。以便从细节上调整音高，培养起严谨的调音习惯。最好使用牵引式的微调，因为挤压式的微调对琴弦磨损的很严重，并且容易松动、在演奏过程中产生杂音，故不宜使用。选购微调的时候首先试其螺母的的灵活度，不一太紧，否则使用的时候由于琴弦的张力，给调音带来不便。 十一、小提琴的爱好者在学习过程中，所遇到的困难一定要及时的反映给指导教师，以免日久误入歧途。此外，六级以上的学员可在自己有把握的情况下指导低年级的学生。这样有利于培养和发挥自己的音乐素质并将自己对音乐的独到见解传播开来。 十二、学习过程一定要严谨，严格执行谱子中的每一个记号。尤其是表情记号比较抽象，一

小提琴演奏的基本技巧

小提琴演奏的基本技巧 A、呼吸： 呼吸在任何活动和任何音乐艺术中是首要的，小提琴也不例外。 良好的呼吸要求具有均匀吸气和呼气的水平，即吸气和呼气的时间是 同样的。每次呼吸的周期应尽可能地长。在小提琴演奏中，需要持续 地呼吸，而且绝不要屏住呼吸。 初步练习是盘腿坐在地上，双手(掌心向上)放在膝盖上，脊椎伸直，脖子和双肩放松，挺胸拔背来开始呼吸。用表的秒针来协助计算 每次吸气和呼气的时间。在不间断呼吸的情况下，努力去延长每次呼 吸的长度。 进一步练习是把右手放在鼻子的上面，用拇指的指尖堵住右鼻孔，用无名指的指尖或指甲堵住左鼻孔放开一点左鼻孔，只让非常稀薄的 空气进入即可。 1、用左鼻孔吸气； 2、当用食指堵住左鼻孔时。稍微地放开一点 拇指，用右鼻孔彻底呼气；3、用右鼻孔吸气；4、用左鼻孔呼气。 B、姿势和伸展练习： 持琴是小提琴演奏中的最困难点之一，它很容易抑制自如的动作，导致一种不自然的姿势。持续地调整动作的水平正是小提琴演奏的奥秘。良好的姿势基础是从脚趾经过脊椎到头顶的一种垂直伸展姿势。 小提琴演奏者的身体重量落在双脚的大拇趾上的要比落在脚后跟 上的稍微多一些，这种前倾的平衡姿势具有更大的活动余地和更多的 轻松感，并有利于演奏的稳定性。 （1）在保持脚趾放松的同时，双脚应稍微向外侧移动一点儿，来 抬高双脚的拱面。

（2）当双脚因为踝骨的内在压力，使它们恢复到自然姿势时， 应保持这种抬高双脚拱面的姿势。 （3）双膝应向后。 （4）当臀部绷紧向前挺身的时候，保持双腿的分开。 （5）收腹并塌腰。 （6）向前方和斜上方挺胸。 （7）向后抬头，伸直脖子。 （8）双肩保持平行与完全放松和下垂，与腰椎对称；双臂、双手 和手指自然下垂，其它身体部位的伸展感觉就好像试图接触天花板、 脚跟、大脚趾和其它脚趾正在试图蹬开地面．这些调整无论多么仔细，应该在一次吸气中做完，如果没有训练过呼吸，做这些调整占时间过 长的话，可用几次吸气来做完。

世界十大交响乐团简介

世界十大交响乐团简介 2007年09月25日05:47 出处：泡泡网【原创】作者:网络资料收集编辑:王旭晗 交响乐或称交响曲，源出于古希腊文的“和谐“之意。它被用为音乐作品的名称，最早出现于十八世纪上半叶，为歌剧的管弦序曲。 每年一次的维也纳新年音乐会 现代意义的交响曲是指一种用大型管弦乐队演奏的器乐套曲，是音乐表现的最高形式，它能表现重大的题材，丰富的感情和深刻的思想。从创作到演奏都要求较高超的技巧。为此它是衡量一个国家或民族的音乐文化水平的重要标志。

里尔卡多·穆蒂（指挥） 而在现实生活中，气势恢弘、感情细腻、表现力无限丰富的交响乐拥有大量坚定的爱好者，并且被绝大多数人称作是高雅的艺术享受。 别的不说，每年的维也纳新年音乐会就吸引了全球无数爱好者的目光，可见其美妙之处。所以，今天小编别的不谈，就给大家来介绍几家著名的交响乐团。

1、维也纳爱乐乐团 既然刚才提到了维也纳新年音乐会，那我们就先来看一看一直为其演出的维也纳爱乐乐团吧。它的精湛技艺在全世界首屈一指，是当今世界公认的最优秀的乐团。这支乐团创建于一八四二年。众多的一流音乐家和指挥家都曾担任这支乐团的指挥：理查德·施特劳斯、玛勒、伏特温格勒、勃姆、卡拉杨。如今，维也纳爱乐乐团定期在维也纳国家歌剧院和维也纳音乐家协会举行演出，深受全世界各国乐迷的青睐。 1842年3月28日，维也纳爱乐乐团举办了第一场音乐会。这个时候，一代大师莫扎特已经逝世半个多世纪，而贝多芬也离开人世十五年了。 维也纳爱乐乐团 尽管维也纳是一个几乎代表了欧洲近代音乐发展史的城市，这里孕育了古典、浪漫乃至现代的一系列作曲大师，海顿、莫扎特、贝多芬那一首首动人心魄的杰作即产生于该城，但说来难以置信的是，直到19世纪初期，维也纳还没有一个真正意义上的职业交响乐团。直到1833年，舒伯特的友人、宫廷歌剧院的指挥弗朗茨·莱赫纳突发奇想，召集起歌剧院的演奏家们，组织了一个名为“艺术家协会”的管弦乐团，并在维也纳的舞会大厅连续举行了4场音乐会，引起了市民和音乐界的极大兴趣，这个“艺术家协会”可以算是维也纳爱乐乐团的前身，但是莱赫纳的设想并没有全盘付诸实施，4场音乐会后，一切都烟消云散。 直到9年后，一群常常有“寻找爱神”小酒馆里聚会的“爱乐者”重新捡起这个话题，他们是：诗人尼克劳斯·冯·勤淄，《维也纳大众音乐报》编辑奥古斯特·施密特，青年评论家阿尔弗雷德·贝克尔，贝多芬的友人、业余小提琴家卡尔·霍尔茨，劳伦钦伯爵和指挥家、作曲家、歌剧《温莎的风流娘们儿》的作者奥托·尼古拉。1842年3月28日，在维也纳舞会大厅，维也纳爱乐乐团的历史开始了崭新的一页，奥托·尼古拉在朋友们的压力下站在了首场爱乐音乐会的指挥台上，而“爱乐”这个修饰语出现在第二场音乐会的节目单上。

小提琴演奏家

小提琴演奏家 01.阿卡多 Salvatore Accardo 1941— 意大利小提琴家，早年在那不勒斯音乐学院从安布罗西亚学琴，1956年毕业后到锡耶纳从阿斯特路斯进修，1958年在热内亚参加帕格尼尼小提琴比赛获一等奖，此后开始旅行演出。阿卡多喜欢名琴，他使用和借用的名琴能充分展示他高超的技巧与亮丽的音色，他的琴声因此而往往最亮和最为辉煌。他有“帕格尼尼专家”之称，其演绎的帕格尼尼技巧之绚丽，旁人不能及；他录制的全套布鲁赫的小提琴与乐队作品也是布鲁赫的表现最佳者。此外，他使用4把不同的史特拉底瓦利名琴演奏的维瓦尔第的《四季》，也是这个曲目的最佳选择之一。 02.布什 Adolf Busch 1891—1952 德国小提琴家，里斯的得意门生，1912年起任维也纳交响乐团首席，1918年继马尔托任柏林高等音乐学校教授，1919年组成著名的布什四重奏团。1931年应托斯卡尼尼之约赴美，演奏贝多芬的小提琴协奏曲，赢得高度赞誉。二战期间，流亡瑞士，组织“布什室内乐团”，演奏的许多类似巴赫的《勃兰登堡协奏曲》等古典作品，曾风摩一时。1938年，他与塞尔金合作，演奏全套贝多芬小提琴奏鸣曲，获很高的评介，其演奏以表情高洁、风格清面而著称。 03.贝尔 Joshua Bell 1967— 美国小提琴家，出身于印第安纳，受业于吉戈德(Josef Gingold)，1981年14岁就与费城管弦乐团合作演出，在科蒂斯音乐学院学习，毕业后与美国各大乐团合作协奏曲，也参加室内乐演出。其演奏追求音色的表达与细腻的层次显示，在室内乐方面似有更好的表现。 04.坎波利 Alfredo Campoli l906— 意大利小提琴家，5岁随父母迁居英国，9岁在伦敦举行独奏会，被视为神童。13岁参加伦敦音乐节小提琴比赛，赢得玛丽皇后金牌奖，15岁起开始巡回演出。1944年与伦敦爱乐乐团合作，出色地演奏布拉姆斯的小提琴协奏曲，获得音乐界高度评介，把他与海菲茨相提并论，坎波利琴艺高超，被认为是帕格尼尼之后意大利最杰出的小提琴家之一。 05.郑京和 Kyung—Wha Chung 1948— 韩国女小提琴家，5岁学琴，9岁在汉城交响乐团音乐会上演奏门德尔松小提琴协奏曲。 1961年随父母去美国，考入朱利亚德音乐学院，从加拉米安学习。1967年参加利文特里特国际比赛获一等奖，1970年与伦敦交响乐团合作，在普列文指挥下演奏柴科夫斯基的小提琴协奏曲，一举成名。郑京和的演奏，感情幅度大，音质细腻，有丰富的冷暖色调变化。她演奏的巴托克、斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、布鲁赫等人的作品，乐坛都给予佳评。 06.杜梅 Augusfin Dumay 1949— 法国小提琴家，10岁入巴黎音乐学院，其才华受谢霖赏识，曾代替谢霖在南美巡回演出，名声大震。除受谢霖指点外，还拜米尔斯坦与格吕米奥为师。其演奏既有法国风格的细腻、浪漫与高雅，又有一种迷人的豪放。杜梅先在EMI公司

小提琴曲《渔舟唱晚》的作品分析和演奏技巧

小提琴曲《渔舟唱晚》的作品分析和演奏技巧 摘要：文章主要介绍了娄树华以古曲《归去来》为素材发展而成小提琴曲《渔舟唱晚》的背景知识，并深入乐曲各个细节与大家分享了关于该曲的演奏技巧，且针对泛音和拨弦做了技巧介绍，对初学者有较大的帮助。 [关键词] 小提琴曲《渔舟唱晚》演奏技巧节奏乐曲处理

目录 引言 (1) 二、小提琴曲《渔舟唱晚》乐曲分析 (1) (一)曲式结构 (1) (二)旋律分析 (2) (三)调性分析 (2) (四)音色分析 (3) 结论 (4) 致语 (5) 参考文献： (5)

引言 《渔舟唱晚》原是一首颇具古典风格的筝曲，后被黎国荃改编为小提琴曲。乐曲以歌唱性的旋律，形象地描绘了夕阳西下，晚霞斑斓，渔歌四起，渔夫满载丰收的欢乐情景，表达了作者对祖国大好河山的赞美和热爱。 一、小提琴曲《渔舟唱晚》简介及创作背景 古曲《渔舟唱晚》，是根据唐代诗人王勃在《滕王阁序》里：“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色。渔舟唱晚，响穷蠡之滨”中“渔舟唱晚”四个字而得名，乐曲生动地表现了江南水乡在夕阳西下的晚景中，忙碌了一天的渔舟归航时，江面歌声四起的动人场景。《渔舟唱晚》最早为古筝曲，是我国近现代古筝演奏家和教育家———子猷先生传谱的一首古筝作品[1]。作品在曲式结构上突破了传统的六十八板单一曲式，通过不同段落体现音乐形象的对比和发展，并运用了西洋音乐曲式中音型模进和乐段，具有高度的演奏价值和艺术水平，表现了作者对祖国山河的热爱和赞美。在经其高足娄树华先生领悟、演奏并传播，成为是我国十大传统名曲之一，更是一首闻名世界的中国古筝曲。 二、小提琴曲《渔舟唱晚》乐曲分析 (一)曲式结构 小提琴曲《渔舟唱晚》分为三段，第一段用慢版奏出韵致悠扬而富于歌唱性的旋律；第二段在调式有所变化的基础上，从第一段上下八度关系的曲调中发展而来；第三段用快板奏出一连串模进音符，描绘渔舟满载而归的喜悦场景[2]。虽然篇幅较小，但整首乐曲简练而精致，一气呵成，展现了作者深厚的艺术创作功底和强烈的艺术感染力。(二)旋律分析 乐曲的前半部分（第一段），乐句与乐句基本上是上下对答的“对仗式”结构，给人结构规整之感；乐曲的后半部分（第二、三段），则运用递升、递降的旋律和渐次发展的速度、力度变化，表现了百舟竞归的热烈情景［3］。全曲大致可分为三段。 第一段，慢板。这是一段悠扬如歌、平稳流畅的抒情性乐段。配合左手的揉、吟等演奏技巧，音乐展示了优美的湖光山色———渐渐西沉的夕阳，缓缓移动的帆影，轻轻歌唱的渔民……给人以“唱晚”之意，抒发了作者心的感受和对景色的赞赏。 第二段，音乐速度加快。这段旋律从前一段音乐发展而来，从全曲来看，“徵”音

小提琴十大关系

小提琴十大关系 经过多年的实践，林耀基对小提琴演奏艺术总结出外在的四对矛盾，内在的六大关系，统称为"小提琴演奏的十大关系" 外在的四对矛盾是： 一、人体与乐器 林耀基认为小提琴演奏家和歌唱家相比，有一个先天的遗憾，歌唱家的声带长在人的身上，小提琴家的乐器是身外之物。要想使小提琴的声音接近歌唱，就必须将琴和人体紧密地结合在一起。他经常幽默地批评那些持琴过于松懈的学生"琴和脖子中间可以飞过一只麻雀"。他主张持琴要尽量贴近脖子，使琴变成人体的一部分。弓子好像歌唱家的气，也要成为人体的一部分，五个手指巧妙地和弓子相结合，使弓子变成右臂的延伸。正确的姿势，是演奏者良好的基础。 二、琴弓与琴弦 用弓毛摩擦琴弦，使琴发出声音，是小提琴演奏的第一步。在弓毛作用于琴弦的过程中充满了矛盾。压力大小、弓速快慢以及接触点和角度等，都是直接影响发音的重要因素。林耀基精辟地提出运弓要"一直、二平、三稳"。"直、平、稳"便于解决各种弓弦矛盾，发出"匀、准、美"的声音。 三、左手与右手（左臂与右臂） 小提琴演奏者和钢琴演奏者相比，也有一大遗憾：钢琴演奏者的两个手臂的姿势是一致的；而小提琴演奏者的两个手臂的姿势却截然不同，左右手经常出现互相干扰和"分家"的情形，这是小提琴（包括所有弦乐器）演奏者身上出现的最突出的矛盾。林耀基简明地提出"动作要分家，演奏不分家"。关于这一点，他曾有详细的解释："两手的动作和感觉虽然不同，但我们的音乐表现必须是一致的，也就是说左右两手的动作必须统一在共同的音符上。这就要求双手彼此相通，保持默契。经过体察，我们发现把弓放在弦上，左右手两极就通过弓与弦接通了。弦乐器演奏的外形很像一个能伸缩的大环，琴身被人夹住，好像固定这个大环的梁。这个大环由人体、琴身、弓子三个部分组成，所以有三个连接点：左手持琴按弦点、右手握弓子和弓弦接触点。如果在演奏时能使这三点有机地结合在一起，彼此气息相通，我们就可以自由自在地‘歌唱’。" 教授还有一个神话般的口诀："三点相通声音通，点点相连显神通，三点合成一颗珠，串起珠子闹天宫。" 讲的就是三个点互相联结的重要性。 四、部位与整体 在小提琴演奏中，人体（主要是双臂）每个部位的动作是不同的，但又联合为一整体。既要分清部位、各守岗位，更要紧密配合。对于左手，林耀基有这样一个口诀："指根发力到指尖，手指关节不发蔫，指头轮休存耐力，手指独立实又坚。"对右手也有一个口诀："肩肘腕指环扣环，整体动作不零散，上臂下臂联合动，大刀阔斧声音宽。"都具体明确地阐明了部位与整体的关系。 小提琴内在的六大关系是： 一、用力与放松 很多人在演奏时从心理到身体都常常出现"紧张"状态。多年来"放松"的课题贯穿在小提琴教学之中。但对"放松"这一概念的理解却不尽一。林耀基认为"放松就是去掉多余的力"。演奏小提琴是一种运动，运动就需要力。持琴、握弓、左右手的演奏都需要一定的力。重要的是在演奏的不同情况下，用什么样的力，用多少力。用力是否适当，是"放松"和"紧张"的分界线。比如运弓，弓子和右臂的自身都有一定的重量，在演奏时"弓放弦上，手放弓上"所产生的力量 "1+1=2"。充分运用这两个自然重量，演奏就会省力，省力就是放松。相反，如果用了多余的力把弓子过紧地抓起，这个多余的力就会把弓子的重力抵消，两者的力量不是相加而是相减："1-1=0"，这样演奏就会费力，就会出现"紧张"状态。由于杠杆的原理，弓子在运行时随着部位的变化，作用于弦的重力也在不断地变化，要想奏出均匀的声音，就需要手指手臂的调节，增减变换所用的力量。如果我们用的是最低限和最必要的力，这个力的绝对值再大也不能叫做"紧张"。林耀基经常对学生说："我们所说的放松不是睡觉时的绝对放松。"而要在"运动中寻求放松"。"放松"的原则不仅体现在运弓上，它要体现在整个演奏大环之中，它要贯穿演奏的全过程。 二、动与静 事物的运动是绝对的，但在绝对运动之中存在着相对静止，没有相对的静止，也就无所谓运动，两者互相依存，相辅相成。小提琴演奏中也存在着"静"的因素，抓住"静"的因素十分重要。比如左手手指按住琴弦以后就要安静下来，