儿童美术：浅谈工笔画的笔墨和色彩

儿童美术：浅谈工笔画的笔墨和色彩

工笔画是中国传统绘画的重要组成部分，至今已有近两千年的发展历史。其精勾细染的艺术技法在中国画坛独树一帜;其意象造型的表现手法，在艺术处理上精微而不失匠气，工致而富有绘画性，为工笔画的发展留下广阔的拓展空间。

远古的帛画，以线赋彩，成为中国工笔画最基本的表现形式。祖先们在生活和劳动实践中持续完善绘画手法，逐渐形成了双勾填彩、双勾细染的画法。魏晋南北朝是中国工笔画发展的重要阶段。以莫高窟为代表的壁画，无论是富丽的色彩或是浓厚的宗教题材，都体现着先贤们娴熟的工笔表现手法。唐代的工笔画达到了一个新的高度，吴道子、张萱、周昉当为这个时期的代表画家，其工笔人物画线与墨、线与彩的完美结合至今令人叹为观止。宋徽宗赵佶喜爱绘制工笔花鸟画，改革了画院体系，提升了宫廷画家的地位，建立了画学制度，从而使院派工笔画，达到了历的辉煌期。工笔画走向民间当在元、明、清时期，尤以明清后，因为诸多因素，导致工笔画日渐式微;在文人水墨写意画主流冲击下，虽有仇英、“二袁”等职业工笔画家的努力，但是工笔画一直处于消沉状态。近代的工笔大家陈之佛、于非闇虽成果斐然，却仍未摆脱工笔画的低迷窘境。现代中国工笔画的复苏期是在上世纪80年代的改革开放时期;而近20年经济繁荣、“西风东渐”迎来了工笔画发展的辉煌时代。

与其他国家的绘画风格不同，中国工笔画有其独特的艺术绘制程式。中国工笔画讲究用笔用墨，笔墨不但是视觉形式，更是中国画气韵、精神的载体，笔墨功夫是很多画家一生的追求。和写意水墨画相比，工笔画同样要求以笔入画，求笔法，讲笔趣。唐代陆希声五字执笔法，要求做到“五指齐力”、“指实掌虚”，运笔则灵活自如。张彦远的“生死刚正谓之骨”，正是用笔力度的体现。元代王蒙笔力扛鼎，后人称之为“金刚杵”。清代郑绩《梦幻居画学简明·论笔》中说“用笔以中锋沉著为贵，中锋取其圆也，沉著取其定也。定则不轻浮，圆则无圭角。生怕涩，熟怕局;慢防滞，急防脱;细忌稚弱，粗忌

鄙俗;软避奄奄，劲避恶恶;此用笔之鬼关也，临池不可不醒”。由此

可见，用笔是工笔绘画中的关键所在。

如果说笔是中国画的筋骨，墨则是中国画的血肉。中国工笔画所

追求的艺术理念也是笔尽笔法、墨求墨气，以此展示“气韵生动”的

艺术魅力。纵观古今，中国文人画一直提倡“水墨为上，墨分五色”。北宋韩拙《山水纯全集》云：笔以立其形质，墨以分其阴阳。清代石

涛在其《苦瓜和尚画语录》里说：“笔与墨会，是为絪缊。絪缊不分，是为混沌。辟混沌者，舍一画而谁耶!画于山则灵之，画于水则动之，

画于林则生之，画于人则逸之。”草圣林散之在《笔谈书法》中更是

强调“古人千言万语，不外‘笔墨’二字，能从笔墨上有心得，则书

画思过半矣。有笔方有墨，见墨方见笔，笔是骨，墨是肉，水是血。

非笔不能运墨，非墨无以见笔。”

笔墨是中国画的安身立命之本，也是中国工笔画着力于追求“意”的神会的基础和前提，而“随类赋彩”则是中国工笔画的要素之一。

在历代众多工笔画名家中，善于使用色彩的当数南宋和元代交替时期

的浅绛山水大家钱选，他的作品洋溢着文人气息，在水墨浅绛的基础上，罩染石青石绿，皴染加墨点，清丽典雅,郁郁葱葱,处处表现生机,

对后世浅绛小青绿山水的发展产生很大影响。历代名家对色彩的使用

极为重视，对色彩与色调的主次、墨气与色气的效果十分讲究。如五

代南唐工笔大家顾闳中所绘《韩熙载夜宴图》，主要刻画南唐中书郎

韩熙载夜间举办盛宴的隆重场面。此作是五代时期工笔重彩的鼎力之作，其中锋用笔，线条流畅圆劲，设色富贵浓丽;其间对女乐人物的描

绘更是生动传神：华丽的衣着，浓艳的装饰，丰富而和谐的色彩，工

细极致的晕染与身着白色晚装、袒露赭色胸腹、端坐黑色椅子的韩熙

载形成强烈的对比，主宾关系明确，而人物神态和场景融为一体，形

成对立统一而又协调有节的盛宴氛围。又如顾恺之的《洛神赋图》，

周昉的《仕女图》等工笔巨作，其笔墨色彩的合理使用使所要表达的

主体更加突出，物象更加鲜明，格调更加高雅。

当代工笔画的繁荣和发展，丰富了工笔画笔墨色彩的内涵，延伸

了工笔画的艺术程式。在不久前由中国美术家协会、中国工笔画学会

主办的“全国第七届工笔画大展”上，众多优秀作品充分体现了工笔

画能实能幻、能繁能简、能宏能巧的表现形式，笔与线、线与墨、墨

与彩之间的关系得到了灵活的使用。很多优秀作品使用了制作技法，

使作品的艺术表现力更加丰富。当代工笔画名家何家英先生就工笔画

的制作技法坦言：工笔画的绘制方法，70%是制作。绘画就是很精细地

描绘，这也是一种品质。工笔画大家、中国工笔画学会创建人林凡先

生说：“现代工笔画家为什么不能制作呢?制作不是要不得，而是要大

力提倡，把制作水平提得高高的，让人们心悦诚服地接受。”“外师

造化，中得心源”，现代工笔画的创作素材来自于生活，取自于客观

世界，而创作理念却是源自于画家本人对客观世界的感悟，取决于个

人的修养和情思;创作过程则是画家对于色彩的认知和驾驭水平的考验。实践证明，笔法、墨色、色彩和制作技法的有机结合，互为作用，才

能增强作品的艺术感染力。

(论文)浅谈传统中国工笔画色彩运用的发展与创新

浅谈中国工笔画色彩运用的发展与创新 摘要：色彩是中国工笔画缺一不可的重要组成成分，地位并不低于在工笔画中占主导地位的线描。在中国工笔画的创作过程中，色彩是最重要的表现形式，色彩的运用使工笔画拥有独特的风格。传统工笔画遵循的“随类赋彩”，并不仅仅是指在画面中呈现出事物本来的面貌，而是要表现出事物所体现的精神价值所在。现代工笔画的用色在继承传统工笔画的基础上，吸收了西方绘画对色彩表达的精髓，使中国工笔画在色彩的表现方面取得创新。 关键词：工笔画；色彩；绘画形式；随类赋彩；设色技法； 色彩是中国传统工笔画中不可代替的表达画家情感与再现客观事物的方式。就个人而言我觉得色彩是最生动明了的表现形式。在绘画表现中，色彩本身就给人以直观的视觉感受冲击，当色彩被用于我们作画时的情感表现，那么就能对我们的眼睛造成强烈的震撼。色彩是我们在表达情感时最重要的方式，也是获得视觉冲击效果最有用的方式。各种不同时代、不同地域的绘画，不管他们怎样变化、进步，从画的外在表现特征来分析，色彩在画面中一直是最重要的表现形式与构成因素。在中国画中，画家对于色彩的运用当然也是必不可少的一种重要表现方法，在中国画中的工笔绘画更加注重运用色彩来表现画的主题思想与情感，以及再现绘画题材本来面貌。中国画从古至今已有几千年的历史，在上千年的发展中，对于色彩的运用有进步也有停滞不前或者退步的迹象。中国的画家文人在继承创新中国画的时候并没有对广泛运用在工笔画中的色彩进行执着的追求，而将更多的精力投入到“墨分五色”当中，总而言之，中国工笔画对颜色的运用经历了由少到多然后再逐渐衰弱的过程。在唐宋之后，传统工笔画的色彩运用已经在文人画的影响下开始没落。我将结合我自己的工笔画创作，传统工笔画对颜色运用的发展和现代工笔画对传统色彩的继承,浅谈我所感受到的中国工笔画对色彩运用的精髓，以及如何吸收借鉴西方绘画对色彩的运用，对现代工笔画的色彩表现进行创新。中国工笔画对色彩的运用更有待我们去发展创新。 一、传统工笔画色彩运用的历程 最早的中国工笔画是远古时期就有的，在唐代的时候正式确立，经过宋代的进一步发展，一直延续到今天。下面我就简单介绍一下从新石器时代到两宋时期传统工笔画用色的发展。 1.新石器时代仰韶文化具有代表性的作品《鹳鸟石斧》就可以找到中国工笔画最原始的样子。白鹳的身体不勾线，用白色涂画而成，鹳眼、鱼和长斧的轮廓则用黑线画出。勾线和平涂的技法可以看到中国工笔画最原始的雏形。据记载新石器时代已经出现了黑、红、白等颜色。 2.夏商周时期是绘画发展的初级阶段，楚国时期的两幅帛画《人物龙凤》以及《人物驭龙》都是用毛笔勾线画成，画法兼用平涂与渲染，可以看出中国工笔画色彩使用的原形在逐渐趋于成熟 3.秦汉时期从帛画的制作可以看出技巧得到提升，增加了橙色和紫色等不常见的矿物质颜料。西汉初期帛画《升天图》的技艺已经达到成熟，出现了银色和

小学美术色彩

浅谈小学美术色彩教学 内容提要： 绘画中的色彩是传达艺术精神的重要形式之一，但是它有别于“日常语言中的颜色”，它是视觉艺术的一种形式语言。它在造型艺术诸要素中的显要地位是不言而喻的,在小学生美术世界中更是占据着至高无上的地位。 [关键词]： 心理色彩兴趣评价， 美术活动在小学生的生活中占据着极其重要的地位，在课堂上美术活动可以是一种游戏，一种放松，对于课堂以外，美术活动是学生的一种兴趣爱好，小学生喜于去运用美术的各种方式方法来表达他们的所见，所闻，所思，所想。在他们创作的一幅幅绘画作品中往往倾注了他们所要表达的意愿，情感，想象……由此美术活动与小学生关系之密切程度不言而喻。小学生进行美术活动所需要的材料还是相对简单，活动场所不固定，美术活动中学生随意涂鸦，自主作画，本质上说，小学生的美术活动是一种游戏性的活动，具有自主性，自控性，随意性等特点，由于没有外在太多因素的干扰，没有压力，在这种情况下学生的绘画活动方法，内容，时间完全由他们自己掌控。绘画活动中，学生的笔触方位，笔触用力程度，以及他们独创的富有个性特点的符号，和对图形符号的诠释，对色彩的选择方式都带有原创性。小学生的生活世界是多姿多彩的，在他们的绘画里，不像成人受太多色彩学知识因素影响，如纯度、明度、冷暖色变化等，更多地强调主观感受，因而绝大部分学生着色大胆，色彩鲜艳。他们的画色彩对比鲜明，光彩夺目，令人振奋。他们喜欢用丰富的色彩来表现自己的感情和内心世界。然而，我们从他们的绘画作品中可以看出，他们绘画色彩之丰富并没有艺术家们过多的固有色、环境色、光源色，而是用单一、简洁的颜色来表现对事物的观察，让人窥视到学生内心世界的情感，非常具有童趣。 绘画中的色彩是传达艺术精神的重要形式之一，但是它有别于“日常语言中的颜色”，它是视觉艺术的一种形式语言。它在造型艺术诸要素中的显要地位是不言而喻的,在小学生美术世界中更是占据着至高无上的地位。由于色彩知识对小学生来说比较抽象,而学生之间又存在着对色彩接受上的差异,因此,在色彩教学中,教师要灵活采用多种教学方法, 化抽象

工笔画家简介

于非闇（1889～1959）：中国画家。1889年3月22日生于北京，1959年7月3日卒于同地。早年随王润暄学画，1912年入师范学校学习，后任教于私立师范学校、私立华北大学美术系、私立京华美术专科学校、国立艺术专科学校。兼任古物陈列所附设国画研究馆导师。1935年起专攻工笔花鸟画,任职于故宫古物陈列所，临摹、研究了大量古代绘画，打下了较深的传统根基。1949年后任中央民族美术研究所研究员。 陈之佛(1896.9.23--1962.1.15), 浙江余姚人。现代美术教育家、工艺美术家、画家。1916年毕业于杭州甲种工业学校机织科，留校教图案课。1918年赴日本东京美术学校工艺图案科学习，是第一个到日本学工艺的美术的留学生，曾创办尚美图案馆。先后在上海艺术大学、上海美术专科学校和南京中央大学艺术系任教授、南京大学艺术系教授兼系主任。中国美术家协会理事、中国美协江苏分会副主席、江苏省文联副主席等。主编《中国工艺美术史教材》，出版《陈之佛画集》《艺术人体解剖学》等。 俞致贞（1915—1995.5.）女，汉族，北京人。字一云，画室名百花书屋，著名花鸟画家。中国美术家协会会员，中国老年书画会顾问，中国书画函授大学教授，北京工笔重彩画会副会长，北京花鸟画会名誉会长，擅长工笔花鸟、草虫、蔬果。拜于非闇为师学小写意花鸟及工笔草虫，兼习瘦金体、篆书，后专攻工笔。后遵于先生之命，转拜国画大师张大千为师，同年秋入“大风堂”，随张大千研习工笔写意花鸟画。 田世光（1916年10月—1999年7月）号公炜，祖籍山东乐陵，世居北京西海淀六郎庄。师承张大千、赵梦朱、吴镜汀、于非闇、齐白石诸先生。早年拜张大千门下，为大风堂弟子之一。早年求学于京华美术学院，专攻国画花鸟，解放前在北平国立艺专任教，曾任中央美院教授。他长期从事花鸟、山水画创作，继承了宋元派双勾重彩工笔花鸟画的优良传统技法，并赋之予新的时代精神，为我国现代工笔花鸟画名家。田世光先生是中国美术家协会会员，北京工笔重彩画副会长，中国画研究院第一届院务委员。 喻继高，1932年出生，江苏铜山人。1951年考入南京大学艺术系，1955年毕业于南京师范学院美术系，1957年参与筹备并调入江苏国画院，专门从事工笔花鸟画的创作和研究。系国家一级美术师。现任江苏省国画院副院长、江苏省美术家协会副主席、中国画研究院院委、中国工笔画学会副会长、徐悲鸿奖学金委员会委员等职务。是国画大师傅抱石、陈之佛的高徒，得到过刘开渠、李可染的指点。 金鸿钧，1937年9月12日生于北京市。别名爱新觉罗鸿钧，满族，为清太祖努尔哈赤第15子和硕豫亲王多铎第12世孙。北京人。擅长中国工笔花鸟画，中央美术学院教授、中央文史馆馆员、中央文史研究馆书画院常务理事。1962年毕业于中央美术学院中国画系花鸟画科，并留校任教。历任中央美术学院中国画系副教授、教授，花鸟画室主任，兼任中国文联牡丹书画艺术委员会副会长、北京市工笔重彩画会副会长、北京齐白石艺术研究会副会长、中国和平统一促进会理事及书画家联谊会副会长。得到叶浅予、蒋兆和、李可染、李苦禅等老师亲授。入花鸟画科后师从田世光、俞致贞、郭味蕖等老师。

浅析装饰绘画中的色彩

浅析装饰绘画中的色彩 薛晓妍 摘要：装饰色彩是相对于写实色彩而言的。研究色彩与色彩之间所形成的美感关系，即用“关系色”观念去观察和运用色彩。绘画（这里主要指装饰绘画）能产生各种生理和心理的感受,这就是色彩构成中的色彩心理在装饰绘画中起的作用；装饰绘画也可以用色彩构成中纯粹的色彩与形态,给人以直觉及震撼的感受。当今装饰绘画的色彩观念发生了翻天覆地的变化,已呈现出纯粹化、符号化的特征。色彩成为最富表现力和影响力的艺术语言。 关键词：装饰色彩，装饰绘画，装饰性，对比性 色彩一直是画家与设计家们都十分重视的因素，不同的色彩会使同一个形体具有不同的视觉意义，某些色彩除了审美价值外，还会给人带来特殊的感觉。我们生活的世界是一个色彩的世界，色彩的存在给人们带来了愉悦和快乐，它随时能引起视觉对周围事物的注意。但是，当环境或情绪等因素出现了转变时，色彩又往往能够给人带来一种压抑或悲痛的感觉。色彩就是在使人产生愉快和痛苦之间对人产生着巨大的作用。那么，什么是色彩呢？有人说颜色就是色彩，比如画画用的油画色、水粉色，装修用的涂料、油漆。但是，当夕阳西下天色渐黑时，这些颜料都会失去绚丽的色彩。此时，色彩变成了不可视的，变化微妙、不可触摸的东西，人们发现使物体失去颜色的是光。因此，有人说色彩就是光，有了光各种色彩就能得到显现。然而，同样的光照条件在作用于有不同视觉缺陷的人时，所产生的效果也不尽相同。阳光照射下的雾都伦敦，在印象派出现之前一直是以银灰色的面貌留存在人们的记忆中。可是，观众在首届印象派画展中看到熟悉的雾都被描绘成紫红色以后，走出展厅时却满面疑惑地发现平时常见的雾似乎真的含有了紫红色的成分。从这种对色彩微妙的认识变化中我们可以看到光只是引起色彩感觉的客体，它不等同于色彩。在艺术范围内，对光与色彩的感知必须依靠一双由色彩理论支配的眼睛。 让我们设想以下，如果艺术家们都根据粒子和波长来计算色彩，那结果将是一个什么样子呢？再比如，牛顿的三棱镜色光学说与歌德的明暗色彩观相比，前者是科学的。但是，歌德发现的色彩不仅出现于明亮之处，也会从暗部出现的观点，不是对艺术家们处理暗部色彩时更有启示么？人类拥有无限的想象力和天才的创造力，思维着的大脑会随时影响视觉对色彩的理解。在构成形象的诸多因素中，色彩能够迅速的触动人们的感觉，成为一种活跃的视觉力量。英国著名学者赫伯·里德在《通过艺术的教育》中说：“色彩是形式的外观，然而色彩在艺术上扮演着很重要的角色，因为它对我们的感官 有一种非常直接的影响。真的， 各种色彩相当于我们的各 种情绪。 一、色彩与装饰色彩 考虑到色彩在艺术上的应用，可以看到这样两种事 实：一是以自然色彩为师，试图再现自然色彩的真实面貌 和美感，在表现方法上注重环境色和色彩冷暖关系；二是 以人对色彩的主观理解为依据，侧重在衣、食、住、行等 方面对色彩的利用，并希望因此而提高生产、学习、娱乐、 环境、社会活动的效率和审美意义，追求色彩的实用意义， 力图经济、美观、科学，有益于人的身心和社会道德。这种色彩称为设计色彩或装饰色彩。 图1→

浅析中国工笔画之技法

浅析中国工笔画之技法 中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。 中国画的种类很多，从画的内容可分为：人物画、山水画、花鸟画等；从画的形式或颜色上可分为：水墨、青绿、金碧等；从画的技巧上可分为工笔、写意等。其中，工笔画法是国画艺术中一种重要的表现手法。 何为工笔画？简单的说，工笔就是细致写实。亦称“细笔”。与”写意”对称。属于工整细致一类密体的画法。工笔画既然属于国画范畴，那么线条的重要性是勿庸置疑的用细致的笔法制作，一丝不苟，这是工笔画的特色。 中国的工笔画历史悠久，从战国到两宋，工笔画的创作从幼稚走向了成熟。与水墨写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实，唐代周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的都是现实生活，这些作品不仅具有很强的描写性，而且富有诗意。明末以后，随着西洋绘画技法传入中国，中西绘画开始相互借鉴，从而使工笔画的创作在造型上更加准确的同时，保持了线条的自然流动和内容的诗情画意。在工笔画中，无论是人物画还是花鸟画，都是力求于形似，“形”在工笔画中占有重要的地位。 任何绘画，除内容外，首先要解决的是造型，第一，先要抓住形。线描是构成工笔画最基本的手段，形因线而立，神因形而传。从结构出发，观察、认识对象，用富于变化的线塑造形体，表现对象，在线的基础上赋予色彩的这一画法，已成为工笔画技法的主要特点。我们学习工笔画，就应首先认识到线的作用与功能。线的变化使不同的物体，其本身的质地特点，给人不同的感觉和印象。线不仅有造型、体积、结构、质感等功能，还进一步用来表达物质的性格和精神特征。在形成线描的多种变化中，执笔与用笔是其中的一个重要因素，工笔画的执笔方法和写毛笔字的方法相同；用笔主要分为：中锋、偏锋、逆锋。在用笔时以指、腕、臂、肩为力，但腕力是基础。第二，一幅好的工笔画不仅要画得“像”，而且还要有它内在的精神面貌和性格特征，使画面作到传神的最佳效果。我们可以通过向传统画论，优秀作品和生活实践来学习其中的神韵。第三，墨是工笔画中最重要的元素，古人有“墨分五彩”之说。“五彩”指的是焦、浓、重、淡、清不同程度的变化。色彩在运用时的手法通常是色彩的调和、对比、统一、色相的改变，主次与取舍，清淡与浓艳，厚重与单调。第四，中国画有自己独特的构图手法：以大观小、以少见多、计白当黑、疏密变化、大胆破格等。 工笔画的一般步骤包括观察、作稿、勾线、渲染、着色、收拾、装裱。 观察：对对象有一个深入的观察过程。

浅析中国工笔人物画中色彩的表现

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/687275479.html, 浅析中国工笔人物画中色彩的表现 作者：张琳倩 来源：《读与写·上旬刊》2017年第09期 摘要：中国工笔人物画色彩的表现是工笔人物画的一个主要表现手段。它一方面向古代的工笔人物画传统敞开，另一方面也向当代的一切优秀视觉艺术敞开，在这样一个开放系统中每一个工笔画家都可以找到一个能发挥自己特长的表现形式。本文分为两部分一是正确认识中国工笔人物画的传统色彩观；二是正确认识中国工笔人物画的现代色彩观。 关键词：中国工笔人物画；传统工笔人物画；现代工笔人物画；色彩表现 中图分类号：G632 文献标识码：B 文章编号：1672-1578（2017）09-0208-01 中国工笔人物画有辉煌而悠久的历史，它是以中华民族的审美习惯为基础，是我国民族绘画重要的绘画形式，是最宝贵的传统。色彩表现则是工笔人物画的一个主要手段。 1.正确认识中国工笔人物画的传统色彩观 周时期所使用的颜色与绘画上的颜色在源流上有着密切的关系，它为中国工笔画色彩的发展开拓了正确的道路。这一时期最具有代表性的作品是长沙出土的两幅帛画《凤夔人物》、《人物御龙》。这两幅帛画在造型、设色、勾线上都达到了比较高的水平，它使用单线勾勒、细致有力，用墨和色平涂，渲染，画中的人物简略的施用了一些色彩。它代表了中國封建社会早期绘画发展的新面貌和新水平。 到了西汉时期工笔人物画在色彩方面表现出了巨大的成就。最具有影响的画是马王堆一号墓《轪侯利仓之妻》，这幅早期的工笔画线条勾勒得细致有力，色彩涂抹得也很浓重，画面较多的使用了红、黄等颜色。由于使用的是矿物颜料，所以至今色彩仍很艳丽。 中国工笔人物画发展到魏晋南北朝时通过将外来绘画语言与自身的绘画传统相结合，开始了对色彩的全面探索。顾恺之是这一时期的代表画家，他的代表作品是《女史箴图卷》。它使用色彩的方法有主有次，既鲜明活泼又有力。此时绘画的发展成为了以后工笔画繁荣的先声。 隋这一时期绘画色彩的运用和表现形式在我国工笔人物的发展演变过程中是一个继往开来，承先启后的重要阶段。到了唐代是工笔人物画最成熟最繁荣的时期。这一时期的画家阎立本，非常注重人物精神气质和心理特征的刻画。他的作品《步辇图》色彩丰富而柔和，在用线和用色上都非常成熟，能简单而生动自如的表现对象。特别是张萱的《虢国夫人游春图》是一幅典型的工笔人物画作品，他的作品中运用了青绿、朱黄和三青、三绿等色，这样使色彩更加富于变化，绚丽多彩。它的色彩结构与色彩配置充分体现了中国画的色彩观念。

浅谈绘画的抽象形式美

浅谈绘画的抽象形式美 形式美是视觉艺术审美要素及原则的总和。绘画作品中真正给人视觉享受的是形式美的抽象因素。本文从色彩、肌理、笔触和构成这四个方面结合名家名作对艺术中抽象形式美的语言進行简单的分析，指出画家应通过组合安排，巧妙的运用形、色、线条、笔触、肌理等等的绘画抽象构成因素，才能创造出鲜明的、生动的，具有审美情趣的艺术形象。 标签：抽象；形式美；色彩；肌理；笔触；构成 形式美是视觉艺术审美要素及原则，在绘画中，它区别于对自然形态的描绘，而是作者归纳出来的抽象形式。它的具体表现是通过画面的色彩、笔触、肌理等绘画语言，按照抽象美的规律进行适当的组织，构成美的形式。 绘画作品真正给人视觉享受的就是这些抽象因素，而内容则是通过思想和情感经验影响人。对视觉美起决定因素的不是内容而是形式。绘画作品的魅力就体现在它形式美的营造上。下面就从色彩、肌理、笔触和构成这四个方面对绘画中抽象形式美的语言进行分析。 色彩是绘画中最具感情，最有感染力的绘画语言。色彩有客观写实的色彩和主观感情的色彩。现代主义之前的色彩，基本上都属于客观写实的范畴，印象主义以前人们对色彩的认识仅限于对物体不受任何影响的整体印象的色彩，也就是“固有色”，事实上固有色也不是客观的颜色，在艺术家实际处理中往往采用了符合黑白布局需要的单纯色彩，这样的色彩能够给我们带来简洁和真实的形式美感，这种感觉在根本上仍属于抽象范畴，只是那个阶段的人们并没有系统的抽象认识，在无意中反映了抽象。19世纪末20世纪初，人们对光色变化的热爱与追求，从现实主义开始直到印象派，画家们赋予了色彩新的表现意义。这一阶段的色彩是美术史上最为“客观写实”的阶段，尽管如此，画家仍利用灵动的笔触来体现抽象的形式感。随着笔触的发展，从修拉开始人们正式开始以科学方式研究色彩的抽象形式。另外，色彩语言的表现被引向了注重主观感觉的道路，在绘画作品中赋予艺术家特有的主观感情，这和艺术家的选择与作品表达的内容有很大的关系，从色彩的表现可以看到艺术家作画时的艺术情感和艺术个性。正如荷兰最伟大的画家凡高宣称的那样：“色彩表现的一切因素都是精神的力量。”不管是新印象的理性，还是后印象的感性，自此开始，抛开具象，纯粹抽象艺术，表现性色彩研究拉开帷幕。康定斯基和蒙德里安的研究对抽象做出了里程碑式的总结，自此人们也认识到真正对色彩美产生支撑作用的不是写实形象而是其内在的抽象组织形式。 肌理是物体表面的纹理变化，表现为高低、纵横的变化，粗糙或平滑的触感。肌理作为绘画表现语言的有机组成部分，不仅能够更好的表现出物体的真实感，而且还能独立的表现美，显示出艺术家的内心激情。 为了追求肌理效果艺术家们努力的创新，将生活中偶得的肌理，如墨滴入水

莫奈绘画色彩的情感表达_陈芳

大舞台大 136 摘要：克劳特—莫奈（1840——1926）法国印象画家，他 是印象主义绘画运动的发起者、领导者和坚定不移的支持者。 莫奈致力于大自然中环境与光线的研究，莫奈善于运用了灵动 的色彩来表现他的情感，巧妙丰富的色彩观念瞬间唤起人们的 视觉感受和情感共鸣。所以对于莫奈绘画色彩的研究是非常有 意义的，尤其是莫奈是怎样应用色彩表达他的情感的。 关键词：印象派；莫奈绘画色彩；情感表达 Abstract：Artist impression of France, he was painting Impressionist movement initiator, leader and a firm supporter 。 Monet is committed to the natural light in the environment and research, the use of the Smart Monet good color to express his feelings, rich colors skillfully evoke the concept of an instant of visual experience and emotional resonance。Therefore, for the study of color Monet painting is very meaningful, especially the application of color Monet how to express his feelings. keyword：Impressionism；Monet painting color； emotional expression 19世纪以前，绘画追求的是学院派的形色并用的原则， 在色彩的绘画和表现方面主要是以物体的固有色为主。印象 派动摇了主要以模仿为目的的传统绘画理念，完成了物体条 件色和影响色的探索。从印象主义的产生、发展来看,莫奈无 疑起到了重大作用。莫奈侧重于运用色彩表达空间环境、光 线、烟雾、气流来达到画面所需要的效果。莫奈色彩的感染 力不在于扎实的写实基础，也不在于浓厚的画面故事情节和 历史底蕴，而是画面的色彩和情感的表达。他把自己的色彩 和内心情感完美地结合并发挥到极致。本文主要从莫奈油画 作品中灵动跳跃的笔触、光与色的完美结合、对水的朦胧痴 迷这三个方面探讨莫奈绘画色彩中情感的表达。 一、灵活笔触和充满透明感的色彩 莫奈捕捉外光下景物光线变化的色彩瞬间印象，用灵动 的细碎笔触将厚涂法和叠加将色彩并置，色彩的层次，透 明 轻薄。用欢快、活泼、充满丰富的色彩来表达他的主观世 界。 1.跳跃透明的色彩：莫奈的早期作品《草地上的午餐》 描绘的是十九世纪法国青年男女在 户外野餐的情景，作者运用鲜明的 色彩和灵动感的笔触直接描绘大自 然阳光下人们在午后草地上的景 象，对女孩们衣服上的花饰，洒满 阳光的裙子穿透于绿色丛林斑驳的 光影都利用了灵动的笔触和透明 明亮的色彩给人以热情洋溢、团花 景簇、情景相容的情境。画面大量 运用鲜明的黄绿色短笔点缀画面让人充满生机、活力，用冷 色调厚涂点触画面洒满落阳光的画面，灵动和闪烁反映出莫 奈清新、活泼、热爱自然、向往美好生活的情感。 2.灵动笔触：典型代表作应该是莫奈的《日出印象》， 这幅作品用色大胆夸张，很富吸引力和感染力。他描绘了一 个橘红色般的太阳正缓缓升起时阿佛尔港口的瞬间印象。这 幅作品莫奈也是运用了灵动的笔触、直接戳点的绘画手法描 绘出晨雾中模糊、朦胧的背 景，丰富的色彩赋予了水面无 限的灵动和光辉，将小船表现 得若隐若现。背景运用了大量 湖蓝来表达黎明破晓时候的宁 静和冷寂，天空也点缀着橙色 仿佛阳光从云层里面透出和背 景形成对比，并洒落在灵动的水面波光粼粼，生动地将画面 表现出来，达到了一种情景交融的境界。它充分表达了莫奈 对自然的热爱和光对海面景色的影响，这是他作品成熟的表 现，更表达了画家坚持自己的绘画思想理念以及印象主义黎 明破晓前的蛰伏、坚持内涵。灵动的笔触在色彩的配合下将 这种心情发挥达到极致。 3.随意“凌乱”的色彩笔触：一幅作品在莫奈的众多作 品中也许不那么显眼，但它却很深刻地表现了莫奈的主观情 感，《临床上的卡米尔》画家运用的随意凌乱是笔触，运用 大量冷紫色调和白色调，画出妻子痛苦的表情，线条的错杂 排列，画面惨淡、煞白，表达出画家此刻疑虑、困扰、失望 的色彩情感和无助与惨白痛苦的心情。 二、画面色彩中光与色的完美结合 莫奈淡化了绘画对象的体积感和固有色。强调物体的光 线致力于用鲜明的色彩表达阳光下物象瞬间变化。他对光色 的专注远远超越物体的形象，使得物体在画布上的表现消失 在光色之中。他用画面中光与色的完美结合来表达自己主观 情感。 1.光与色的交融、光与色的相互转换：表现景物的主观 色彩在《卢昂大教堂》中，我们可以 看到莫奈对光和色彩的探索独具匠 心。在光照下教堂的轮廓被冲淡了， 随着光的变化引起色彩的改变，教堂 形态也发生了变化。卢昂古城中心有 许多哥特式建筑，其中建于1202- 1530年间的卢昂大教堂，是最显著的 一座建筑。华丽的哥德式风格，加上 许多繁复的装饰单元与特色，教堂正 面环状的石雕纹，在广场上制造出明 灭闪烁的光影效果，莫奈就是迷上了 这种非凡的光线与色彩效果。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩 与长久不变的形体结构的对比关系。正是因为此，莫奈能够轻 而易举地表现出他所看见的事物，色彩就成为他在创作中的关 键点，不是集中表现景物形体，而是关注景物周围的空间环莫奈绘画色彩的情感表达 陈 芳 （福建师范大学美术学院2010级研究生 350000） 美术

浅谈工笔花鸟画中线条的运用及设色

浅谈工笔花鸟画中线条的运用及设色 [摘要]工笔花鸟画是中国也是世界艺术宝库中的一颗璀璨夺目的明珠。“线”是工笔花鸟画的造型要素,作为以线“勾勒”的形式语言,从古至今已成为画家用于观察和描写自然界的第一方法。也简单介绍了设色的基本方法,包括积水积色法、晕染法等制作肌理的方法。 [关键词]线条特点；融合；情感体现；色彩；分染；肌理 一、概述 千百年来工笔画的发展，积累了丰富的创作经验和技法手段，这是应当尊重和努力继承的。但我们学古人之法，又不能为古人之法所限，要学，又要变化，才能进步，才能发展。中国画家的思维模式使得水墨线条的创造有了独特的审美价值取向。它主要集中表现在对线条形、质、韵、构、势、意诸方面的追求。线条的创造这一基本语言符号的变化，直接影响了画面本身的视觉效果，而中国画线条的个性因人而异，如狂放、飘逸、沉稳、洒脱、刚健等等，它涉及到画家对笔墨技巧的思考。而色彩则是工笔花鸟画的主要形式要素之一，是其艺术表现的重要语言。工笔花鸟画的色彩艺术经历了隋唐的富丽堂皇，宋代的宁静雅致，到元人的“水墨为上”，在色彩演变过程中体现了不同的时代审美诉求。近现代以来，在多元文化的碰撞下，工笔花鸟画的设色在继承传统的基础上，积极吸收西方和日本绘画的色彩元素，在材料和技法方面不断拓展，表现出越来越丰富的个性特征，这对于当前工笔花鸟画的艺术创作具有直接的现实意义。二、工笔花鸟画线条的研究 工笔画的线条艺术性主要表现在质感、阴阳、空间、韵律四个方面。 1.工笔线条的质感美。工笔画造型主要体现在“应物用线”，不 同的表现对象，采取不同的用笔理念和技巧。如轻盈的花瓣宜用游丝描、凝重的叶子宜用铁线描、木本枝干宜用逆锋涩笔、草本茎藤宜用中锋润笔等等。观赏元永乐宫壁画，就会发现画中用线对质感的把握是非常精准的。如衣纹的轻盈、虬髯的飞扬、尺牍的平实、手足的柔软、枪戟的锋锐，无不表现得惟妙惟肖。古人就绘画中线条的形状甚至详细分类出“十八描”之说，如“兰叶描、钉头鼠尾描、铁线描、游丝描”等。现代工笔画的发展在线条上更是讲究用线的“虚入虚出、实入虚出、逆锋入纸、顺锋切入、收笔回锋”等多种变化，充分体现线条在工笔画中的形式美感和技巧。 2.工笔线条的阴阳美。我们细观前人今贤的工笔花鸟作品，就会发现一个通用的用线特点，就是花叶的根部用线较粗浓，而花叶的瓣尖部位则用线较细淡，圆柱状的物体暗面的用线也比亮面要略粗一点，如宋人作品《海棠蛱蝶图》便是例证。这些都充分说明了用线当随物体的阴阳变化而变化。有些花卉，如荷花等虽然是花瓣尖部的用线较实，但是这些花卉恰恰都是瓣尖颜色较深。深色，在绘画色彩上来说自然也就属于“阴”的部分。当代工笔画家何家英的人物画十分讲究线条的阴阳相背，受光面线条淡细，背光面线条浓粗，使线条显示了充分的光感和立

浅谈色彩语言的运用

浅谈色彩语言的运用 色彩是绘画的重要语言。它在深入刻画形象,抒发情感,烘托气氛,准确、鲜明、生动地表现生活等方面,是其他绘画语言不可替代的。 一、注重分析理解 生活中一切物象的色彩,都包含两方面,一方面,每种物象都有区别于其他物象的颜色。另一方面,我们所看到的任何物象都存在于某一具体环境中。无论是静物、人物,还是风景写生,它既受到光源影响,也受周围环境影响,在进行写生练习过程中,应当“多思”,避免盲目的实践。用色彩理论知识帮助指导、观察、分析色彩现象,时时将所见到的色彩现象与理论知识对照,不断加深理解,积累经验,用观察所得分析物象的色相明度、纯度、色调冷暖、分析构成画面的基本因素、物象的结构形体、主次虚实和光影明暗等。只有认真分析,综合理解、明确立意、做到心中有数,才能减少作画时的盲目性。 无论画素描还是画色彩,均需要理解和感觉共同参与,缺一不可。正如认识论所说:“感觉到的东西,我们不能立刻理解它,只有理解的东西,才能更深刻的感觉它。”感觉只能解决表面现象问题,理解才能解决本质问题。 二、强化色彩知识 光源色、环境色、固有色,是构成色彩关系的三大要素,三者有主、有次、相互制约,形成和谐统一的色彩整体。在进行色彩写生时,强化色彩的可变意识,正确认识和把握住三个因素在写生时相互影响而起的色彩变化,才能获得生动、丰富的画面效果。 所谓“固有色”,是指在色彩理论和在绘画实践中运用而定名的,物体的颜色是由于物体表面的分子在光线的照射下,反射出光线中的某些色光而呈现出来的色彩,实际上是物体反射出来的色光。 我们每天大部分的视觉活动都处于日光之下,在上午八九点钟起至下午三四点钟之间这段时间里,阳光光谱中的所有色光都能较顺利地照射地球,因而呈现“白光”,我们判断一件物体的准确色彩,一般都以这个时间的观察为标准,如一件新衣、一块布料等,都要“白天”这个时段里才能准确地判断其真正色彩。因此,在白光照射下物体呈现的颜色,被习惯地认为是物体的“固有色”而当光源出现偏差时,物体的“固有色”就会受到影响而产生变化和偏差。固有色与光源色越接近,色彩显得越明亮鲜艳。 在教学中,我们应该避免简单地画出物体的固有色,而应力求敏锐地感觉捕捉到在不同光源、环境下物体色彩的微妙变化,从而正确地呈现出不同时间、不同季节、不同环境条件下的色彩关系特征。只有这样,才能使色彩写生具有感人的艺术生命和魅力。

浅谈莫奈对后世的影响

摘要 克劳德·莫奈(Claude Monet, 1840-1926)他是早起印象派注意的创始人之一，并一生坚持印象注意风格。从印象主义的产生、发展看，创始人非莫奈莫属，但真正完全实现印象主义理念和技法、并且一以贯之的当推莫奈。是他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。为后人留下了宝贵的艺术财富。应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人，尽管后来的野兽派、立体派、超现实主义等艺术流派，并未遵循印象派创立的一些原则，但创立这些流派的艺术家，都从印象派那里汲取过营养关键词；莫奈、印象主义、印象派

目录 第一章；莫奈生平简介 1.1接触印象主义之前 (1) 1.2 由印象主义走向印象派 (2) 1.3 印象派的中流砥柱 (6) 1.4 晚年生活 (10) 第二章；莫奈的艺术贡献及影响 2.1理论上的革新 (12) 2.2技法上的创新 (13) 参考文献 (15) 谢辞 (16)

浅谈莫奈对后世的影响 第一章；莫奈毕生经历 1.1 接触印象主义之前 1840年10月14日，莫奈生于法国巴黎。父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人，在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。莫奈5岁时。来致函父亲的身边。在当地就学后，他将学校视同牢狱，在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课，故此学习成绩不佳，在班上总是排在倒数几名的位置上，这个孩子唯一的爱好是绘画，他常常在笔记本上作素描，以老师和同学为对象画漫画，日积月累，倒也掌握了一些绘画技巧。不过，父母对此不赞成。小莫奈乐此不疲，加上与生俱来的秉赋，几年过后，他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。15岁的时候，莫奈的木炭漫画在当地已小有名气，他为自己作品开出的价格是每幅十至二十法郎。 在诺曼底经过画商的介绍，这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中，二人从此结识。布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”，乍开始莫奈并没在意，甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。由于布丹的一片诚心，终于感动了这位少年。自学成才的布丹，习惯于在露天作画，他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。对此，莫奈也深以为然，因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。从1858年起，莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想，学习并动笔画外光画。布丹所强调的：要特

浅谈幼师专业中的装饰画教学

浅谈幼师专业中的装饰画教学 幼儿装饰画在幼儿园教育工作中，占有很重要的地位。了解幼儿装饰画的特点，掌握其造型规律和表现手法，并逐步学会将所学知识运用于实际，是每一个幼教学生必须具备的能力。在幼儿师范教学中提倡装饰画教学，有利于幼师生更好地掌握和运用装饰画，给孩子们一个形式上美丽缤纷的世界，也有利于培养和挖掘孩子们绘画的天性，使他们身心健康快乐、全面地发展。首先，我们要了解一下几点： 一、装饰画的概念 幼儿装饰画是按照形式美的规律和法则，在表现手法上侧重夸张变形，并具有一定装饰效果的绘画，都可以称为装饰画。幼儿装饰画在这里专指成人画给儿童看的富有装饰性的画。以幼儿为主要欣赏对象，强调从幼儿审美心理的需要出发，充分运用形式美的规律和法则，夸张变形的艺术手法，对所要表象的对象进行装饰变化。让画面天真浪漫、色彩鲜艳充满童趣，真正为幼儿所喜爱。 二、装饰画的特性。 饰绘画的艺术美是一种综合的美，它包含着对材料质感的敏感，对装饰语言的驾驭，对工艺技能的娴熟和最富创意精神的体现，把人类的精神、情感和信念变成了一种可感、可知、可触的物质形象造型。 1.外形轮廓美 强调造型的轮廓和动态美。形象不求体积而是平面化或浮雕化，所以它不像素描要求形象的边缘表现出立体与深度。 2.色彩单纯美 幼儿装饰画在色彩的表现上不追求条件色微妙复杂的变化，它主要注重物体固有色色块与色块之间的对比调和关系、组合与色调等问题。 3.构图整体美 幼儿装饰画的构图注重画面上下左右面积的经营，不去刻意追求画面的纵深立体效果。在表现中要做到变化中求平衡，开合中求呼应，整体中求丰满和稳定。它可运用中国传统绘画总散点透视构图法和“蒙太奇”式的自由组合构图法，打破时间和空间的限制，将远景与近景、天空与地面、虚景与实景等，按画面需要组合在一起。形成比现实更理想、更浪漫、更丰富的构成效果。

儿童美术：浅谈工笔画的笔墨和色彩

儿童美术：浅谈工笔画的笔墨和色彩 工笔画是中国传统绘画的重要组成部分，至今已有近两千年的发展历史。其精勾细染的艺术技法在中国画坛独树一帜;其意象造型的表现手法，在艺术处理上精微而不失匠气，工致而富有绘画性，为工笔画的发展留下广阔的拓展空间。 远古的帛画，以线赋彩，成为中国工笔画最基本的表现形式。祖先们在生活和劳动实践中持续完善绘画手法，逐渐形成了双勾填彩、双勾细染的画法。魏晋南北朝是中国工笔画发展的重要阶段。以莫高窟为代表的壁画，无论是富丽的色彩或是浓厚的宗教题材，都体现着先贤们娴熟的工笔表现手法。唐代的工笔画达到了一个新的高度，吴道子、张萱、周昉当为这个时期的代表画家，其工笔人物画线与墨、线与彩的完美结合至今令人叹为观止。宋徽宗赵佶喜爱绘制工笔花鸟画，改革了画院体系，提升了宫廷画家的地位，建立了画学制度，从而使院派工笔画，达到了历的辉煌期。工笔画走向民间当在元、明、清时期，尤以明清后，因为诸多因素，导致工笔画日渐式微;在文人水墨写意画主流冲击下，虽有仇英、“二袁”等职业工笔画家的努力，但是工笔画一直处于消沉状态。近代的工笔大家陈之佛、于非闇虽成果斐然，却仍未摆脱工笔画的低迷窘境。现代中国工笔画的复苏期是在上世纪80年代的改革开放时期;而近20年经济繁荣、“西风东渐”迎来了工笔画发展的辉煌时代。 与其他国家的绘画风格不同，中国工笔画有其独特的艺术绘制程式。中国工笔画讲究用笔用墨，笔墨不但是视觉形式，更是中国画气韵、精神的载体，笔墨功夫是很多画家一生的追求。和写意水墨画相比，工笔画同样要求以笔入画，求笔法，讲笔趣。唐代陆希声五字执笔法，要求做到“五指齐力”、“指实掌虚”，运笔则灵活自如。张彦远的“生死刚正谓之骨”，正是用笔力度的体现。元代王蒙笔力扛鼎，后人称之为“金刚杵”。清代郑绩《梦幻居画学简明·论笔》中说“用笔以中锋沉著为贵，中锋取其圆也，沉著取其定也。定则不轻浮，圆则无圭角。生怕涩，熟怕局;慢防滞，急防脱;细忌稚弱，粗忌

浅谈印象派画家莫奈的色彩

浅谈印象派画家莫奈的色彩 欧龙腾 摘要：本文通过对莫奈作品的赏析，解读莫奈的绘画色彩。莫奈喜欢户外写生，了解大自然，并努力研究和捕捉瞬间光影变化，并由此创作出许多表现流逝时光的系列作品，使他形成独特的绘画风格和开创出别于传统的绘画色彩理论。 关键词：莫奈；印象派；色彩； 一、印象派大师——莫奈 克劳德〃莫奈（Claude Monet,1840-1926年）是印象派的创始人之一，出生于法国巴黎的一个杂货商之家，自小便展现出浓厚的绘画兴趣。最早发现这位天才的是勒阿弗尔的风景画家布丹，此后，他们亦师亦友。1862-1864年之间，他在巴黎结识了雷诺阿，薛斯利和巴吉尔。这些同道知己经常结伴到枫丹白露森林作画。在那，他又结识了杜比尼和巴比松画家们。在同一年，他又结识了马奈，这使得马奈在1863年后的一段时间的作品风格几乎收到莫奈的影响。在1874印象派的首次画展，莫奈的习作《日出〃印象》震撼画坛，并直接促成了印象派名称的由来。绘画是莫奈的生活的主题，他被认为是印象主义的领袖，是一位花园与水的诗人。他的一生致力于研究空气氛围中的变幻及由此产生的色彩感受，并常在不同的时间和光线下，对同一对象连续作多幅描绘，捕捉刹那间的印象，并将瞬间的美妙光影定格在画面上，对他来说，“光线是绘画的主宰”，而他则是光的画家。

二、印象主义产生的背景——光学、社会的审美需求 印象主义的兴起，学院派的古典主义和浪漫主义的没落，代表着文艺界新旧思想的交替，这是文艺界发展的必然产物。实际上早在19世纪思想科学思想的浸润下的文艺界，写实主义自1850年兴起，便有取代浪漫主义和古典主义之势。这是对过去贵族艺术那种无病呻吟的浪漫获伤感潮流的一种反动。 在当时代表着新观念的写实主义思想潮流的强大号召力下，莫奈同雷诺阿，薛斯利和巴吉尔等人毅然选择了追随欧仁〃布丹和约翰〃巴托尔德〃琼格金德在1850-1860年开创的道路，坚持去户外照景写生，选择拜大自然为师，观察光影的色彩变化。 与此同时，印象主义画家们也主义吸取当时科学上的光学理论，认为色是在光的照射下产生的，在不同时间、环境、气候等客观条件下，受不同光的支配，对象也会产生各不相同的色彩变化。他们通过写生，发现过去长期不被重视的色彩现象，从而在绘画色彩上引起重大的革命。例如在夕阳下，白色的衣服会变成橘红色，而绿色的草地则会变成红色，这是一个阳光作用下的色彩世界。 三、莫奈的色彩 莫奈善于捕捉光的瞬间，他的世界是没有黑色的，在他的画作中使用的是近乎纯白色调（将白色混入纯色）的技法，一扫室内画作中往昔那种暗淡愕然的感觉。他的一生都在研究空气氛围中空气变幻以及由此产生的色彩变化。并尝试通过系列的创作表

装饰绘画色彩里的个人情感表达-模板

装饰绘画色彩里的个人情感表达 色彩是组织装饰画形式美的一个重要表现因素,一个当代画家的绘画创作的主要目的在于使色彩能充分表达画家的情感和内心体验。仅凭画家的感觉所创作出的绘画色彩,已不能满足人们的审美需要。艺术家应该注重艺术的内在情感的抒发,从而提高作品的丰富情感。本文以色彩形式审美为主,并能通过现代的旋律”节奏”构成等抽象形式,完成装饰画的装饰语言和装饰效果,就色彩的象征”装饰”模仿和表现作用论述色彩是以平面造型表现客观物象,以主观意念为思维方式,就象征性与表现性来看,色彩本身就拥有的独立审美意义。 一、色彩表现形式的主观性 装饰绘画的色彩表现不受自然物象色彩的影响,更不受客观物象色彩的约束,而是在追求色彩对人的情感表达及审美取向。然而,装饰色彩的表现形式并不是凭空臆造的,更不是对大自然色彩的临摹,而是根据作者的意念在观察客观事物的基础上来进行归纳、概括变化所形成的。它并不受固有色的约束,更不受环境色的影响,不以光色现象为色彩配合的原则它是运用装饰色彩形式美的规律,强调主观意念的情感表现,对固有色彩进行装饰、包装和合理化的处理,将固有色彩与装饰色彩巧妙地结合在一起,由于装饰色彩的表现形式和一般的色彩的表现形式有所不同,它比较注重的是抓住艺术家内心的情感表现,对于色彩在画面中的表现往往要超出画面色彩本身的视觉意义,因此,色彩实际上已经超越了很多科学意义上的规律,所以了解和研究装饰绘画色彩中的个人情感表达也就更重要了。 在伸手不见五指的黑暗场所,你就什么颜色也看不出。可见有光才有色,没有光就没有色。不同的颜色会给浏览者不同的心理感受。光源的颜色取决于发出光线的光谱成分,即光的波长情况如果想要提高色彩不同颜色的综合运用,不仅表达了他们不同的个人情感,同时也给予了人们以不同的审美感受。表现色彩对人的主观思维情感表达是具有一定的影响力,人们通过视觉去观察色彩的同时,也在无形之中便被色彩象征力影响等,色彩在心理学上的影响所感染,从而导致对色彩的感性认识及理性认识全面的把握其规律,对于色彩,它既有环境和灯光的感觉,又有冷暖、光源和色调的感觉,同时还具备华丽与朴素之分,还有主观与客观之别。等等这些,都会使人们深深的感受到色彩的审美表现以对色彩自身所独特的魅力所在。

浅谈中国工笔画的设色体系

浅谈中国工笔画的设色体系——随类赋彩 《出水芙蓉图》24×25cm 绢本设色 南齐谢赫在《画品》谓“六法”云：“一气韵生动是也，二骨法用笔是也，三应物象形是也，四随类赋彩是也，五经营位置是也，六传移模写是也。”“六法”是谢赫对汉末至梁的绘画作品第次判定的依据，反映出谢赫时代对绘画普遍认识的基本准则，“是中国绘画理论中最早、最基本的系统绘画原则，有殊为重要的地位。”这一准则中的“随类赋彩”确立了中国绘画特别是工笔画设色观念的千载规则。 中国传统工笔画是中国美术史上的一朵艳丽的奇葩，无数辉煌灿烂的经典作品，为中华民族的文明增添了亮丽的色彩。色彩是绘画的主要形式因素，马克思说“色彩的感觉是一般美感中最大众的形式”，中国传统工笔画的色彩作为重要的表现语言形成了自己独特的审美传统，中国画对色彩的认识观可以追溯到古代巫术与古代哲学，正是中华民族古老的文明孕育出中国美术的审美观念和艺术形式，形成独特的中华民族绘画的色彩传统。 一古代色彩观 一个民族的色彩观念往往体现出这个民族的审美心理和与之相连的文化特质。“色是直接表达社会观念的文化符号，是文化观念的判定元素。”(陈绶祥语)从周易的“五行五色”发展而来的中国古代色彩观就是中华民族文化的重要特征之一，这种充满东方精神特性的色彩由中国古代哲学思想体现出来。在这种受人类早期文明的民族习俗与盛行的宗教、统治者的政治影响以及当时的哲学观念支配的色彩观中，五色作为正色具有至高无上的地位和严格的尊卑贵贱的法度与等级，这种观念浓厚的色彩精神一方面体现古代的人们对色彩的道德伦理秩序的严肃态度，另一方面也反映着民族的文化心理。因此，中国古代色彩观实质上是一种哲学色彩观，具有强烈的象征性和观念性。 古代色彩的这种特性在发展到中国的两大哲学体系——“儒”“道”的思想中得到了具体而生动的展现，从而真正地进入自由的色彩审美的境界，对中国文化乃至整个东方文化产生深刻久远的影响，使这种一开始就与人生追问相连的哲学，不仅上升到宇宙的高度，而且成为人们心灵的归宿，深刻影响着中国传统艺术的色彩审美取向。中国美学的“错彩镂金之美”与“出水芙蓉之美”正是儒道哲学的这种精神在审美思想上绽放的结果。 随着历史的发展和社会的进步，色彩从工艺美术的“五色”中发展出了多种色彩，包括金、银等金属色彩，这样“以丹青为主，数十种色彩为辅的色彩画，在唐宋之前冲破了阴阳五行家的五色观，创造了许多灿烂辉煌、绚丽缤纷的色彩”。这种突破与中国古代文化的繁荣发展和东渡而来的佛教文化，以及随佛教文化传来的西画色彩观的交流影响有重要关系，成为古代绘画演进史的“色彩之变”。此后，中国画步入辉煌灿烂的色彩绘画的历史高峰。王希孟《千里江山图卷》局部52×1191cm 绢本设色 二传统绘画色彩观—随类赋彩的精神 “丹青”是唐宋以前对中国绘画的指称，从以五行色之红、青命名绘画可以看出五行色仍然在绘画中占有重要地位。“随类赋彩”在中国传统绘画的重要性及其美学意义被“六法”郑重地提出并确立了其历史地位，为后世绘画立下了一个“永恒的标准”，宋代《图画见闻志》的作者郭若虚对此感叹并称之为“六法精论，万古不移”! 要更好地贴入随类赋彩的精神，对“类”的解读非常重要。吕凤子在研究中国画画法时说：“物又各具自性与类性，以故，画中形相就须兼备自相和类相，就要同时写出类相的同和自相的异。”他认为中国画的“貌色也就应该貌物的兼该类相自相的本色”。也就是说，“类色”是有别于物象本身的“自色”，这里“类”是为统类之义，显然具有主观性。汉王延寿